La Traviata. Se trata de una famosísima adaptación al cine de la ópera de Giuseppe Verdi. La película, dirigida por Franco Zeffirelli en 1982, contó con la Orquesta y Coro del Metropolitan bajo la batuta de James Levine y fue protagonizada por Teresa Stratas como Violeta Valéry y Plácido Domingo como Alfredo Germont.
Sinopsis. Basada en La dama de las camelias, célebre novela de Alejandro Dumas, la obra se desarrolla en París y narra la historia de amor entre la cortesana Violeta Valéry y el joven Alfredo Germont, miembro de una familia pudiente. La presión familiar y social desencadenará el drama e impedirá la felicidad de la pareja.
(Ven, bella armonía, dichosa hechicera, a triunfar. Deja que mi voz te enamore; deja que calme las furias del mar.)
Hoy hacemos nuestra una deliciosa invocación a la armonía; la encontramos más que adecuada en estos días en los que el horror de las noticias de un mundo enloquecido nos abruman.
El aria, interpretada por Nuria Rial y el conjunto Artemandoline, pertenece a la ópera "Le feste d'Imeneo" de Tommaso Traetta que fue estrenada en Parma en 1760 con motivo de la boda de María Isabel de Borbón y Parma con José II de Austria. María Isabel era nieta de los reyes Felipe V e Isabel de Farnesio - infanta de España, por tanto - y, además, una ilustrada escritora .
Deseando y esperando que la armonía llegue a triunfar sobre todas las furias os deseo unas felices fiestas.
Werther. Otra de las óperas llevadas al cine por Peter Weigl que en 1985 rodaría la romántica ópera de Jules Massenet basada a su vez en la famosa obra literaria Las penas del joven Werther de Johann Wolfgang von Goethe. Protagonizada por Brigitte Fassbaender y Peter Dvorsky la obra trata de los sentimientos, del amor no correspondido.
Sinopsis. El protagonista, Werther, se enamora locamente de la joven Charlotte pero ella ya está comprometida con Albert y se casará con él. El sufrimiento llevará al joven Werther a un terrible final.
Rusalka. Dirigida por Petr Weigl en 1978, es una adaptación cinematográfica de la famosa ópera homónima de Antonín Dvořák protagonizada por Magda Vásáryová y Milan Knazko.
Sinopsis. La ondina de los lagos le pide a una bruja que la transforme en mujer para vivir el amor con un joven príncipe; la bruja lo hará a cambio de su voz. Una trágica historia de amor ambientada en un entorno mágico.
Eugenio Oneguin es una película dirigida por el checo Petr Weigl en 1988 que lleva a la pantalla la ópera de Piotr Ilich Tchaikovski.
El compositor ruso adaptó la novela homónima de Aleksandr Pushkin en 1879.
Está protagonizada por Michal Docolomanský como Oneguin y Magdaléna Vášáryová como Tatiana, cantados por Stuart Burrows y Teresa Kubiak.
La banda sonora es la producción que dirigiera Sir Georg Solti con la Royal Opera House en 1972.
Sinopsis. Trata sobre el amor no correspondido y el arrepentimiento por las decisiones tomadas; una historia de, amores, celos y duelos. En la Rusia del sigo XIX el aristócrata Eugenio Onegin rechaza el amor de la joven Tatiana pero, con el tiempo, se arrepentirá de ello....
Aunque con frecuencia se lo recuerda por su personalidad poderosa, sus intrigas y su quizás absurda muerte, fueron su inteligencia y su contribución al desarrollo de la música vocal escénica las que lo convirtieron en la figura más importante y trascendente del barroco francés.
J.B. Lully por Paul Mignard
Jean Baptiste Lully (Florencia 1632 - París 1687) fue el creador de la tragédie lyrique (la ópera francesa).
Nacionalizado francés, compositor de cámara y "superintendente de la música" llegó a controlar toda la actividad musical de la corte; su producción abarcó el gran ballet o ballet de cour (la danzaera la reina de las artes escénicas en la Francia de Luis XIV), la comedia ballet yel drama musical.
