RUSALKA

 

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Rusalka. Dirigida por Petr Weigl en 1978, es una adaptación cinematográfica de la famosa ópera homónima de Antonín Dvořák protagonizada por Magda Vásáryová y Milan Knazko.

Sinopsis. La ondina de los lagos le pide a una bruja que la transforme en mujer para vivir el amor con un joven príncipe; la bruja lo hará a cambio de su voz. Una trágica historia de amor ambientada en un entorno mágico.

Acto primero y  Acto segundo subtitulados en español.

EN LA COLINA DEL TROLL

En el municipio de Bergen y a unos minutos de la ciudad del mismo nombre se encuentra la casa museo de Edvard Grieg (1843-1907), un pequeño y delicioso universo en torno a la figura del compositor construido en un lugar de cuento. 

Hoy  visitamos Troldhaugen.

Los acordes iniciales de su Concierto para piano en La menor suenan anunciando la parada en el tren ligero que nos conduce desde Bergen hasta Hop.  Allí, en lo alto de una colina sobre el lago Nordas se encuentra Troldhaugen, la  casa en la que vivieron Edvard Grieg y su esposa  Nina Hagerup.

Troldhaugen significa "colina del Troll" y a ella se llega subiendo una pequeña carretera  jalonada por  árboles inmensos  (en Noruega todo es inmenso). Tras un agradable paseo llegamos al amplio recinto que alberga hoy todo un complejo constituido por  la villa, el museo, la cabaña y el auditorio (Troldsalen).  Es impresionante y conmovedora la devoción que muestran  los noruegos por su compositor más universal. 

La casa - en la imagen superior - fue su residencia en Noruega especialmente durante los veranos (Grieg alcanzó una gran fama durante su vida, pasaba largas temporadas viajando y ofreciendo conciertos por Europa,  además  su posición le permitía "emigrar" al sur en el invierno en busca de temperaturas menos severas). Construida en 1885, se conserva prácticamente  como era entonces, con los muebles, los objetos, los recuerdos personales,  los retratos diversos y el gran piano en el salón donde se  siguen celebrando veladas musicales. Una joven guía  va explicando mil anécdotas e historias de la vida del compositor y de su esposa (música también), de su relación con el dramaturgo Henrik  Ibsen, con el compositor Rikard Nordraak o con la otra gran figura del romanticismo musical noruego e impulsor del nacionalismo, el famoso violinista Ole Bull.

Foto: Diariohispaniola.com

Más abajo, en la ladera que termina junto al lago,  encontramos la pequeña cabaña que Grieg mandó construir también: un refugio en el que poder aislarse y dedicarse por entero a la composición lejos de cualquier posible distracción mundana. En su interior pueden verse su otro piano, alguna butaca y el escritorio bajo una ventana abierta a la espléndida naturaleza circundante; el sueño de cualquier artista.

Junto a la villa también se encuentra Troldsalen, el moderno y elegante auditorio construido sobre la  inspiradora  vista que tanto debió gustar al compositor e inaugurado en 1985, cien años después de la construcción de la casa; en él se celebran conciertos diarios durante el verano y es la sede del  prestigioso Concurso internacional de piano Edvard Grieg. 

Asistir a uno de esos conciertos resulta una  experiencia inolvidable.

Otro edificio moderno acoge el museo en el que pueden verse sus partituras manuscritas, sus instrumentos musicales o sus objetos favoritos. Por último, en una  pared de la montaña,  frente al lago, se encuentra la tumba de ambos: Edvard y  Nina.

Edvard Grieg legó sus notas manuscritas, artículos, cartas y libros a la Biblioteca Pública de Bergen; poniendo  todo este material a disposición del público facilitó el conocimiento y el estudio de su vida, de su carácter, de su estilo y de su obra.

Su música, profundamente arraigada en las melodías y ritmos folclóricos de su tierra, se convirtió en un símbolo del orgullo cultural noruego. Fue un auténtico  maestro de la melodía, sus temas líricos y evocadores sedujeron a los más destacados compositores del momento que lo admiraron y respetaron profundamente. Cultivó con especial mimo  y extraordinaria destreza la pequeña forma. En en amplísimo catálogo de estas piezas encontramos  sentimientos,  intimidad, arraigo y amor patrio, es decir,  romanticismo y nacionalismo.

