AB MÚSICA Y MÁS

DECIDME... ¿QUÉ COSA ES EL AMOR?

2012-02-16T18:04:00.000+01:00

Eros y Psique. Antonio Canova (1787)

Me hubiera gustado dejaros una canción el pasado martes y no llegué a tiempo; sin embargo, como dicen que todos los santos tienen octava, aquí estamos para hablar del amor....una vez más.

Lo haremos visitando el siglo XVIII, el de "Las luces", ese que tan poco romántico parece. Allí, en la plenitud del Neoclasicismo artístico (arquitectura, pintura y escultura) y del Clasicismo musical, nos vamos a encontrar con dos genios: el escultor italiano Antonio Canova y el compositor Wolfgang Amadeus Mozart. Contemporáneos ellos - y únicos - vamos a ver y a escuchar lo que sobre el amor tienen que decirnos.

De Antonio Canova traigo dos obras con igual título, Amor y Psique (o Eros y Psique), en las que nos muestra dos caras distintas del amor: la apasionada (arriba) y la sosegada (abajo). Ambas fueron talladas con diez años de diferencia y en ellas se hace referencia directa al famoso mito clásico.

Eros y Psique. Antonio Canova (1797)

Posiblemente, mientras Canova tallaba la primera de sus dos esculturas, Mozart daba forma a Las Bodas de Fígaro (1786) (Le nozze di Figaro, Kv 429), una ópera bufa en cuatro actos cuya enredosa trama gira también en torno al amor .

A continuación veremos uno de los momentos más famosos. El fragmento -aria - perteneciente al segundo acto, en el que Cherubino, paje del conde de Almaviva, formula la pregunta en cuestión: ¿Qué cosa es el amor?

Mozart escribió el papel para mezzosoprano puesto que el personaje es un muchacho muy jovencito y es por ello que aquí lo interpreta una maravillosa Frederica von Stade.

Escuchémoslo con el recitativo previo (¡atentos a la diferencia entre aria y recitativo!)

"Vosotras que sabéis

qué cosa es amor,

mujeres, decidme

si yo lo tengo en el corazón..."

(No podía irme sin dejaros la versión de "la Bartoli.")

Y ahora el regalo a los melómanos, a los verdaderamente enamorados de Mozart: os invito a ver la ópera completa en una magnífica versión dirigida por Ricardo Mutti . Vedla en pantalla completa ¡Es una preciosidad!

(Como los subtítulos están en alemán os enlazo el argumento para facilitar su comprensión)

Acto I Acto II Acto II Acto IV

Otros enlaces de interés:

"Los amores de Eros y Psique" (Sobre el mito de Eros y Psique os aconsejo leer esta original versión de José María Ciordia)

Las Bodas de Fígaro: Libreto de Lorenzo Da Ponte

FUENTES

2012-02-09T10:04:00.004+01:00

Ontario Science Centre (Toronto)

"Sobre el agudo ciprés

brillaba la luna llena,

iluminando la fuente

en donde el agua surtía

sollozando intermitente.

Solo la fuente se oía".

Antonio Machado A Juan Ramón Jiménez

Las fuentes suenan; todo el mundo lo sabe. Algunas - dicen los poetas - lloran, murmuran, parlotean; hoy también sabemos que cantan, pero no metafóricamente, no; producen música como cualquier otro instrumento afinado. Lo hemos sabido hace pocos dias; nos lo ha contado Javier Fernández, compañero en esto de la educación y patrón de ese sorprendente barco llamado La ciencia para todos, fuente incesante, por cierto, de información y de saber científico que sigo desde hace largo tiempo.

Antes de continuar, ved y escuchad atentamente este vídeo

Curioso ¿verdad?

Pues bien; como habéis visto, el instrumento/ fuente se llama hidraulófono (Hydraulophone). Su invención se debe al ingeniero y profesor canadiense Steve Mann y en él, se utiliza el agua para generar sonidos con los que poder hacer música. Una bomba se encarga de mantener la presión de agua en el interior.