Supo crear un estilo impactante y atractivo en el que combinaba a la perfección el espíritu y el sentido de los libretos con la magnificencia y el boato, muy en armonía con el esplendor de la corte. Adaptó el recitativo a la acentuación y al ritmo de la lengua francesa anotando exhaustivamente cada detalle en la partitura, sin dejar nada a la voluntad o la destreza de los cantantes y fue artífice también de un considerable aumento de la orquesta llegando a utilizar hasta más de cincuenta violines en algunas ocasiones.
Sus obras escénicas representan el equilibrio, la sobriedad y el racionalismo* y siempre muestran el máximo respeto por las reglas de unidad de tiempo, lugar y acción propias del teatro de su tiempo. En ellas encontramos danzas de ritmos marcados, marchas solemnes y majestuosas, grandes coros y momentos de glorificación y adulación a la corona y a la nación (suelen comenzar con un preludio o prólogo de presentación dirigido expresamente al rey).
Algunas de estas cuestiones y características pueden apreciarse en los siguientes vídeos que corresponden a la que fuera favorita del rey y una de sus más famosas óperas: Atys. Su libreto, obra de Philippe Quinault, se basa en la historia de Atys, el personaje mitológico del que una vez más nos habla Ovidio y que acaba convertido en árbol. (Recordemos el gusto por los temas mitológicos e históricos de la "ópera seria")
Atys y Sangaride se aman (pese a que ella está prometida a otro y él ha hecho voto de celibato). Cuando la diosa Cibeles, enamorada de Atys, lo descubre, se venga cegándolo. En su enajenación Atys mata por error a su amada y al darse cuenta de lo ocurrido intenta suicidarse; Cibeles entonces, arrepentida, lo transforma en pino. Un argumento tan peregrino y absurdo como puede parecernos el desafortunado percance que desencadenó la muerte de nuestro compositor: un golpe de mala suerte, un error de cálculo. Puede verse el dramático momento al comienzo de la película La pasión del reyincluida al final y en la que podemos disfrutar de una preciosista recreación de la época, de la corte y de la relación entre Lully y el rey.
Vayamos con los vídeos:
Entrada y danza de los Céfiros. Templo de Cibeles. Acto II
El sueño. Acto III
Final
Y como no todo va a ser cantar nos despedimos con una pieza instrumental, un precioso pasacalle o Passacaglia, (sucesión de variaciones sobre un bajo ostinato) perteneciente a Armida, otra de sus óperas.
Disfrute el paciente y melómano lector de esta otra versión que nos gusta especialmente:
*Compostura y formalidad definen aquella corriente de estética musical que tan bien representa nuestro compositor y que se oponía a la expansión de los afectos y las emociones propias de la ópera italiana (en la que primaba la música y el virtuosismo de los cantantes sobre el texto en detrimento, por lo tanto, de la acción dramática).
El pasado enero, cuando comenzaba la gran nevada, nuestro compañero Agustín Moreno tomó esta fotografía de una de las esculturas que hay junto al estanque del Retiro. Se trata de una sirena que con su lira parece cantar al invierno. La imagen es más que una figura en el paisaje; es toda una evocación poética, una invitación a la belleza que nos da pie a ahondar un poco más en el conocimiento de esas míticas ninfas acuáticas, musicales y algo siniestras a las que los pueblos eslavos llamaron Rusalkas.
Cuando una muchacha se ahogaba accidental o voluntariamente, tornábase en una Rusalka, divinidad de las aguas. Esta creencia era común a todos los pueblos eslavos. [...] La vida de estos seres era doble: acuática y forestal. Hasta principios del verano, es decir, hasta la semana de las Rusalki, vivían en el agua. A partir de este momento salían del elemento liquido para morar en los bosques. Solían escoger un sauce o un abedul de ramas péndulas sobre el agua y en él se subían y se instalaban pasando horas y horas en contemplarse en el agua que tenían a sus pies, como en un gran espejo. Durante las noches de luna llena se balanceaban en las ramas, se interpelaban, reían, cantaban...
Juan B. Bergua. Mitología universal. Clásicos Bergua. Madrid 1979.
