TERPSÍCORE

Terpsícore. Museo del Prado

Aquí estamos de nuevo.
Corremos un tupido velo sobre los últimos e indescriptibles meses (y sobre el peor final de curso que han visto mis ojos) para continuar con el tema de la danza. Sí; queremos seguir bailando, y por eso volvemos hoy de la mano de Terpsícore.

Según el poeta y filósofo Hesíodo, Terpsícore era hija de Zeus y Mnemóside (personificación de la memoria y madre de las nueve Musas*) y era la inspiradora de la danza y de los poemas corales; ella presidía los coros de baile y los coros dramáticos (ligados desde los inicios a la danza) y su atributo ordinario era la cítara.

La admiración y el aprecio por los temas mitológicos y de la Grecia  antigua no desapareció con el Renacimiento; muy al contrario los artistas de los estilos posteriores mantuvieron vivo su interés en ellos. Hoy veremos cómo ya en un primer barroco el compositor alemán Michael Praetorius titula una preciosa suite de danzas con el nombre de la musa.

Praetorius (1571 - 1621) fue un prolífico compositor y organista del llamado Barroco temprano que escribió, además, un famosísimo tratado sobre la práctica musical de su época (Syntagma musicum).

La obra que vamos a escuchar, Tespsichore, data de 1612 y consta de una serie de danzas encadenadas que, como bien supondréis, contrastan en ritmo y carácter.

Comenzamos con una breve Bourrée  para animar el ambiente  y seguimos con un fragmento más largo que nos permite apreciar la alternancia de danzas propio de la suite. Para los melómanos enlazamos AQUÍ  la obra completa. Es una delicia..

Sobre Michael Praetorius incluimos también el programa que le dedicaron en Música antigua de Radio Clásica.

Michael Praetorius

* Las Musas son las divinidades inspiradoras de las artes; cada una de ellas está relacionada con ramas artísticas y del conocimiento. Hesíodo (escritor, poeta y filósofo de la Grecia Arcaica) habla de ellas estableciendo su numero y origen en su obra Teogonía y las presenta como hijas de Zeus y Mnemósine.

Vedlas en este relieve romano, a ver cuántas sois capaces de identificar.

Sarcófago romano del siglo II a.C (Museo del Louvre)

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Euterpe y el Epitafio de Seikilos

PAVANA Y VILLANCICO

Este año, con motivo del quinto centenario de la primera vuelta al mundo, hemos estado trabajando en un proyecto de centro de carácter interdisciplinar sobre Magallanes y su tiempo. Como las terribles circunstancias en las que nos hemos visto inmersos nos impiden concluir el proyecto de manera presencial, traemos hoy a nuestro blog dos de las piezas con las que, desde las clases de música, hemos querido contribuir, como ejemplo de lo que se tocaba y bailaba en los tiempos de Magallanes.

En primer lugar, una Pavana* y en segundo lugar, un Villancico; ambas, formas musicales típicas del siglo XVI que los alumnos de tercero han sabido interpretar estupendamente.

* La pavana es una danza cortesana que se puso de moda en toda Europa durante el Renacimiento; en España está ya bien documentada desde principios del siglo XVI. Se caracteriza por ser una forma lenta, binaria y polifónica.
https://www.sevilla.org/ciudad/vuelta-al-mundo

http://vcentenario.es/actividades/exposicion-en-museo-naval-fuimos-los-primeros-la-vuelta-al-mundo-de-magallanes-elcano/

SCHIARAZULA MARAZULA

Pieter Bruegel el Viejo - “El baile nupcial” (1566)

Esta pintura de  Pieter Bruegel es ideal para ilustrar nuestra entrada porque transmite a la perfección el espíritu de una fiesta popular y nos muestra la danza al son de los instrumentos (una gaita en este caso), tal como debía ser también en la Edad Media. 
Hoy hablamos de música profana.

Tanto en  la Edad Media como en el Renacimiento el canto y los instrumentos formaban parte de la vida cotidiana: se cantaba en la casa, en el mercado, en la calle o en las tabernas y con frecuencia las canciones iban acompañadas de baile. Casi todo lo que se cantaba también se tocaba -  o podía ser tocado -  por los instrumentos, así, una misma pieza musical podía ser interpretada por un laúd, una flauta, una viola o una gaita.

Entre los siglos  XIII y XIV se desarrollaron numerosas formas instrumentales "bailables" - unas más populares y otras más refinadas - que con frecuencia estaban relacionadas con actividades y temas concretos (las rondas, la muerte, las labores del campo, las bodas o las fiestas  cortesanas).