El agua ya se utilizaba para estos fines desde antiguo: en nuestra adorada Grecia (s.III a. C.), Ctesibio - quizás inspirador de Mann - inventó el órgano hidráulico . Y... ¿recordáis el glass armónico?

Aparentemente su funcionamiento sería similar al de un instrumento de viento: el sonido se produce tapando y abriendo los agujeros, por los que, en este caso, sale el agua. Al tapar los agujeros se bloquea su salida cambiando el flujo y la presión de ésta en el interior, lo que afecta al mecanismo asociado que produce el sonido.

Según he podido saber, habría diferentes tipos de hidraulófonos: con bisel o con lengüeta . Si observáis el del Ontario Sciences Centre (en el vídeo), veréis que está rodeado por enormes tubos con lo que parecen biseles , como los de un órgano .

AQUÍ , AQUÍ y AQUÍ podéis ver otro modelo distinto con todo detalle; fijaos en que sus tubos están sumergidos, por lo que tendrá que llevar, además, un sistema de amplificación del sonido.

EN ESTE OTRO ENLACE se puede aprender más sobre la afinación y otras cuestiones, con interesantes imágenes (bombas de agua y otros entresijos tecnológicos).

Pero nadie mejor que su propio creador para responder a nuestras preguntas. Encontraréis toda la información en la página de Steve Mann: FUNtain.ca (os va a encantar) y en los artículos "Hydraulophone designs considerations" y "The electric hidraulophone". Eso sí; tendréis que traducirlos.

Y para terminar, una curiosidad. Hay quien llama poseidófono (por aquello del dios de los mares) al hidraulófono, y como una cosa lleva a la otra y ya que hablamos de Poseidón, me vais a permitir dejaros con uno muy guapo al que nos gusta mucho visitar (la última vez ha sido este pasado martes). Me refiero al madrileño, a ese elegantísimo y atlético Neptuno que asiste desde hace ya meses a nuestras concentraciones desde su fuente, testigo y oyente mudo de las quejas y cantos de una docta multitud que, por cierto, cada vez suena mejor (en esto de la música, el ejercicio y la práctica son la clave del éxito y aunque parezca un imposible, a fuerza de insistir se consiguen los objetivos y se alcanzan todas las metas).

Tanto me gusta esta fuente que pienso dedicarle una entrada solo a ella.

EL VALS DE LOS PATINADORES

2012-02-01T00:00:00.004+01:00

El reverendo Walker patinando en el lago Duddington

Henry Raeburn (1756-1823)

Fiel a mi propósito de comenzar con un vals cada uno de los meses del año, me ha parecido especialmente apropiado para el invernal Febrero este tan famoso de los patinadores. Las razones son obvias, pero aún así quisiera destacar la relación entre música y deporte, que también la hay (y no me estoy refiriendo a los himnos deportivos ni a los apasionados cantos de los animadores, hinchas y seguidores varios). Y es que ¡qué bien se aúnan música y deporte en el patinaje!

Porqué será que, viendo a los patinadores, viene de nuevo a mi memoria la importancia que ambas disciplinas - música y gimnasia - tenían en la antigua Grecia...

"Por consiguiente, el que mejor sepa combinar gimnástica y música y

aplicarlas a su alma con arreglo a la más justa proporción, ése será el

hombre a quien podamos considerar como el más perfecto y armonioso

músico"

Platón. La República. Libro III

Como muchos ya habéis aprendido, tanto Platón como Aristóteles tenían perfectamente claro qué entendían por la clase "justa" de persona, y estaban de acuerdo en que la manera de producirla era mediante un sistema de educación pública (siempre tan de actualidad ellos) cuyos dos elementos principales fuesen la gimnasia y la música: la primera para la disciplina del cuerpo y la segunda para la de la mente. ¡Qué "ideal", ¿verdad?!

Pero si el patinaje artístico, en el que tan importante papel juega la música, es cosa de disciplinados y poderosos deportistas, el otro patinaje, el de los simples aficionados "al desliz", es el que vamos a disfrutar con nuestro compositor, el francés Émile Waldteufel (1837-1815), que supo emular como nadie el devenir de los patinadores deslizándose sobre la pista, con su suave melodía y su ternario compás .