Aunque las rusalkas cantoras de las aguas gustaban de atraer a los incautos que se acercaban por las inmediaciones y llevarlos consigo a las profundidades hubo sin embargo una famosa excepción: la protagonista de la ópera que el compositor checo Antonin Dvorak tituló precisamente Rusalka y que se estrenó en Praga en 1901. En ella, la ondina de los lagos le pide a una bruja que la transforme en mujer para vivir el amor con un joven príncipe; la bruja lo hará a cambio de su voz, como en el famoso cuento de H.C. Andersen en que se inspira el libreto. ¿Tendrá feliz final también?
En cuanto a Dvorak, conocido sobre todo por su obra sinfónica y cuyo lenguaje se inscribe en la tradición romántica germánica, queremos recordar sus evidentes rasgos nacionalistas que en esta ocasión reconocemos en la propia temática de la obra. En ella brillan su gran maestría melódica y la expresión de la emoción propias del romanticismo. Ambas características se evidencian en el aria más famosa, La canción de la luna, en la que la protagonista pregunta a la luna por su amor.
Este es el texto traducido:
Luna, que con tu luz iluminas todo
desde las profundidades del cielo
y vagas por la superficie de la tierra
bañando con tu mirada el hogar de los hombres.
¡Luna, detente un momento
y dime dónde se encuentra mi amor!
Dile, luna plateada,
que es mi brazo quien lo estrecha,
para que se acuerde de mí
al menos un instante.
¡Búscalo por el vasto mundo
y dile, dile que lo espero aquí!
Y si soy yo con quien su alma sueña
que este pensamiento lo despierte.
¡Luna, no te vayas, no te vayas!
Veamos y escuchemos la interpretación de Rene Fleming.
A continuación, un resumen de la ópera.
Aquí la dejamos completa y subtitulada.
También recomendamos el estupendo programa de RTVE This is Opera dedicado a RUSALKAy que puede verse pinchando en el enlace.
Esperando que disfrutéis de la fantasía y la belleza nos despedimos agradeciendo a Agustín Moreno la cesión de la imagen.
(Cappella di Santa Maria degli Angiolini & Gian Luca Lastraioli)
Celebramos hoy el día internacional de la mujer con la música de Francesca Caccini (1587-1641), famosa compositora que ilustra a la perfección los inicios del Barroco y el ambiente cultural reinante en la Italia del siglo XVII.
Con un estilo musical y compositivo propio del primer barroco en el que la melodía acompañada se erige como novedad y verdad musical, Francesca Caccini - hija del también compositor Giulio Caccini - ha pasado a la historia como autora de la primera ópera compuesta por una mujer; sin embargo sería desmerecer su legado si nos limitásemos a recordarla solo por eso, y es que no se conformó con el trabajo en esta nueva forma vocal; fue mucho más allá cultivando formas de diversos tipos y géneros (incluidos los madrigales que tan bien conocéis ya) que se han perdido en su mayoría. Entre lo poco que se ha conservado hay que destacar el compendio de canciones publicado como Il primo libro delle musiche* en1618.
Su fama trascendió la corte de los Médici en la que trabajó toda su vida como compositora, instrumentista, cantante y profesora. En 1625, con ocasión de un evento, compuso y estrenó con gran éxito la mencionada ópera, su obra más conocida: La liberazione di Ruggiero dal isola d’Alsina.
Escuchemos un fragmento en la interpretación deHuelgas Ensemble.
El libreto de la ópera se basa en la famosa obra de Ariosto Orlando Furioso; en él, el caballero Ruggirero está secuestrado por la malvada maga Alcina y será rescatado por Melissa, su amante disfrazada de hombre...(¿por qué sería?)
Alcina, una vez se cansaba de sus amantes, los convertía en plantas; en el siguiente fragmento podemos escuchar a Ruggiero, a Melissa y al coro de plantas encantadas que suplica a Ruggiero que no se vaya. Obsérvese el papel que juegan los instrumentos en la expresión de los estados de ánimo.
Nos despedimos con el retrato de nuestra protagonista de hoy y con una de sus canciones más alegres, recordando que la lucha de las mujeres por la igualdad no ha terminado. En ello estamos.
Recuérdame, recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino.
Comenzamos la nueva década bloguera con una serie de hermosas lamentaciones que traeremos periódicamente a nuestro rincón musical, para solaz y consuelo de todos nosotros.
La primera será la que el compositor del Barroco inglés, Henry Purcell, puso en boca de la reina Dido.