La danza que nos ocupa - Schiarazula Marazula -  tiene su origen en la Italia medieval y nos ha llegado a través de una recopilación que hizo el compositor Giorgio Mainerio en el siglo XVI. Según las fuentes consultadas parece ser una suerte  de "danza de la lluvia". Todo muy pagano como veis. No obstante, para saber más sobre ella lo mejor es que visitéis los enlaces que hay después de los vídeos al final de la entrada.

Ahora vamos a escucharla en diversas versiones:

Aquí, por la orquesta de plectro (cuerda pulsada) Armonie in pizzico

También ha sido utilizada por Luar Na Lubre en su canción "A Carolina"

En cuanto tenga vuestras grabaciones las incluiremos también.

Para saber más:
Schiarazula marazula (Educacionmusical.es)
Schiarazula Marazula: invocando a la lluvia

SIETE NOVIAS PARA SIETE HERMANOS

Pincha en la imagen

Siete novias para siete hermanos (Seven Brides for Seven Brothers)

es un musical estadounidense dirigido por Stanley Donen (Cantando bajo la lluvia) en 1954 y protagonizado por Howard Keel y Jane Powell. Fue ganadora del Óscar a la mejor banda sonora y fue nominada en otros importantes premios. Destacan una magnífica puesta en escena y unas coreografías espectaculares.

Sinopsis. En las montañas de Oregón la vida de siete hermanos leñadores se ve alterada cuando el mayor (Adam) decide casarse con la mujer de la que se ha enamorado (Milly) y la lleva a vivir con ellos. La idea gusta tanto a los demás hermanos que decidirán hacer lo mismo e irán al pueblo a buscar novia, aunque el procedimiento no será muy ortodoxo.

 

UN AMERICANO EN PARÍS

Un americano en París (An american in Paris) es una película musical estadounidense estrenada en 1951 y dirigida por Vicente Minelli. Protagonizada por LeslieCaron y Gene Kelly fue galardonada con seis premios Óscar y un Globo de oro, entre otros. Destacamos debidamente la importancia de su banda sonora que pertenece al compositor estadounidense George Gershwin. Una maravilla de música y danza.

Sinopsis. El filme cuenta la historia de un   pintor americano, Jerry Mulligan,  que vive en  París donde pretende desarrollar su carrera artística; éste  comienza a relacionarse con  una adinerada americana que decide promocionarlo; en estas circunstancias conoce y  se enamora de una modesta dependienta. El enredo está servido.

Ver Trailer

EL NIÑO Y LOS SORTILEGIOS

Foto: El País

Como es tiempo de estudio y de trabajo voy a presentaros una obra singular y muy apropiada: El niño y los sortilegios (L'enfant et les sortileges) del compositor francés Maurice Ravel.

La obra cuenta la historia de un niño indisciplinado, insolente  y caprichoso que no quiere hacer los deberes; pierde el tiempo y hace el vago. Cuando su madre le lleva la merienda y ve su actitud lo regaña y lo deja encerrado hasta que termine sus tareas. El niño entonces, enfadado,  se enrabieta y arremete contra todo lo que tiene a su alcance. Es entonces cuando aparece la magia: los objetos y animales que ha maltratado cobran vida, le hablan y le increpan; sillas, tazas, libros, papeles, personajes de sus libros te texto...hasta los animalitos del jardín tienen muchas cosas que reprocharle; ¿querrán vengarse? ¿será verdad lo que dicen del karma? ¿qué ocurrirá al final?

Atentos a la moraleja, os la preguntaré.

Como os he adelantado ya, se trata de una obra compuesta por Maurice Ravel, el compositor francés que tan bien conocéis mis alumnos de cuarto. Ravel la compuso en principio para ser bailada (ballet) pero luego la transformó en una pequeña ópera; se basó en un libreto* de la escritora francesa Sidonie Gabrielle Colette.

En el primer vídeo podemos ver el ballet  y en el segundo, la ópera. Dejo a criterio del lector la elección; yo no se cuál me  gusta más.

Ballet (hasta el minuto 6 hay una explicación del argumento)

Ópera

Dejo aquí el LIBRETO.

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Ravel no es solo bolero

EL CASCANUECES: MÁGICA NAVIDAD

El gran árbol, que estaba en el centro de la habitación, tenía muchas manzanas, doradas y plateadas, y figuraban capullos y flores, almendras garrapiñadas y bombones envueltos en papeles de colores, y toda clase de golosinas, que colgaban de las ramas.... Junto al árbol, todo brillaba y resplandecía...[....]