Aunque creáis que esta obra, compuesta en 1882, es su obra más conocida, os diré que Waldteufel compuso también otros muchos valses, entre ellos el famosísimo España y el precioso... ¡Dolores!

Vals Los patinadores Op. 183

Y para mis "pequeseguidores" - un poco abandonados últimamente - ¡los patinadores más divertidos! Por supuesto, a ritmo de vals.

Nota: el reverendo Walker (arriba), visitó el Museo del Prado en 1988; allí tuve el gusto de "conocerlo" y de comprar el póster que adorna nuestro Departamento. ¡A que os sonaba de algo!

Si os interesa el deporte podéis consultar estos enlaces:

Federación Epañola de Deportes de Hielo

Patinaje artístico sobre hielo: Wikipedia.org

GUSTAV LEONHARDT

2012-01-22T18:26:00.002+01:00

Hoy vamos a escuchar una obra maravillosa en una no menos maravillosa interpretación. Se trata de la cantata Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit , BWV 106 de J. S. Bach, interpretada por el Leonhardt Consort bajo la dirección de su fundador, Gustav Leonhardt. La que tenéis arriba.

Aunque probablemente se haya escrito ya casi todo sobre él, no quiero dejar de recordar aquí al maestro Gustav Leonhardt , que nos ha dejado el pasado 16 de enero.

Esa vulnerabilidad que otorgan los muchos años, no le restó nunca ni un ápice de firmeza. Lejos de ostentaciones, siempre comedido y elegante, pudimos verlo en el Auditorio, en Madrid, la primavera pasada. Aquí dejo la estupenda crónica/artículo que sobre él escribió Jon Bandrés con motivo del concierto.

Él ha sido el más grande referente del llamado "historicismo musical", movimiento que encabezaría, reivindicando una interpretación de la música antigua, y del barroco, con instrumentos de la época e históricamente documentada. Amaba la música, claro, amaba la historia y amaba lo "auténtico", por ello quiso devolvernos a los compositores del pasado mostrándonos sus obras tal y como sonaban en su tiempo.

Sobre su carácter, así como sobre sus opiniones a propósito de la música y otras cuestiones, nos da una idea la entrevista que le hiciera en 2006 Juan García-Rico para la revista Ritmo y que pude leerse en el enlace.

Fue clavecinista, organista, musicólogo y , además, profesor. Algunos lo recordaréis de cuando lo vimos encarnando a J.S. Bach en La pequeña crónica de Ana Magdalena Bach. Ahora podemos verlo y escucharlo en su última actuación, el 12 de Diciembre de 2011 en París, interpretando Les Gracês de Duphly y un Bis, la nº 25 de Variaciónes Goldberg (otra vez Bach). Un auténtico, emocionante y valioso documento audiovisual.

Incluyo también el homenaje dedicado al maestro en el programa radiofónico Todas las mañanas del mundo de Radio Clásica, el miércoles 18 de enero. En él podemos escucharlo interpretando el Concierto para clave en Fa menor BWV 1056, dirigiendo a René Jacobs en "Erbarme dich Mein Gott" de La pasión según San Mateo y también junto a Sigiswald Kuijken en la Sonata KV 304 de Mozart.

Afortunadamente, nos quedan las grabaciones para poder seguir disfrutando de su trabajo y apreciando su valor. Se ha ido uno de los grandes; lo echaremos de menos.

Otros enlaces de interés:

Gustav Leonhardt, el holandés impasible, de Pablo J. Vayón en su blog El martillo sin dueño. Aquí podéis encontrar el último recital completo.

Muere Gustav Leonhardt, genial intérprete del espíritu de Bach, de Luis Gago, en El País.

Gustav Leonhardt

EL SIMPÁTICO BARITON

2012-01-13T00:08:00.003+01:00

Procedencia de la imagen

No vayan a creer los que por aquí se asoman, que el título de la entrada está incompleto, o que se refiere a algún cantante gracioso. Nada más lejos de la realidad. Lo que sucede es que, aprovechando que estudiamos los instrumentos y su clasificación, vamos a conocer al Bariton, también llamado baryton, viola de paredon o viola de bordón.