Para hacernos una idea de la belleza, el carácter y la grandeza de su obra valgan los tres ejemplos que a continuación dejaré: como podrá comprobarse si se escucha atentamente, Edvard Grieg es mucho más que Peer Gynt.

En primer lugar el Concierto para piano en la menor, Op.16 cuyos famosísimos acordes citábamos al comienzo y que es célebre por su belleza lírica y su intensidad dramática. 

El icónico tema de apertura se reconoce al instante y la interpretación, también.

  

Ahora,  la profunda melancolía de La última primavera (Piezas líricas Op. 47) .  

Y nos despedimos con una de sus numerosas Danzas Noruegas para piano, la segunda de su opus 35. Una delicia.

Como la ciudad de  Los Ángeles, Bergen también tiene su particular paseo de la fama y entre las estrellas noruegas que allí se encuentran no podían faltar Edvard y Nina Grieg.

Para saber más:

Edvard Grieg: Biblioteca pública de Bergen

Troldhaugen (kodebergen.no)

Edvard Grieg,  intimismo noruego (interactivo monográfico). RTVE

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De viajes y personajes

DE VIAJES Y PERSONAJES

Algunas veces los viajes resultan experiencias decisivas, iniciáticas podríamos decir,  bien por el descubrimiento   de nuevos lugares y personas -  incluso de quienes nos acompañan - , bien por las vivencias de nuevas situaciones, bien por el sentimiento  de satisfacción  de  ilusiones hasta entonces incumplidas y quizás también por el reconocimiento de uno mismo.  

Cualquiera de esas razones podría constituirse en tema de creación para un artista o incluso en tema para una entrada bloguera como esta. Pero ninguna de ellas será la que  mueva al protagonista de nuestra historia de hoy a recorrer  mundo.

Hoy hablamos de Ibsen, de Grieg y de Peer Gynt.

En 1876 el famoso escritor noruego Henrik Ibsen (gloria nacional de la literatura noruega) estrenó en Oslo una obra teatral titulada Peer Gynt en la que se cuentan las peripecias de un joven así llamado que emprende un largo viaje.

"¡Quiero ser rey, emperador!...Déjame tiempo,  verás  a lo que llego." 

El ambicioso Peer Gynt saldrá de su tierra en busca de  grandeza y reconocimiento; la necesidad de  admiración y el deseo de sentirse importante serán el motor que lo impulse a viajar a otros lugares; ese egotismo al que tan acertadamente alude José Ángel de Benito en su programa Música y significado.

Ibsen encargó la música incidental para la representación a su compatriota Edvard Grieg. Estamos pues ante otra maravillosa  colaboración entre dos grandes figuras de la literatura y de la música.

Grieg,  máximo representante del nacionalismo musical noruego, creó para la ocasión la que después se convertiría en su obra más famosa. Aunque esta incluye gran  variedad de números instrumentales y vocales, fueron  las dos suites orquestales que el propio compositor publicó con posterioridad - habida cuenta del gran éxito obtenido - las que se hicieron extraordinariamente populares; en ellas reunió ocho de las veintitrés piezas que  conformaban la obra original. 

          

El compositor Edvard Grieg. Eilif Peterssen. 1891.

          Suite n°1  (op.46)

               La mañana

               Muerte de Ase

               Danza de Anitra

              En la cueva del rey de la montaña 

          Suite n°2  (op.55)

               Lamento de Ingrid 

               Danza árabe 

               El regreso de Peer Gynt

               Canción de Solveig

   (Pueden escucharse en este enlace).

En Peer Gynt podemos encontrar todo aquello que caracteriza e identifica al romanticismo: lo exótico y lejano (recordemos el gran  auge de los viajes en aquella época), la utilización de escalas y melodías tradicionales y folklóricas, sonoridades orientales, una brillante orquestación y un rico colorido instrumental.