—Papá —exclamó María al fin—, ¿a quién pertenece ese hombrecillo que está colgado del árbol? —Ese, hija mía —respondió el padre— ha de trabajar para todos partiendo nueces, y, por tanto, pertenece a Luisa lo mismo que a Federico y a ti. [....] Cascanueces hizo una mueca de disgusto y de sus ojos salieron chispas como pinchos ardiendo. En el momento en que María se sentía asustada, ya tenía el buen Cascanueces su rostro sonriente, que la miraba, y se dio cuenta de que el cambio que sufriera se debía sin duda a la luz de la difusa lámpara. —¡Qué tonta soy asustándome así y creyendo que un muñeco de madera puede hacerme gestos!. 

(El cascanueces y el rey de los ratones. E.T.A.Hoffmann)

Imagen: ilustración de Carmen Sáez

El cuento de   Hoffmann con el que hemos empezado relata  la  fantástica nochebuena que vive María Stahlbaum tras recibir como regalo un cascanueces. El cascanueces en cuestión tiene forma de soldado uniformado* (típico de algunos países europeos) y  al llegar la media noche,  mientras todos duermen, cobra vida y conduce a María al mundo mágico de los juguetes.... 

Este es, en esencia, el argumento del famosísimo ballet de Tchaikovsky,  titulado también El cascanueces, que se ha convertido en todo un clásico navideño desde que fuera estrenado en San Petersburgo en diciembre de 1892.  Se trata del tercero de sus ballets y su  coreografía original - de Lev Ivanov y Marius Petipa - se basó en la adaptación que hiciera Alejandro Dumas (padre) del cuento El cascanueces y el rey de los ratones escrito por Ernst Theodor Amadeus Hoffmann.

El Cascanueces, 1892 (Foto: wikipedia)

Muchos lectores conocerán también la suite orquestal Op. 71a, de igual título, que el compositor estrenó aquel mismo año (recordad que Disney la incluyó en su película Fantasía); pues bien, las ocho danzas que la conforman se encuentran en el segundo acto del ballet (a partir del minuto 55 aproximadamente). 

Una de ellas es el conocido Pas de trois o Danza de los mirlitones que puede verse a continuación interpretada por unos jovencísimos y extraordinarios bailarines:

 

A todo aquel que no pueda verlo en vivo y en directo le recomendamos que se  regale una extraordinaria versión a toda pantalla y en su propia casa. Aquí dejamos ésta, impresionante, del ballet del Teatro Mariinsky de San Petersburgo; disfrútenlo.

 

Enlazo también esta otra versión , preciosa también, desde  Semperoper Dresden .

* Para ver cómo es y cómo funciona pinchad AQUÍ

Enlaces de interés

Para quien  quiera leerlo, el cuento de Hoffmann completo:

El cascanueces y el rey de los ratones (Ernst Theodor Amadeus Wilhelm Hoffmann)

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UN CUENTO FANTÁSTICO

UN CUENTO DE AMOR

EL SOMBRERO DE TRES PICOS, PICASSO Y BUITRAGO

Vestuario para El sombrero de tres picos. Pablo Picasso

En 1919 se estrenó en Londres El sombrero de tres picos,  ballet compuesto por Manuel de Falla sobre  la novela homónima del escritor granadino Pedro Antonio de Alarcón. Eran aquellos, tiempos dorados para la danza y los ballets comenzaban a sacudirse las fantasías románticas en pos de la modernidad y en  busca de nuevas formas de expresión. Falla, en colaboración con Picasso, creó un espectáculo sorprendente y nuevo - a instancias del famoso artífice de los grandes ballets rusos,  Serguei Diáguilev -  en el que el pintor se encargaría de diseñar el telón, los decorados y el vestuario.

En las imágenes vemos algunos detalles de la exposición "Picasso y el teatro. El sombrero de tres picos" que puede visitarse  en Buitrago de Lozoya hasta el 31 de Mayo. (1)

Maqueta para la escenografía. P. Picasso

Este ballet fue resultado de la revisión y adaptación de El corregidor y la molinera, una obra escénica previa del compositor, que había sido  estrenada dos años antes en Madrid. El argumento, cuenta la burla que un molinero y su mujer, la molinera,   hacen al corregidor de la ciudad que la pretende ilícitamente.

Aunque en apariencia el carácter andaluz predomina en la obra, Falla incluyó algunos temas del cancionero popular español que tanto le gustaban y que ya conocemos de sus Siete canciones populares. Claro ejemplo de ello son los que identifican a la pareja protagonista. Sobre este particular os recomiendo el interesante y completo análisis que  el profesor Luis Pedro Bedmar Estrada hace en el artículo que os enlazo al final. 