En efecto, Dido (reina de Cartago) protagoniza una mítica historia de amor con Eneas (héroe de la guerra de Troya) de la que Virgilio nos da cuenta en los cuatro primeros libros de su famosa Eneida.
"Empieza entre tanto a revolverse el cielo con grande estrépito, a
que sigue un aguacero mezclado de granizo [...] los torrentes se derrumban de los
montes. Dido y el caudillo troyano llegan a la misma cueva; la Tierra la
primera y prónuba Juno, dan la señal; brillaron los relámpagos y se
inflamó el éter, cómplice de aquel himeneo, y en las más altas cumbres
prorrumpieron las ninfas en grandes alaridos. Fue aquel día el primer
origen de la muerte de Dido y el principio de sus desventuras, pues
desde entonces nada le importe de su decoro ni de su fama; ya no
oculta su amor.."
Como ya habréis deducido, la cosa no acaba bien; Eneas abandona Cartago dejando a Dido sumida en una profunda tristeza y desencadenando la tragedia. Ella no puede seguir viviendo; quema en una hoguera las pertenencias de su amado y se da muerte con su espada.
"¡Y he de morir sin venganza! exclamó. Muramos: así, así quiero yo descender al abismo. Apaciente sus ojos desde la alta mar el cruel Dardanio en esta hoguera, y lleve en su alma el presagio de mi muerte." Dijo, y en medio de aquellas palabras, sus doncellas la ven caer a impulso del hierro, y ven la espada llena de espumosa sangre y sus manos todas ensangrentadas."
Os invito a escuchar ese momento tal y como lo concibió Purcell, en una aria tan mítica como la historia a la que se refiere y en la que Dido, agonizando, se despide de su doncella Belinda.
Aria
When I am laid, am laid in earth, May my wrongs create
No trouble, no trouble in thy breast;
Remember me, but ah! forget my fate,
Remember me, remember me, but ah! forget my fate.
Aria
Cuando yazga, yazga en la tierra, que mis errores
no causen cuitas a tu pecho;
Recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino;
Recuérdame, recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino.
Ved y escuchad pinchando AQUÍ la belleza de esta joya barroca.
En este vídeo puede seguirse la partitura.
La ópera Dido y Eneas fue compuesta por Henry Purcell en torno a 1688 sobre un libreto de Nahum Tate (que a su vez se basó en la mencionada obra de Virgilio). De pequeñas dimensiones, consta de tres actos en los que se incluyen danzas, coros y cuatro personajes principales acompañados de una orquesta de cuerdas y continuo. Como en toda ópera barroca, se alternan recitativos y arias, la última de ellas es esta pequeña joya de la música que hemos visto y escuchado. Sobre el argumento, ya está todo dicho.
Para los melómanos enlazo el LIBRETO y la ópera completa AQUÍ .
Hoy queremos invitar a todos nuestros lectores a profundizar y completar sus conocimientos sobre la fascinante forma musical que muchos de nuestros alumnos han tenido la fortuna de conocer durante este trimestre (eso si, unos mejor que otros). A tal fin incluimos, en primer lugar, la página de actividades Play Ópera, a la que puede accederse también pinchando en la imagen. En segundo lugar enlazamos un magnífico documental de la BBC sobre la historia de la ópera italiana.
Con la esperanza de que sirva de repaso y entretenimiento os deseamos, desde Ab música y más, un feliz descanso.
Volvemos hoy sobre esta pintura de Mariano Fortuny (muy de actualidad, por cierto) para aproximarnos a la obra musical que la protagoniza y que le da título: la Fantasía sobre Fausto de Juan Bautista Pujol.
Una vez más nos adentramos en el Romanticismo, el "reino" de la Música, en el que se aspira "a la unión y la convergencia de todas las artes a través de aquella" (1)
Antes de comenzar y para entender el contenido, hay que conocer algunos datos que presento cronológicamente a continuación:
Fausto es un mítico personaje literario que vende su alma al diablo a cambio del conocimiento y que aparece ya en una obra anónima del Renacimiento, sin embargo...
será el escritor alemán J.W. Goethe quien le confiera su gran peso literario y filosófico en su obra titulada Fausto, publicada en dos partes (1808 y 1832).