Para hacerse una idea de la obra original nada mejor que ver  esta preciosidad de vídeo de la orquesta sinfónica Ciudad de Zaragoza; es una joya.

Y nos despedimos, de momento, con esta litografía que hiciera  Edvard Munch (otro gran genio noruego)  para una representación de la obra en Francia en 1896. 

Continuará....

LAS NOCHES DE ESTÍO

Les nuits d'été es el   sugerente título  que da nombre a la colección de seis canciones compuestas  por Héctor Berlioz en 1841 sobre textos del escritor también francés  Théophile Gautier. Las escribió en primer lugar para voz y piano publicando posteriormente la versión para voz y orquesta.

A continuación una de ellas: Ausencia.

Louis-Hector Berlioz. (Wikipedia)




Ausencia
Vuelve, vuelve, amada mía;
como una flor lejos del sol,
la flor de mi vida está cerrada
lejos de tu sonrisa bermeja.
¡Entre nuestros corazones, qué distancia!
¡Tanto espacio entre nuestros besos!
¡Oh, suerte amarga! ¡Oh, dura ausencia!
¡Oh, grandes deseos insatisfechos!.
De aquí y de allá, cuántos campos,
cuántas villas y aldeas,
cuántos valles y montañas,
¡hasta cansar los pies de los caballos!

Y aquí el ciclo completo: una delicia romántica para hacer más llevaderas las sofocantes noches veraniegas.

 

AQUÍ los textos originales y  traducidos.

Entrada relacionada: Fantástico vals

CÉCILE CHAMINADE

                                                              

Foto Wikipedia

Escuchaba ayer con atención y agrado el estupendo programa radiofónico La música  que habitamos  que  Miriam Bastos  dedicaba a las compositoras del siglo XIX (Mujeres y creación musical en el siglo XIX) y del que me llamó especialmente la atención la parte dedicada a  Cécile Chaminade. 

Chaminade, famosísima compositora y  pianista francesa que nació en 1857 y murió en 1944, fue una niña prodigio que se dedicó por completo a la música alcanzando un extraordinario éxito tanto en Europa como en América. Respetada y admirada por el público  durante su vida, su excelente y muy extensa obra cayó en el más absoluto olvido tras su muerte. Sin embargo se  conoce mucho sobre su actividad y también  sobre cuánto  tuvo que soportar en lo que a crítica especializada y opiniones se refiere.

Nos cuenta Miriam Bastos cómo a principios del siglo XIX se desarrolló  una teoría que consideraba  al carácter  femenino como  emocional, subjetivo y pasivo frente al objetivo, lógico y activo carácter masculino; esta teoría tendría su aplicación a nivel musical: las mujeres deberían componer formas menores de carácter sensible e intimista dejando a los varones las grandes formas y la música de mayor complejidad y fuerza. 

Afortunadamente esto no impidió a las creadoras desarrollar su capacidad y potencial artístico pero se constituyó en un enorme escollo para ellas, una enorme dificultad añadida a la ya difícil situación que enfrentaban aquellas que intentaban conciliar su vida, su educación y su papel en la sociedad con la práctica de la música. Aún siendo apoyadas en muchos casos  por sus familias, hubieron de sufrir las críticas de los "expertos opinadores y comentaristas musicales". Y es que el mundo de la crítica musical, territorio  masculino por demás, no se lo puso nada fácil a ninguna de ellas, como ya podréis suponer.

Chaminade inició brillantemente su carrera como concertista de piano y compositora cultivando grandes y pequeñas formas tanto vocales como instrumentales, actividad esta que supo conducir con inteligencia cuando se vio en la necesidad de "vivir solo de la música" tras la muerte de su padre; fue entonces cuando  orientó su producción a un ámbito  más "comercial" centrado en el piano y las canciones  que le posibilitó la subsistencia y le granjeó una fama extraordinaria. Experta y meticulosa supo hacer la música que le exigían las circunstancias mientras componía obras de enorme complejidad y rigor. 

Algunos  críticos le reprocharon, en según qué ocasiones, tanto un exceso de "feminidad" como un exceso de "masculinidad"; muy coherentes ellos. 