Pero un ballet requiere de muchos otros elementos además de la música, de los decorados y de los figurines y por eso, lo mejor es "asistir" y disfrutar de la danza, de los bailarines y de la puesta en escena; vamos a ver cómo, pese a la mala calidad del vídeo, el conjunto se constituye en una colorista y deliciosa obra maestra.

 

Este fragmento - La danza del molinero -  se ve bastante mejor: 

Y aquí , las dos suites orquestales que el propio Falla compuso sobre la música del ballet.

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(1) Buitrago de Lozoya, en la Sierra Norte de Madrid, cuenta con un pequeño  "Museo Picasso" en el que se expone desde hace treinta años una  colección de dibujos, cerámicas y pirograbados que el pintor fue regalando a Eugenio Arias, su peluquero y amigo en el exilio.   

Hace treinta años Arias donó    la colección a su pueblo   y para celebrar este aniversario  se ha inaugurado la exposición que muestra los trajes y figurines creados por el pintor para  "El sombrero de tres picos".

Para saber más:  Picasso: mi amigo en el exilio , documental  de José María Fraguas.

Buitrago de Lozoya

 Enlaces de interés: 

• “El sombrero de tres picos”. Luis Pedro Bedmar Estrada. Catedrático de Conjunto Coral e Instrumental. real Conservatorio Superior  "Rafael Orozco" de Córdoba en la Revista "Musicalia"
• "El sombrero de tres picos" por Martín Llade

• NOVELA: El sombreo de tres picos. Pedro Antonio de Alarcón

FANDANGOS

Le fandango.Pierre Chasselat (1753-1814)
Imagen: Wikipedia

"Qué cosas las mujeres hoy más desean, un cortejo, un fandango y no ser fea...” 

        El jardinero celoso, tonadilla de Pablo Esteve (1730-1794) 

Aunque por lo general el término Fandango  se asocia al  flamenco, hoy veremos que esta danza popular, que devino en palo del cante jondo, hizo, a lo largo de su recorrido histórico,  una parada en la música clásica.

El fandango se conoce como danza popular desde finales del siglo  XVII. En el s. XVIII se convierte en el baile nacional por excelencia calando y causando verdadero frenesí en todos los ambientes y capas sociales, incluidos los cortesanos:

"Conocí esta danza en Cádiz, es famosa por sus pasos voluptuosos y se ve ejecutar actualmente en todos los barrios y todas las casas de esta ciudad. Es aplaudida de modo increíble por los espectadores y no es festejada solamente por personas de baja condición, sino también por la mujeres más honestas y de posición más elevada". Esta descripción que hace del fandango el deán del Cabildo de Alicante de 1712....es una de las primeras noticias que tenemos de este baile. (Josep Crivillé i Bargalló)

Recordemos que  en el siglo XVIII la filosofía de la Ilustración defendía lo natural y lo sencillo y quizás como consecuencia de ello la aristocracia gustaba mucho de "lo popular" (por natural y sencillo, claro) de tal manera que esto, lo popular, conquistó las cortes y los salones más elegantes.
Hay quien llamó "majismo" a la versión española de este fenómeno por la frívola imitación que de las majas y majos (gente del pueblo) hacían las clases elegantes; ved cómo nos lo describe Don Ramón de la Cruz:
Señoras y señores de alta alcurnia se visten de majos, asumen sus gustos y ademanes, sus bailes y canciones...los fandangos, boleros y seguidillas acompañados de guitarras y castañuelas, propios de la Tonadilla, desbancan a los minuetos y las contradanzas.

Los grandes compositores no se quedaron al margen de estas modas e incluyeron con frecuencia aires y danzas populares en sus obras; Mozart, Gluck, Antonio Soler, Scarlatti o Boccherini cuentan con famosos fandangos entre sus producciones.

El fandango que os propongo escuchar aquí forma parte del Quinteto con guitarra en re mayor G448 de Luigi Boccherini (aquel violonchelista y compositor  italiano afincado es España que trabajó al servicio del Infante Don Luis de Borbón).  Constituye el último movimiento de un quinteto en el que tanto la guitarra como las castañuelas, brillantemente utilizados,  dan ese aire españolizante propio del "majismo" de la época.

Escuchemos el fandango completo:

En esta versión lo encontramos ya empezado pero podemos ver instrumentos de la época, el aire es más rápido y la puesta en escena muy elegante.

En 1999 dos grandes directores de cine, Carlos Saura  y  Bigas Luna, incluyeron este famoso fandango en sus respectivas recreaciones de la época goyesca.