En 1859 el compositor francés Charles Gounod estrena su ópera Fausto inspirada en la obra de Goethe.
En 1866 el pianista y compositor español Juan Bautista Pujol publica su Gran Fantasía para piano sobre la ópera Fausto de C. Gounod
En 1866 el pintor Mariano Fortuny pinta el cuadro titulado Fantasía sobre Fausto
Toda una cadena de Faustos, como véis, para entender un cuadro con tres Faustos distintos: el Fausto de Gounod, el Fausto de Pujol y el Fausto de Fortuny.
Hemos de saber también que en el siglo XIX los artistas eran dados a retratar a sus amigos y colegas en plena actividad, inmortalizando sus reuniones y todo aquello que les causaba sensación. Como habréis intuido, el caso que nos ocupa es precisamente eso: lo que el pintor Fortuny vivió una tarde y reflejó después en un cuadro.
Vayamos ahora a la pintura y a su contenido (pinchando en el pie de foto pueden verse los detalles)
El cuadro de Mariano Fortuny nos ofrece dos mundos claramente diferenciados: el de la realidad y el de la fantasía - si, de nuevo ese término que alude a la imaginación y a la libertad, ambas características identificativas esenciales del movimiento romántico- .
Los personajes reales (ángulo inferior derecho) son dos pintores y un pianista que se encuentran en el estudio de otro pintor
Los personajes de ficción (ángulo superior izquierdo) pertenecen a la ópera Fausto (de Gounod, os lo recuerdo) y aparecen entre nubes y brumas.
Como hemos dicho ya, la reunión de artistas tiene lugar en el estudio de un pintor - Francisco Sans Cabo - . En dicho estudio vemos al compositor y gran pianista Juan Bautista Pujol tocando mientras los dos pintores (Agapito Francés y Lorenzo Casanova) escuchan atentamente. Pero ¿qué obra musical interpreta nuestro pianista? pues una titulada Fantasía sobre Fausto de Charles Gounod (2)compuesta por él mismo. Precisamente esa música evoca a los personajes de la ópera que pululan entre nubes: Fausto y Margarita abrazados en la lejanía y Marta y Mefistófeles en un primer plano; a sus pies, la lechuza cargada de simbolismo...
Pues bien; vamos a escuchar la obra pianística que inspiró el cuadro y lo haremos en este vídeo editado por el propio Museo de Prado en el que se nos muestra un resumen de la obraa cargo del pianista Miguel Huertas.
Con vosotros, la Gran Fantasía para piano sobre la ópera Fausto de C. Gounod Op.20 de Juan Bautista Pujol
Pinchando en la siguiente imagen puede accederse a la partitura de la obra, editada en Madrid en 1866 por Antonio Romero y dedicada a su amigo Eduardo Compta (1835-1882), pianista y profesor en el conservatorio de Madrid y autor de un "Gran método de piano".
Volviendo a nuestro pintor añadiremos que fue un gran aficionado a la música y especialmente a la ópera. De entre las actividades organizadas con motivo de la gran exposición que sobre su obra nos ofrece el Museo del Prado en estos días, os recomiendo el concierto que tendrá lugar el 23 de febrero en el auditorio del propio museo con el título de Fortuny y la ópera romántica; en él podremos escuchar, entre otras obras,la Gran Fantasía sobre Fausto de Pujol y algunos números de la ópera Fausto de Gounod.
Por si la explicación os ha resultado farragosa o pesada dejo también este vídeo en el que Javier Barón, jefe de Conservación de pintura del siglo XIX y comisario de la exposición, lo explica estupendamente.
(1) Enrico Fubini. La estética musical desde la Antigüedad hasta el siglo XX (2) Musicalmente hablando una Fantasía es una forma libre, no sujeta a estructura previamente establecida, cuyo origen se remonta al Renacimiento; en el siglo XIX se aplicaría este término a aquellas obras que encadenaban motivos operísticos que eran recreados, comentados o variados. Cuando se trataba de este tipo de "fantasía" se hacía constar en el título la ópera que le servía de base; el caso que nos ocupa hoy es un ejemplo de ello.