Nos aproximaremos a su música con  la que se considera, sin duda, su obra más conocida: el famosísimo Concertino para flauta. Atentos a la presentación que hace el director Benjamin Zander, al que ya os presenté en esta Clase magistral.

Como ejemplo de su obra pianística, uno de sus Seis estudios de concierto (el  Op. 35 nº2)  de gran virtuosismo y belleza, al más puro estilo del romanticismo, titulado Otoño (Automne).

 

Tras la Primera Guerra Mundial, durante la que se dedicó a dirigir un hospital para heridos de guerra, publicó, entre otras, esta impresionante pieza titulada Au pays debasté Op.55 (creo que no necesita traducción).  Nos la ofrece el profesor Miguel Sancho Sancho que la publica con motivo del 8M y a quien espero que no le moleste el atrevimiento de compartirla en este espacio. Desde aquí le doy las gracias y le felicito por tan preciosista y exquisita interpretación.

   

Dedicamos esta entrada a todas las mujeres que lucharon por ser ellas mismas frente a la hostilidad y los obstáculos que imponía el patriarcado y, especialmente,  a todas las que hoy lloran la pérdida de sus hijos en las guerras  o  luchan por sacarlos adelante solas. 

  

La música que habitamos  (Enlace a la página del programa de RTVE)

Para saber más:

Cécile Chaminade. Un viaje musical a la Francia de la Belle Époque. Pelayo Jardón. (Mundoclasico.com)

RUSALKAS

Imagen: Agustín Moreno

El pasado enero, cuando comenzaba la gran nevada,  nuestro compañero Agustín Moreno tomó esta fotografía de una de las esculturas que hay junto al estanque del Retiro. Se trata de una sirena  que con su lira  parece cantar al invierno. La imagen es más que una  figura en el paisaje; es toda una evocación poética, una invitación a la belleza  que nos da pie a ahondar un poco más en el conocimiento de esas míticas ninfas acuáticas,  musicales  y algo siniestras a las que los pueblos eslavos  llamaron Rusalkas.

Cuando una muchacha se ahogaba accidental o voluntariamente, tornábase en una  Rusalka, divinidad de las aguas. Esta creencia era común a todos los pueblos eslavos. [...] La vida de estos seres era doble: acuática y forestal. Hasta principios del verano, es decir, hasta la semana de las Rusalki, vivían en el agua. A partir de este momento salían del elemento liquido para morar en los bosques. Solían escoger un sauce o un abedul de ramas péndulas sobre el agua y en él se subían y se instalaban pasando horas y horas en contemplarse en el agua que tenían a sus pies, como en un gran espejo. Durante las noches de luna llena se balanceaban en las ramas, se interpelaban, reían,  cantaban...

Juan B. Bergua. Mitología universal. Clásicos Bergua. Madrid 1979.

Aunque las rusalkas cantoras de las aguas gustaban de atraer a los incautos que se acercaban por las inmediaciones y llevarlos consigo a las profundidades hubo sin embargo una famosa excepción: la protagonista de la ópera que el compositor checo Antonin Dvorak tituló precisamente Rusalka y que se estrenó en Praga en 1901. En ella, la ondina de los lagos le pide a una bruja que la transforme en mujer para vivir el amor con un joven príncipe; la bruja lo hará a cambio de su voz,  como en el  famoso cuento de H.C. Andersen en que se inspira el libreto. ¿Tendrá feliz final también?

 

En cuanto a Dvorak, conocido sobre todo por su obra sinfónica y cuyo lenguaje se inscribe en la tradición romántica germánica, queremos recordar sus evidentes rasgos nacionalistas que en esta ocasión reconocemos en la propia temática de la obra. En ella brillan su gran maestría melódica y la expresión de la emoción  propias del romanticismo. Ambas características  se evidencian en el aria más famosa,  La canción de la luna, en la que la protagonista pregunta a la luna por su amor. 

Este es el texto traducido:

Luna, que con tu luz iluminas todo

desde las profundidades del cielo

y vagas por la superficie de la tierra

bañando con tu mirada el hogar de los hombres.