Veamos en primer lugar un fragmento de   Goya en Burdeos  dirigida por  Saura (pinchad el enlace si queréis verla, os la recomiendo)

En  Volaverunt, la película dirigida por  Bigas Luna, tenemos otro excelente ejemplo del furor que el fandango causaba en la época de Goya.

          

A los melómanos os enlazo los más "clásicos" fandangos de la Historia.

• Fandango de Mozart (Las bodas de Fígaro) recreado también por el cine en la película "Il resto di niente" de Antonietta De Lillo (2004) (Pinchad para ver la escena)
• Fandango de C. W. Gluck
• Fandango de Domenico Scarlatti
• Fandango de Antonio Soler

Pero....¿Qué ocurrió después con el fandango? Pronto lo sabremos.

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Entradas relacionadas: Noctámbulos madrileños

Fuentes y enlaces de interés:

• Antonio Martín Moreno: Historia de la música española. 4. Siglo XVIII. Alianza Música

• Crivillé i Bargalló, Josep, Historia de la música española. 7.- El Folklore Musical, Alianza.

• Andrés Ruiz Tarazona, Fº de Paula Cañas Gálvez : Luigi Boccherini y su época. Boccherini; quintetos con guitarra. Clásica El País. BBVA

• Faustino Núñez. El afinador de noticias: Vámonos al fandango. 

• Sonia Mª Alvira Labarta. Baile de fandango. Fondo documental de"Somerondón"Asociación Universitaria Aragonesa de Folclore Aragonés
• El fandango
• El blog de Jorge Pose García,  Aprendemos a escuchar música

DANZÓN

Foto: InterEscena

Seguimos allende los mares para escuchar una obra contemporánea absolutamente hipnotizante y seductora: el Danzón nº 2 del compositor mexicano Arturo Márquez Navarro.

El danzón es una forma musical destinada al baile y surgida en la Cuba decimonónica  como una derivación de la contradanza* europea; ésta -  la contradanza -   evoluciona  cuando  se introducen en ella elementos procedentes de los ritmos africanos presentes en la isla que desplazan los acentos musicales. 

De esta manera, poco a poco, se transforma en lo que se llamaría danzón. 

La creación del danzón se atribuye al compositor  Miguel Faílde pese a que - según nos cuenta alejo Carpentier en su estudio sobre la música cubana - ya se habían editado danzones con anterioridad, si bien, lo cierto es que a partir de Faílde y su famoso Las alturas de Simpson (que podéis escuchar en pinchando en el enlace), esta danza se convierte en la reina de los salones cubanos y se extiende a otros países, arraigando especialmente en México. 

A continuación os muestro un ejemplo de esa célula rítmica tan particular que encontramos en el danzón y que en Cuba llamaron cinquillo. Pinchad el botón (play) de  la esquina superior izquierda para escucharlo:  ved además que aparece escrita de dos maneras diferentes (una en cada compás).

Pues bien; como decíamos,  esta forma musical alcanza en México un extraordinario esplendor siendo adoptada como un elemento propio de identidad.

En su Danzón No. 2,  Márquez incorpora la esencia de la cultura popular mexicana con extraordinaria elegancia; así lo explica el autor:  "es una manera personal de expresar mi respeto y emotividad hacia la verdadera música popular..."

Aquí tenéis el tema inicial  para que podáis apreciar  la aplicación de la célula rítmica que hemos visto arriba:

Ya solo nos queda llamar vuestra atención sobre el  el  ritmo  sincopado y cadencioso de la obra (en compás binario); sobre el brillante colorido que se deriva de la extraordinaria variedad tímbrica (atentos al "sabor" de las claves  a contratiempo, por ejemplo) y sobre la bellísima y delicada melodía.  La música clásica y la música popular de la mano. 

A disfrutar; os prometo diez minutos inolvidables.

.

Para los más atrevidos enlazamos la partitura (página tocapartituras.com)

*La contradanza fue muy popular en toda Europa occidental desde el s.XVII instaurándose en Cuba en el XVIII.

Fuentes:

Alejo Carpentier. La música en Cuba. Ed. Círculo de lectores. Barcelona 2002.

Enlaces interesantes sobre el Danzón:

Raúl Martínez Rodríguez El danzón cuenta su historia (Matanzascuba.org)

http://www.dcubanos.com/sabiasque/nuestro-danzon-en-mexico

AD MORTEM FESTINAMUS

La danza de la muerte 

Grabado de Michael  Wolgemut, 1493

Fazed lo que digo, non vos detardedes, 

que ya la muerte comienfa a ordenar 

una danfa esquiva de que non podedes 

por cosa ninguna que sea escapar; 

a la qual dize que quiere levar 

a todos nosotros, lanzando sus redes. 