El baryton es un instrumento cordófono de arco algo más grande que el violonchelo pero provisto de un número de cuerdas mayor. Como vais a poder observar en el primer vídeo, cuenta con seis cuerdas de tripa que se frotan con el arco y con otras tantas de acero, llamadas cuerdas simpáticas (vibran y suenan por empatía), que además pueden ser pulsadas con el pulgar. Curioso ¿verdad?

Muchos fueron los compositores que escribieron para este instrumento, muy apreciado en los círculos aristocráticos alemanes y austriacos del siglo XVIII. De entre todos ellos (Georg Krause, Luigi Tomasini, Anton Kraft...) destacaremos a nuestro conocidísimo Joseph Haydn, que compuso numerosas obras destinadas a ser interpretadas por su protector, el famoso príncipe Nikolaus Esterhazy, diestro tañedor de bariton al parecer.

Haydn nos dejó, pues, nada menos que 123 tríos para baryton, viola y violonchelo, un dúo para dos barytones e incluso un cuarteto para clave, dos violines y baryton.

En el siglo XIX caería en desuso debido, sobre todo, a la extrema dificultad de su técnica y a los continuos problemas de afinación que presentaba. El progresivo auge del violonchelo hizo el resto.

Observad y escuchad...

Y ahora... escuchemos a Haydn . En primer lugar el Trío nº 113 en Re mayor (último mov.) interpretado por el "Munich Baryton Trio".

Para terminar, el Scherzo final de este otro "haydniano" trío (el nº 43) interpretado por José Manuel Hernández, Elena Borderías y Rosa Forriol.

Nota aclaratoria.
En física se llama "simpatía" a la relación entre dos cuerpos o sistemas por la que la acción de uno induce el mismo comportamiento en el otro. (RAE)

No dejéis de visitar estos interesantes enlaces:

Barytontrio.nl

Trío Baryton de Madrid

Bibliografía:

Ramón Andrés. Diccionario de instrumentos musicales: de Píndaro a J.S.Bach. Bibliograf S.A. Barcelona 1995

¡REGOCIJO!

2012-01-09T15:44:00.006+01:00

Hoy celebramos el reconocimiento al esfuerzo y al trabajo constante de nuestra querida Carlota Bloom, cuyo blog, En ocasiones leo libros, ha sido doblemente premiado.

Felicidades compañera, eres un modelo para muchos.

El regocijo (Música para los reales fuegos artificiales) G. F. Haendel

FANTÁSTICO VALS

2012-01-02T20:24:00.011+01:00

Retrato de Héctor Berlioz
(Gustave Courbet)

Para no ser menos, comenzamos el año con un fantástico vals, y digo fantástico porque vamos a escuchar el segundo movimiento de la Sinfonía Fantástica del compositor francés Hector Berlioz. La obra, absolutamente maravillosa, fue titulada por su autor como Episodio de la vida de un artista y constituye el más claro y famoso ejemplo de música programática (de hecho, toda la sinfonía está sujeta a un argumento... pero eso es otra historia).

En sus retratos Berlioz siempre aparece muy serio y meditativo; así lo vio también el realista Gustave Courbet, quizás pensando en la música o quizás en lo que estaba por venir... Pero nosotros no queremos enfrentar el nuevo año con pesimismo, por eso os traigo esta maravilla de orquestación y de expresividad.

El estilo: puro Romanticismo; el tempo, de vals; la forma, tipo rondó (un tema principal que reaparece en alternancia con otros que se van intercalando). No os perdáis los detalles: la gran orquesta romántica, el "colorido" que destaca desde ese inicio con las dos arpas (toda una novedad), los crescendos o los contrastes temáticos (en torno al segundo minuto aparece un delicado tema, leit motiv de la obra)...