¡Luna, detente un momento

y dime dónde se encuentra mi amor!

Dile, luna plateada,

que es mi brazo quien lo estrecha,

para que se acuerde de mí

al menos un instante.

¡Búscalo por el vasto mundo

y dile, dile que lo espero aquí!

Y si soy yo con quien su alma sueña

que este pensamiento lo despierte.

¡Luna, no te vayas, no te vayas!

Veamos y escuchemos la interpretación de Rene Fleming.

   

 A continuación, un resumen de la ópera.

Aquí la dejamos completa y subtitulada.

 

También recomendamos el estupendo programa de RTVE This is Opera  dedicado a RUSALKA  y que puede verse pinchando en el enlace.

Esperando que disfrutéis de la fantasía y la belleza nos despedimos agradeciendo a Agustín Moreno la cesión de la imagen.

Enlaces de interés:

Rusalka. Wikipedia.org

La película Rusalka dirigida por Peter Weigl en 1977 y subtitulada en inglés.

Monumento a Alfonso XII.  Fotoculturamadrid

CLARA

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Clara. (Geliebte Clara) es una película alemana dirigida por Helma Sanders-Brahms y protagonizada por Martina Gedeck,  Pascal Greggory y Malik Zidi en 2008. Coproducida por Alemania, Francia y Hungría,  narra los últimos años de Robert Schumann y la famosa relación entre el matrimonio Schumann y su joven amigo el compositor Johannes Brahms.

Sinopsis. Clara es la esposa del célebre músico Robert Schumann, es una gran pianista y compositora que toca en público las obras de su marido. La película se centra en el supuesto triángulo amoroso que se crea cuando conoce a Brahms.

Clara

ERLKÖNIG

Ilustración de Ernst Kutzer

"En los artistas que tuvieron una existencia muy breve, se encuentran, a veces,  esas riquezas terribles - casi excesivas para los débiles hombros del ser humano - que ya pertenecen al mañana."

(Alejo Carpentier.  Shubert: leyenda y realidad, 1953)

Esta lúcida sentencia de Carpentier  adquiere todo su sentido cuando entramos en el universo liederístico de Franz Schubert: un mundo vasto, multicolor, sutil y novedoso en el que, entre otras maravillas, el compositor abre la puerta a un nuevo concepto del acompañamiento pianístico.

Un claro y famoso ejemplo de ello es este trágico e intenso lied titulado Erlkönig que hoy vamos a escuchar y que es perfecto para recibir a Noviembre, con sus Santos y sus Difuntos.

En 1815  Schubert (1797 - 1828) puso música al poema de Goethe de 1782 titulado Der Erlkönig (El rey de los Alisos, que también se ha traducido, al parecer erróneamente, como El rey de los Elfos). Este poema formaba parte de un libreto operístico (Die Fischerin) y describe la enloquecida carrera a caballo de un padre con su hijo en la noche fría y ventosa a través de un siniestro bosque.

 

Leamos el texto:

¿Quién cabalga a través de la noche y el viento? 

es un padre con su hijo; 

tiene al pequeño en sus brazos, 

lo lleva seguro, le da calor.
- Hijo mío ¿por qué escondes tu rostro asustado?

- ¿No ves, padre, al Rey Elfo?

¿el Rey de los Elfos con corona y manto?

- Hijo mío es el rastro de la neblina.

- ¡Dulce niño ven conmigo!

Jugaré maravillosos juegos contigo;

Muchas encantadoras flores están en la orilla,

mi madre tiene muchas prendas doradas.

- Padre mío, padre mío ¿no oyes

lo que el Rey de los Elfos me promete?

- Calma, mantén la calma hijo mío;

el viento mueve las hojas secas. 

- ¿No vienes conmigo buen niño?

mis hijas te atenderán bien;

mis hijas hacen su danza nocturna

y ellas te arrullarán y bailarán para que duermas.

- Padre mío, padre mío ¿no ves acaso ahí,

a las hijas del Rey de los Elfos en ese lugar oscuro?

- Hijo mío, hijo mío, claro que lo veo:

son los árboles de sauce grises.