Abrid las orejas, que agora oiredes 

de su charambela un triste cantar. 

(Dança general de la muerte)

El siglo XIV  fue un siglo de guerras y de epidemias (recordad la peste negra) a lo largo del cual y por motivos obvios   la danza de la muerte se convirtió en un tema muy popular.  En las representaciones iconográficas encontramos grupos de esqueletos y cadáveres que danzan y que, en muchos casos, invitan a bailar a todo tipo de personajes de distinta edad y condición  social. La música que acompaña esas danzas suele estar a cargo de instrumentos de viento y de percusión (ved la imagen).

Como podréis suponer, la literatura también se ocupó del tema. El texto con el que comenzábamos pertenece a la obra castellana titulada  Dança general de la muerte que data del siglo XIV y que se halla en la línea de la Dansa macabré francesa, también del s. XIV, o del posterior Ballo de la morte italiano. Al principio del texto,  tras  una suerte de prólogo en prosa en el que se resume el argumento del poema,    se anuncia el comienzo de la «dança»  al son de una especie de flauta que llama «charambela» (podéis leerlo arriba o bien en  la obra completa que os dejo enlazada al final y que os recomiendo. Es cortita.).

En lo que a la música respecta os diré que el ejemplo musical más antiguo que se conoce y se conserva de una Danza de la Muerte medieval, se encuentra en el Llivre Vermell de Montserrat (s.XIV) - uno de esos maravillosos códices que estudiamos en tercero y al que dedicaremos una entrada cualquier día de estos - . Entre  sus diez canciones  encontramos Ad mortem festinamus  (A la muerte nos apresuramos). Así comienza:

Ad mortem festinamus,

peccare desistamus...

(A la muerte nos apresuramos,

de pecar desistamos...)

Observad la monodía , la notación y el texto escrito pinchando en la imagen o consultando  la Biblioteca Virtual Joan Luis Vives. En ella encontraréis mucha más información.

Enlazamos también la partitura por si alguien se anima. Es muy fácil.

Y ahora... viajemos a la Baja Edad Media. Escuchemos.

En estos días de santos y de difuntos, aquí nos quedamos con nuestras  velas  y nuestros buñuelos; a otros os dejamos las calabazas y los zombies, pero , eso sí:  sed buenos...si podéis.

Enlaces imprescindibles:

Interesantísimo artículo (que incluye el texto completo)   DANÇA GENERAL DE LA MUERTE de la hispanista italiana Margherita Morreale de Castro  (Universidad de Padua)

Melómanos: no os perdáis esta maravilla.  LLIVRE VERMELL DE MONTSERRAT (Biblioteca Virtual Joan Luis Vives)

También os gustará Bailamos vivos y difuntos de Ana Manzano Peral.

Bibliografía y fuentes:

Ismael Fernández de la Cuesta. Historia de la música española. Desde los orígenes hasta el "ars nova". Alianza Música

Albertio Ausoni. La música. Los diccionarios del arte. Electa. Random House Mondadori

Margherita Morreale. Dança general de la muerte. Revista de literatura medieval. Padua.

UNA AUTÉNTICA BOURRÉE

(Imagen de WDICT)

Hace ya unos cuantos meses tuvimos ocasión de escuchar una Bourrée del compositor alemán Johannn Krieger (véase Como oro en paño). Recordaremos una vez más que llamamos bourrée a un tipo de danza de ritmo binario que, con frecuencia, formaba parte de la suite barroca.

Hoy volvemos sobre ella para escucharla en la interpretación de Víctor Céliz y Ayoub Mestour, alumnos de 3ºB y prometedores flautistas. Creo firmemente que su versión (primer audio) puede competir perfectamente con la de Boissy (vídeo). ¿Qué opináis vosotros?

¿Verdad que es como para sentirse orgullosos?

Dejamos también, para que los veáis, los pasos de la Bourrée Barroca (de los que parece derivar el paso de bourrée de la danza clásica).

Fe de erratas:  la redacción ha procedido a corregir las "bourradas" cometidas. ¡¡Gracias Chus!!

LA DANZA DE LOS ESPÍRITUS Y UNA CANCIÓN DESESPERADA

Orfeo y Eurídice
Auguste Rodin

Como Ulises (La Odisea: Canto XI) o Eneas ( La Eneida: Libro VI), Orfeo también visitó el infierno.