Aunque el vídeo es magnífico, os recomiendo una segunda audición con los ojos cerrados

Si os atrevéis con la Sinfonía - cosa que os recomiendo encarecidamente - podéis escucharla y entenderla mejor en el programa "Música y significado", donde nos la "desmenuzan" y nos cuentan maravillosamente la razón de la obra, el argumento, y... el amor apasionado de Berlioz por Henrietta Smithson... Os garantizo que os cautivará.

Enlaces

G.Courbet. Musée d'Orsay

NO LA DEBEMOS DORMIR

2011-12-27T14:42:00.008+01:00

Cancionero de Uppsala

Foto: Ab música y más

Si no habéis dormido lo suficiente la pasada Noche Buena, sabed que habréis cumplido con el antiguo precepto indicado por Fray Ambrosio Montesino - poeta renacentista español- en el texto de lo que sería un precioso villancico al que puso música el compositor vinculado a la corte valenciana de Fernando de Aragón, Bartomeu Cárceres. Nos encontramos en pleno siglo XVI.

El villancico al que nos referimos, como habréis sabiamente supuesto, pertenece al denominado "ciclo de Navidad" (recordemos que los villancicos eran generalmente de carácter profano y de variada temática) y se titula No la devemos dormir. Este forma parte del famoso Cancionero de Uppsala, una colección de cincuenta y cuatro canciones y villancicos procedentes de la corte del citado rey Fernando de Aragón, que fue publicada en Venecia en 1556 con el título de:

"Villancicos de diversos autores, a dos, y a tres, y a quatro , y a cinco bozes, agora nuevamente corregidos, a y mas ocho tonos de Canto llano, y ocho tonos de Canto de Organo para que puedam, Aprouechar los que, A cantar començaren."

Después de muchos años y vicisitudes que lo llevarían a Viena primero y a Praga después, el Cancionero fue a parar a la ciudad sueca de Uppsala, en cuya Biblioteca lo encontraría el diplomático y musicólogo Rafael Mitjana en torno a 1909. Mitjana publicó entonces su estudio "Cincuenta y cuatro canciones españolas del siglo XVI (Cancionero de Uppsala) ahora publicadas de nuevo, acompañadas de notas y comentarios".

Pero volvamos a nuestro villancico.

Observamos que su forma, como la del zéjel andalusí que lo precedió, se inicia con un estribillo (No la devemos dormir la noche sancta, no la devemos dormir); continúa con una estrofa también llamada mudanza o copla, compuesta de tres versos monorrimos (la Virden...hará/....parirá/...temblará) seguidos de un cuarto verso llamado vuelta (¿O qué le podrá dezir?) que, a su vez, rima con uno de los versos del estribillo y repite su misma música.

No la devemos dormir

la noche sancta.

¡No la devemos dormir!

La Virgen a solas piensa

que hará,

Quando al Rey de luz inmensa

parirá,

si de su divina esencia

temblará.

¿O que le podrá dezir?

No la devemos dormir

la noche sancta.

¡No la devemos dormir!

Pinchando en la imagen superior se pueden ver los detalles de la partitura de una edición facsímil. Observad los pentagramas, la notación, los signos de repetición, así como las letras capitales (o iniciales) y las distintas voces (polifonía) con sus respectivas claves de do en primera (línea), do en segunda, do en tercera y fa en cuarta.

Escuchemos ahora el villancico.

Coro de cámara Nova Mvsica (Cádiz)

Quiero terminar con la exquisita versión, más pausada, de La Capella Reial de Catalunya - Hespérion XXI - dirigida por el premiadísimo Jordi Savall e interpretada por nuestra admirada y recientemente desaparecida Montserrat Figueras a la que, desde aquí, rendimos nuestro humilde y más sincero homenaje.

Próximo ya el fin de año, os deseo una noche de transición larga y feliz; que no la debemos dormir la Noche Vieja, no la debemos dormir tampoco.

Bibliografía:

Jesús Riosalido. "El Cancionero de Uppsala". Ensayo. Instituto Hispano-Árabe de Cultura. Madrid 1983.

Enlaces sobre J. Savall y M. Figueras:

"El rincón del Jarramplás". (Jordi Savall gana el premio Nobel de la música).

El País.com

The Washington Post.com

New York Times.com

¡FELIZ NAVIDAD!