- Te amo; me encanta tu hermosa figura;

y si no haces caso usaré la fuerza.

- ¡Padre mío, padre mío, ahora me toca!

¡el Rey de los Elfos me ha herido!

El padre tiembla y cabalga más aprisa,

lleva al niño que gime en sus brazos,

llega a la casa exhausto;

en sus brazos el niño está muerto.

Aunque se trata de un lied (por lo tanto una obra breve) , en él intervienen cuatro personajes: el padre, el hijo, el Rey de los Elfos y el narrador, que inicia y termina la canción. Habitualmente una sola voz (masculina o femenina) canta todo el texto, pero, en ocasiones, también se interpreta con cuatro cantantes diferentes, uno por cada personaje.

Si la sencilla línea melódica en las voces facilita la comprensión del texto intensificando el dramatismo de las palabras y logrando un maravilloso equilibrio entre música y poesía, el acompañamiento pianístico aporta un contexto angustioso y siniestro representado por el que podemos considerar el quinto personaje de este lied: el caballo.

Como en Margarita en la rueca,  Schubert utiliza un ritmo ostinato en el acompañamiento, transmitiendo con él la sensación de continuo movimiento. Emula el galope del caballo en el constante martilleo de los tresillos (de notas repetidas)  en la mano derecha, pero  también la lluvia y el viento en los motivos melódicos ascendentes y descendentes de la mano izquierda; así, crea toda una atmósfera que contribuye a una mayor fuerza y  expresividad de las palabras. La tensión va en aumento hasta terminar en una rotunda y dramática cadencia perfecta que da fin a la obra y que deja  al oyente absolutamente sobrecogido.

El equilibrio entre música y poesía es perfecto.

Vamos a escucharla ahora en diferentes versiones.

- La primera, interpretada por un tenor (Daniel Norman) que canta el texto íntegro dando voz a los diferentes personajes - que es lo más habitual y difícil. por cierto - y que está ilustrada por una preciosa animación.

- La segunda, interpretada por cuatro cantantes diferentes que dan voz a cada uno de los cuatro personajes

- La tercera incluye la partitura para poder observar detalladamente todo lo dicho.

 Aquí, interpretada por los cuatro personajes:

Aquí con partitura y texto:

Este lied de Schubert fue orquestado por Héctor Berlioz en 1860. Puede escucharse pinchando el enlace.

“Todo depende del poema; si es bueno, la inspiración viene enseguida. Las melodías afluyen que da gusto. Si es malo no hay nada que hacer" (Franz Schubert)

Enlaces de interés
      El rey de los Elfos, en el blog de  María Quintanilla

     Versión metal del texto de Goethe por el grupo Leichenwetter 

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FANTASÍA SOBRE FAUSTO

Fantasía sobre Fausto,  Mariano Fortuny (1866).
Amplíese la imagen para ver detalles

Volvemos hoy sobre esta pintura de Mariano Fortuny (muy de actualidad, por cierto) para aproximarnos a la obra musical que la protagoniza y que le da título: la Fantasía sobre Fausto de Juan Bautista Pujol.
Una vez más nos adentramos en el Romanticismo, el "reino" de la Música, en el que se aspira "a la unión y la convergencia de todas las artes a través de aquella" (1)

Antes de comenzar y para entender el contenido, hay que conocer algunos datos que  presento cronológicamente a continuación:

• Fausto es un mítico personaje literario que vende su alma al diablo a cambio del conocimiento y que aparece ya  en una obra anónima del  Renacimiento, sin embargo... 
• será el escritor alemán  J.W. Goethe quien le confiera su gran peso literario y filosófico en su obra titulada Fausto, publicada en dos partes (1808 y 1832).
• En  1859  el compositor francés Charles Gounod estrena su  ópera  Fausto  inspirada en la obra de Goethe.
• En 1866 el pianista y compositor   español Juan Bautista Pujol publica su Gran Fantasía para piano sobre la ópera Fausto de C. Gounod
• En 1866 el pintor Mariano Fortuny pinta el cuadro titulado  Fantasía sobre Fausto

Toda una cadena de Faustos, como véis, para entender un cuadro con tres Faustos distintos: el Fausto de Gounod, el Fausto de Pujol y el Fausto de Fortuny.