Hijo de Calíope - musa de la poesía - y Apolo - que como recordaréis era el dios de la música - nuestro personaje poseía el don de la música y era capaz de cautivar con su voz y con su lira a todos los seres de la creación. Tras la muerte de su esposa Eurídice, bajó a los infiernos para rescatarla. Hades, conmovido por su canto, le permitió llevársela a condición de no mirarla hasta haber abandonado el inframundo. Orfeo no fue capaz de superar la prueba y Eurídice volvió a morir, esta vez para siempre.

Esta historia mítica y trágica se convirtió en argumento operístico en más de una ocasión, no en vano, la ópera recurrío sistemáticamente a la mitología desde sus comienzos. Hoy vamos a escuchar dos momentos de Orfeo y Eurídice, con la que el compositor del clasicismo Christoph Willibald Gluck, pone en práctica una auténtica reforma del género dotándolo de mayor naturalidad y estableciendo una relación equilibrada entre música y texto.(Recordemos que a lo largo del Barroco los cantantes se habían ido haciendo dueños de la escena y de los argumentos, imponiendo sus exigencias y haciendo prevalecer sus acrobacias vocales sobre el texto en detrimento de la linea argumental y de la calidad dramática, de manera que las óperas se fueron convirtiendo en un medio para la exhibición virtuosística.)

La mencionada ópera se estrenó en 1762 en Viena, con el castrato Gaetano Guadagni en el papel principal y con enorme éxito.

Los episodios que nos ocupan, son dos claros ejemplos de la belleza y el equilibrio clásicos. El primero, instrumental, corresponde a la Danza de los espíritus bienaventurados, a los que Orfeo encontrará en su camino. Observad la estructura ternaria en la que la sección inicial (A) vuelve a repetirse, a modo de reexposición, tras el lírico tema central (B) protagonizado por la flauta. (A - B - A).

En la imagen los protagonistas tal y como los vió Jean Raoux.
Cerrad los ojos .... y escuchad....

A los amantes de la danza os dejo - para ver - esta preciosa versión de Pina Bausch

Por último escuchemos la más famosa de las arias de Orfeo (acto tercero): Che fàro senza euridice (Qué haré sin Euridice) que ejemplifica la "hermosa sencillez" que Gluck declaraba buscar; aquí está, en la voz de Teresa Berganza - a quien conocimos en Don Giovanni como Zerlina - con ilustraciones que corresponden a distintas escenas de la historia pintadas por diferentes artistas de todas la épocas. Dice así:

¿Qué haré sin Euridice?
¿A dónde iré sin mi bien?
¡Eurídice! ¡Eurídice!
¡Oh, Dios! ¡Responde!
¡Todavía soy tu fiel!
¡Eurídice! ¡Eurídice!
¡Ah, no me llega
ningún socorro, ninguna esperanza,

ni del mundo ni del cielo!

Enlaces de interés:
Apuntes de mitología
La Odisea: Canto XI
La Eneida: Libro VI
Galería de imágenes

LA VIDA BREVE

Pese a la brevedad de la vida, el arte hace posible alcanzar la inmortalidad.

Hoy Nuria Pomares y la Filarmónica de Israel dirigida por Frübeck de Burgos en la Danza nº1 de La vida breve (Manuel de Falla)



Tal día como hoy nació en Cádiz el compositor Manuel de Falla.

DE DANZAS Y BAILARINES

La Danza (Henri Matisse)

El fauvista Matisse supo transmitir la esencia del baile como ningún otro pintor; por eso lo traemos hoy , para celebrar el día de la danza.

El Día Internacional de la Danza fue instaurado en 1982 por iniciativa del Comité de Danza Internacional del Instituto Internacional del Teatro (ITI/UNESCO). Desde entonces, cada 29 de abril se celebran todo tipo de eventos destinados a atraer la atención del gran público hacia ella; en Coslada, sin ir más lejos, se organiza una ¡coreografía multitudinaria al estilo Bollywood!

No pretendo entrar en extensas explicaciones sobre los orígenes y la historia de este arte que todos sabemos ancestral y connatural a la expresión del hombre, pero sí quisiera mostraros algunos ejemplos extraordinarios y sumarme así a la celebración.

En primer lugar veremos a Vaslav Nijinsky, el gran bailarín creador de la famosa coreografía El preludio para la siesta de un fauno sobre la obra de Debussy, que tuvimos ocasión de conocer de la mano de Nureyev cuando hablámos del Impresionismo. He encontrado un verdadero documento histórico que os muestro a continuación.

De entre las bailarinas, os presento a la mítica Isadora Duncan, que revolucionó el mundo de la danza con sus innovaciones y de la que también hay alguna filmación. Todo un personaje de leyenda, tanto por su arte como por su vida, nada convencional.