2011-12-20T13:59:00.006+01:00

Con este vídeo elaborado por los compañeros del IES Pío Baroja, os deseo a todos una feliz Navidad.

Tenemos cuerda para rato.

TIEMPO DE INVIERNO

2011-12-12T17:45:00.025+01:00

Caspar David Friedrich

Después de escuchar a los adolescentes de Stockhausen vamos a retroceder un siglo atrás para disfrutar de la romántica música de Robert Schumann.

De entre las numerosas y deliciosas piezas que conforman su obra Álbum de la juventud, y a la vista de este adelanto invernal que estamos padeciendo, os invito a despedir el otoño con la audición de Tiempo de invierno, ese mismo tiempo que tantas veces pintó su paisano contemporáneo - y romántico también - Caspar Friedrich.

Tiempo de invierno I (Winterzeit I)

Si el tiempo de invierno es tiempo de frío, nieve e ilusiones, también puede serlo de disgustos...

El primer disgusto (Erster verlust)

Y como no hay dos sin tres....otra preciosidad, porque sí.

Erinnerung (In memoriam)

Entradas relacionadas:

DESPEDIDA DE LA PRIMAVERA

LLEGÓ EL INVIERNO

EL CANTO DE LOS ADOLESCENTES

2011-12-06T14:27:00.012+01:00

Stockhausen en su laboratorio

Traemos hoy a nuestro blog a unos famosos niños cantores que no son precisamente los de Viena; tienen más que ver con enchufes y cables que con escenarios y actuaciones. Algunos de nuestros alumnos ya sabrán a lo que me refiero ¿verdad?. Antes de escucharlos repasemos algunas cosillas.

Llamamos música electrónica a aquella elaborada con sonidos producidos electrónicamente - procedentes de un generador eléctrico - que se transforman y manipulan en un laboratorio.

Apareció en torno a 1950 y en ella destacó Karlheinz Stockhausen (1928 -2007), principal representante de la escuela alemana, que desarrollaría sus primeras actividades en el estudio de Radio de Alemana occidental, en Colonia y de cuya muerte se acaban de cumplir cuatro años.

Esta nueva concepción de la música representada por Stockhausen tiene como consecuencia, entre otras, la supresión del intérprete; tanto la orquesta como el concierto concebido a la manera tradicional, pasan a formar parte del pasado.

De sus obras electrónicas la más importante y famosa es Canto de los adolescentes (Gesang der Jünglinge, 1956), en la que combina el sonido de la voz humana con sonidos producidos electrónicamente.

Podéis escuchar a continuación dos fragmentos de la obra (el inicio y el final); a ver qué os parecen estos otros "chicos del coro".

Con esto y con los vídeos que encontraréis en vuestra página de 4º de ESO, completamos el material que faltaba para el examen. Ahora, a estudiar.

Para saber más:

Efemérides Musicales

Stockhausen.org

Sobre la belleza: Hypias mayor. Platón

GENERACIÓN POSITIVA

2011-11-30T23:45:00.006+01:00

Procedencia de la imagen

Hoy vengo a hablaros de un proyecto maravilloso. Sí, Positive generation es un proyecto musical y el título de un álbum de diecisiete canciones que ha editado Médicos Sin Fronteras (MSF) con la colaboración de Javier Limón, Antonio Carmona y Alejandro Sanz (los conocéis ¿verdad?). Se trata del más reciente proyecto que la ONG ha puesto en marcha para ayudar a combatir el SIDA en África.

En el disco, además de famosos cantantes (Juan Luis Guerra, Estrella Morente, Andrés Calamaro y otros muchos) , han participado coros de personas anónimas, pacientes, que con sus voces, nos cuentan cantando cómo plantarle cara a la enfermedad. Han sido grabados en directo en sus propias aldeas, sin artificios ni modificaciones técnicas de ningún tipo - solo las voces y las percusiones - y son una muestra extraordinaria, no solo de superación personal, sino también de musicalidad y de...¡polifonía! Os van a sorprender, os lo garantizo.