Hemos de saber también  que en el siglo XIX los artistas eran dados a retratar  a sus amigos y colegas en plena actividad, inmortalizando sus reuniones y todo aquello que les causaba sensación. Como habréis  intuido, el caso que nos ocupa es precisamente eso: lo que el pintor Fortuny vivió una tarde y reflejó después en un cuadro. 

Vayamos ahora a la pintura y a su contenido (pinchando en el pie de foto pueden verse los detalles)

El cuadro de Mariano Fortuny  nos ofrece dos mundos claramente diferenciados: el de la realidad y el de la fantasía - si, de nuevo ese término que alude a la imaginación y a la libertad, ambas características identificativas esenciales del movimiento romántico- .  

• Los personajes reales (ángulo inferior derecho) son dos pintores y un pianista que se encuentran en  el estudio de otro pintor
• Los personajes de ficción (ángulo superior izquierdo)  pertenecen a la ópera Fausto (de Gounod, os lo recuerdo) y aparecen entre nubes y brumas.

Como hemos dicho ya, la reunión de artistas tiene lugar  en el estudio de un  pintor - Francisco Sans Cabo - . En dicho estudio  vemos al compositor y gran pianista Juan Bautista Pujol tocando  mientras los dos pintores (Agapito Francés y Lorenzo Casanova)  escuchan atentamente. Pero ¿qué obra musical interpreta nuestro pianista? pues una titulada  Fantasía sobre Fausto de Charles Gounod (2) compuesta por él mismo. Precisamente esa música evoca a los personajes de la ópera que pululan entre nubes: Fausto y Margarita abrazados en la lejanía y Marta y Mefistófeles en un primer plano; a sus pies, la lechuza cargada de simbolismo...

Pues bien; vamos a escuchar la obra pianística que inspiró el cuadro y lo haremos en este vídeo editado por el propio Museo de Prado en el que se nos muestra un resumen de la obra  a cargo del pianista Miguel Huertas.
Con vosotros, la Gran Fantasía para piano sobre la ópera Fausto de C. Gounod Op.20 de Juan Bautista Pujol

Pinchando en la siguiente  imagen puede accederse a la partitura de la obra, editada en Madrid en 1866 por Antonio Romero y dedicada a su amigo Eduardo Compta (1835-1882), pianista y profesor  en el conservatorio de Madrid y autor de un "Gran método de piano".

Imagen: Biblioteca digital hispánica (BNE).

Volviendo a nuestro pintor añadiremos que fue un gran aficionado a la música y especialmente a la ópera.  De entre las actividades organizadas con motivo de la gran exposición que sobre su obra  nos ofrece el Museo del Prado en estos días, os recomiendo el concierto que tendrá lugar el 23 de febrero en el auditorio del propio museo con el título de Fortuny y la ópera romántica; en él podremos escuchar, entre otras obras, la Gran Fantasía sobre Fausto de Pujol y algunos números de la ópera Fausto de Gounod.

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Por si la explicación os ha resultado farragosa o pesada  dejo también   este vídeo en el que Javier Barón, jefe de Conservación de pintura del siglo XIX y comisario de la exposición, lo explica estupendamente.

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(1) Enrico Fubini. La estética musical desde la Antigüedad hasta el siglo XX

(2) Musicalmente hablando una Fantasía es una forma  libre, no sujeta a estructura previamente establecida, cuyo origen se remonta al Renacimiento; en el siglo XIX se aplicaría este término a aquellas obras que encadenaban motivos operísticos que eran recreados, comentados o variados. Cuando se trataba de este tipo de "fantasía" se hacía constar en el título la ópera que le servía de base; el caso que nos ocupa hoy es un ejemplo de ello.

Enlaces de interés
     Fausto. J.W. Goethe

     Fausto  (ópera de Gounod) Libreto de Jules Barbier y Michel Carré

Fuentes:

     Museo Nacional del Prado

     Biblioteca Digital Hispánica

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