En cuanto a una danza en concreto.... la elección no es fácil; existen miles de posibilidades, danzas preciosas de todo tipo en todas las culturas y en toda la historia. Voy a optar por una de las más famosas, que además todos conocéis: la danza del fuego.

Esta danza ritual cargada de significados y muy estudiada por los antropólogos, fue recreada, como todos sabéis, por el compositor gaditano Manuel de Falla.

A continuación, El amor brujo y sus danzas: La danza ritual del fuego (que pudimos ver ya en nuestro blog amigo En ocasiones leo libros) y La danza del fuego fatuo. Las imágenes pertenecen a la película que Carlos Saura estrenó en 1986 sobre la obra de Falla.

Y para terminar, os dejo con uno de mis personajes favoritos, ¡todo un ejemplo de tesón, entusiasmo y amor por el baile!

Para saber más: Asociación Cultural por la Danza

EL AMOR DE LAS TRES NARANJAS

Ya que hemos arribado en el siglo XX vamos a quedarnos un poquito por allí, y como lo prometido es deuda, os traigo a Serguei Prokofiev y su ópera El amor de las tres naranjas con su famosa marcha. En ella se nos cuenta la disparatada historia de un príncipe enamorado de tres enormes naranjas a las que buscará por todas partes y que esconden en su interior sendas princesas.

El particular estilo de Prokofiev hace de él un compositor inclasificable; aunque influenciado por las vanguardias musicales, por el postromanticismo y por el nacionalismo de su Rusia natal, lo cierto es que no se alineó en ninguno de esos movimientos.

Los elementos que conformaron ese estilo fueron, según el propio compositor, el clasicismo -aprendido en la infancia-, la búsqueda de la innovación, el fuerte impulso rítmico propio de la toccata, el lirismo y, por último, lo grotesco (que él prefería llamar la travesura o la broma). Todas esas características se encuentran en las dos obras de hoy .

Escucharemos en primer lugar, una marcha que forma parte de la ópera. (A ver a qué os recuerda).

En segundo lugar....otra maravilla del autor, su famoso ballet Romeo y Julieta, en otra extraordinaria interpretación de nuestro admirado Nureyev. ("Capuletos y Montescos" y la "escena del balcón").

Dos preciosas historias de amor para un día especial, disfrutadlas.

IMPRESIONISMOS

En 1867 una pintura titulada Impresión sol naciente, de Claude Monet, fue rechazada en el Salon de París: había nacido el Impresionismo. Este término se aplicaría despectivamente a las obras de Monet y de otros pintores, que rebelándose contra el academicismo y el romanticismo establecidos, intentaban plasmar las impresiones que tenían de la realidad. Para ello sacrificaron la linea y el dibujo en favor de una pincelada suelta que mezclaba los colores directamente en el lienzo; luz y color serían protagonistas y artífices de la nueva pintura.

Aunque salvando las distancias, el simbolismo de poetas como Baudelaire o Verlaine, supuso otra rebelión similar en el ámbito literario.

Tanta reacción frente a lo establecido no podía dejar impasibles a los músicos.
El iniciador de lo que se llamó Impresionismo musical -muy a su pesar-, fue el compositor francés al que ya nos hemos referido en alguna ocasión, Claude Debussy.
Para Debussy, como para Monet y Verlaine, el arte era una experiencia sensorial antes que intelectual, así, el Impresionismo musical se caracterizó por el deseo de recrear atmósferas y ambientes, por la primacía del acorde y las armonías sobre la linea melódica, por la utilización de escalas medievales y exóticas y por la revolución sonora del color musical, es decir, del uso de los instrumentos.
Como en la pintura, la naturaleza será para los músicos uno de sus temas favoritos : el agua, la luz, las nubes o los árboles están presentes en multitud de títulos, tanto de Debussy como de su principal colega y sucesor, Maurice Ravel. También como en la pintura, el Impresionismo musical marcará un antes y un después y abrirá la puerta a los grandes cambios posteriores.

La exposición sobre el impresionismo que la fundación Mapfre presenta en Madrid hasta el mes de abril, me parece la excusa perfecta para mostraros este precioso paralelismo entre las artes, y de paso, animaros a todos a visitarla. En febrero tendremos ocasión de "vernos" en el Museo Thyssen con motivo de otra: Monet y la abstracción.

Arriba algunas obras de la pintora -impresionista claro- Berthe Morisot acompañadas por el fascinante Clair de lune de Debussy en versión para violín y piano..

Abajo, el famosísimo Preludio para la siesta de un fauno.

Ya me contaréis vuestras..... "impresiones".