Enlaces de interés Fausto. J.W. Goethe Fausto (ópera de Gounod) Libreto de Jules Barbier y Michel Carré Fuentes:
Como es tiempo de estudio y de trabajo voy a presentaros una obra singular y muy apropiada: El niño y los sortilegios (L'enfant et les sortileges) del compositor francés Maurice Ravel.
La obra cuenta la historia de un niño indisciplinado, insolente y caprichoso que no quiere hacer los deberes; pierde el tiempo y hace el vago. Cuando su madre le lleva la merienda y ve su actitud lo regaña y lo deja encerrado hasta que termine sus tareas. El niño entonces, enfadado, se enrabieta y arremete contra todo lo que tiene a su alcance. Es entonces cuando aparece la magia: los objetos y animales que ha maltratado cobran vida, le hablan y le increpan; sillas, tazas, libros, papeles, personajes de sus libros te texto...hasta los animalitos del jardín tienen muchas cosas que reprocharle; ¿querrán vengarse? ¿será verdad lo que dicen del karma? ¿qué ocurrirá al final?
Atentos a la moraleja, os la preguntaré.
Como os he adelantado ya, se trata de una obracompuesta por Maurice Ravel, el compositor francés que tan bien conocéis mis alumnos de cuarto. Ravel la compuso en principio para ser bailada (ballet) pero luego la transformó en una pequeña ópera; se basó en un libreto* de la escritora francesa Sidonie Gabrielle Colette.
En el primer vídeo podemos ver el ballet y en el segundo, la ópera. Dejo a criterio del lector la elección; yo no se cuál me gusta más.
Ballet (hasta el minuto 6 hay una explicación del argumento)
Wagner. Es una serie británica dirigida por Tony Palmer en 1983 y protagonizada por Richard Burton (Wagner), Vanessa Redgrave (Cósima Liszt) y Laurence Olivier entre otros. La magnífica banda sonora es interpretada por tres grandes orquestas diferentes dirigidas por el extraordinario George Solti. Se trata de una serie biográfica de gran presupuesto rodada en seis países europeos diferentes en la que se presta especial atención a las relaciones personales del compositor y se muestran tanto su concepción de la música como su ideas políticas. Se narra su vida a partir de la revolución de 1848.
La vida deVerdi es una serie italiana (RAI) en siete capítulos dirigida por Renato Castellani en 1982 . En ella se narra la vida personal y profesional del compositor Giuseppe Verdi (Ronald Pickup) en una época decisiva para la historia de Italia: la unificación.
Verdi estuvo muy involucrado en los acontecimientos políticos de su época y es sabido que su patriotismo, aunque le creó algún problema con la censura austríaca , tamabién le granjeó las simpatías del público italiano.
En ella pueden escucharse además las voces de cantantes tan famosos como Maria Callas o Luciano Pavarotti.
Parsifal es una película dirigida por Hans-Jürgen Syberberg en 1982 que se basa en la famosa ópera de Richard Wagner.
Sinopsis. Trata sobre Percival, el caballero de la corte del rey Arturo que protagoniza el poema medieval de Wolfram von Eschenbach.
Controvertida por su quizás excesivo componente erótico, sigue fielmente el libreto de Wagner y narra las aventuras del caballero, que debe recuperar el Santo Grial, en poder del mago Klingsor, para salvar al rey Amfortas.
Don Giovanni (Don Juan) es una película italiana dirigida por el americano Joseph Losey, que lleva a la gran pantalla la famosa ópera de W.A Mozart en 1979. El film está protagonizado por Ruggero Raimondi, Edda Moser, Kiri Te Kanawa, José Van Dam, Kenneth Riegel, Teresa Berganza y John Macurdy.
Mozart compone Don Giovanni sobre un libreto de Lorenzo Da Ponte; la obra se estrena en Praga en 1787. Libreto
Sinopsis. El argumento se basa en El burlador de Sevilla de Tirso de Molina y aborda la figura de Don Juan. El protagonista, un noble arrogante y promiscuo, vive sus "aventuras" acompañado siempre por su fiel criado Leporello; deshonra, ofende y enoja a cuantos le rodean, hasta que osa desafiar al difunto comendador...
La flauta mágica (Trollflöjten) fue dirigida en 1975 para la televisión sueca por el gran cineasta Ingmar Bergman que convirtió en película la famosa ópera en dos actos de W.A.Mozart. En los papeles protagonistas están Josef Kostlinger, Irma Urrila, Hakan Hagegard, Elisabeth Erikson, Jane Darling
Mozart compuso la que sería su última ópera La Flauta mágica (Die Zauberflöte) en 1791 sobre un libreto de Emanuel Schikaneder.
Sinopsis. Se trata de un cuento fantástico. El príncipe Tamino se ha enamorado de la princesa Pamina al ver su retrato en miniatura, pero ésta ha sido secuestrada por Sarastro. La madre de la princesa, la Reina de la Noche, lo incita a rescatarla, prometiéndole que, si lo consigue, podrá casarse con ella. A Acompañado por el pajarero Papageno y por una flauta mágica, iniciará su aventura.
La bohème es una película austroalemana dirigida por Robert Dornhelm en 2008 y protagonizada por la soprano Anna Netrebko (Mimí) y el tenor Rolando Villazón como (Rodolfo). Es una filmación de la ópera de Giaccomo Puccini.
La boheme fue compuesta por Puccini sobre un libreto basado en la novela publicada por entregas titulada Escenas de la vida bohemia de Henry Murgery. Se estrenó en Turín en 1896. La adaptación de dicha novela fue llevada a cabo por Luigi Illica y Giuseppe Giacosa, que elaboraron el libreto (puede verse más abajo, en el enlace).
Sinopsis. Cuatro amigos - un pintor, un poeta, un músico y un filósofo - comparten buhardilla en el París decimonónico; viven pobremente participando de la llamada bohemia. La acción comienza en Nochebuena, cuando Rodolfo conoce a su vecina Mimí. Las relaciones de amor y amistad entre los distintos personajes conforman el contenido argumental de la obra, cuyo final no vamos a desvelar aquí.
Hablar de La boheme y pensar en el frío es algo automático. La boheme fue compuesta por Giaccomo Puccini sobre un libreto basado en la novela Escenas de la vida bohemia de Henry Murgery y se estrenó en Turín en 1896.
La historia se desarrolla en el París más bohemio, el París finisecular que tan deliciosamente nos muestra Monet más arriba. El fragmento que vamos a escuchar corresponde al momento en que Rodolfo, el poeta protagonista que comparte buhardilla con sus amigos (un pintor, un filósofo y un músico) roza "sin querer" la mano de su vecina - y luego amada - Mimí, quedando sobrecogido y prendado. Ya podéis suponer que lo que parece empezar como una historia desenfadada en el barrio más bohemio de París se tornará en drama.
El tenor Roberto Alagna interpreta Che gelida manina (qué manita tan helada)
Las óperas de Puccini se incluyen en el llamado verismo que podríamos definir como la versión musical del realismo literario imperante en la segunda mitad del siglo XIX . Este verismo (de vero, verdadero) se define principalmente por la temática de los argumentos, tomados de la realidad, e intenta dotar a las obras de verosimilitud, lejos de toda fantasía. La música, como la literatura, gustó así de centrarse en en estampas de la vida cotidiana, al modo de los cuadros de costumbres, e incluso en temas sórdidos.
Musicalmente, en la obra de Puccini encontramos la preeminencia de la melodía (que se prolonga) sobre el recitativo; y destaca además, la utilización del el leit motiv (hasta ahí llega también la influencia del drama wagneriano)
Si todo esto pudiera darnos la idea, equivocada, de que eran obras poco bellas, no hay más que escuchar este fragmento parar apreciar el increíble don melódico de su autor.
Ha llegado el frío pero la música de Puccini nos hará entrar en calor.
El maestro de música (Le maître de musique) es una película belga dirigida en 1988 por Gérard Corbiau y protagonizada por el barítono José van Dam y Anne Roussel que fue nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa.
Sinopsis: en primeros años del siglo XX, el famoso barítono Joachim Dallayrac decide retirarse de los escenarios para enseñar a la joven Sophie, que será su única alumna hasta que aparece Jean, un ladronzuelo a quien rescata de la calle tras descubrirle un gran talento para el canto.
La relación entre los protagonistas, la pasión por la música y el proceso de enseñanza y aprendizaje son los elementos de una historia que se nos muestra con gran preciosismo en su ambientación y en su puesta en escena.