Podéis haceros una idea con este vídeo:

Hoy 1 de Diciembre quiero compartir con todos vosotros además el mini-documental sobre la grabación del disco, sobre la labor que realiza MSF en África - concretamente en Zimbawe - y sobre el alcance de esta enfermedad, que afecta a tantísimas personas en todo el mundo. En él podéis escuchar y ver al Coro Sipepa, al Coro Visisizwe, al Coro Siyabonga, al Coro Jimila o al Coro Mpilo teen club.

Si la música es útil para luchar por un mundo mejor, valga este rincón musical nuestro para difundir proyectos tan humanos, tan maravillosos y, por supuesto, tan positivos.

Positivegeneration.org

TEXTURAS

2011-11-28T19:41:00.002+01:00

Procedencia de la imagen

Como los hilos constituyen el entramado de una tela, así las voces - lineas melódicas, ya sean vocales o instrumentales - forman el tejido musical; a eso nos referimos cuando hablamos de textura.

Nos referimos a textura armónica cuando las mentadas voces - simultáneas, claro - caminan a la par, al mismo ritmo, formando acordes.

Nos referimos a textura contrapuntística cuando dichas voces muestran mayor independencia sin destacar ninguna sobre las demás (todas tienen la misma importancia), cada una a su ritmo, imitándose con frecuencia unas a otras pero con libertad. Este tipo de textura polifónica se desarrolla extraordinariamente en el Renacimiento.

Pues bien, escuchemos y veamos estos dos ejemplos correspondientes a sendos genios de la música renacentista: el italiano Giovanni Pierluigi da Palestrina (al que ya todos conocéis de clase) y el español Tomás Luis de Victoria (que muy pronto os presentaré). Escuchad atentamente y analizad bien, a ver si sois capaces de percibir la diferencia.

Jesu dulcis memoria

Y para sacaros un poco de la relajación y elevación en las que estaréis sumidos después de escuchar tanta voz angélica, os dejo otra muestra, muy diferente, de polifonía más moderna. O ¿es que creíais que solo la había en el Renacimiento?

TA LIANOTRAGUDA

2011-11-23T09:21:00.012+01:00

Hoy nos vamos a Grecia, a la Grecia moderna.

Vamos a escuchar Ta lianotraguda (o lianotragouda), escrita

sobre una canción popular, por el compositor griego Manos Hadjidakis (Μάνος Χατζιδάκις 1925-1994)).

La música de Chatzidákis destaca por su poética intimista, llena de matices armónicos, de sorprendentes combinaciones melódicas enraizadas en la música tradicional griega y por una enorme riqueza de ritmos y timbres.

(Wikipedia)

Espero que os guste tanto como a mi.

Intérpretes: Dimitris Psarianos y Flery Dandonaki

Os dejo la letra en griego y una traducción al inglés que he encontrado y que puede darnos idea del lirismo y la belleza poética que encierra.

Απ' όλα τ' άστρα τ' ουρανού ένα είναι που σου μοιάζει
Ένα που βγαίνει το πουρνό όταν γλυκοχαράζει
Κυπαρισσάκι μου ψηλό, ποιά βρύση σε ποτίζει
Пου στέκεις πάντα δροσερό, κι ανθείς και λουλουδίζεις
Να'χα το σύννεφ' άλογο και τ' άστρι χαλινάρι
Тο φεγγαράκι της αυγής να 'ρχόμουν κάθε βράδυ
Αν μ' αγαπάς κι είν' όνειρο, ποτέ να μην ξυπνήσω
Гιατί με την αγάπη σου ποθώ να ξεψυχήσω
Της θάλασσας τα κύματα τρέχω και δεν τρομάζω
Kι όταν σε συλλογίζομαι, τρέμω κι αναστενάζω
Τί να σου πω; Τί να μου πεις; Εσύ καλά γνωρίζεις
Kαι την ψυχή και την καρδιά εσύ μου την ορίζεις
Να'χα το σύννεφ' άλογο και τ' άστρι χαλινάρι
Тο φεγγαράκι της αυγής να 'ρχόμουν κάθε βράδυ
Αν μ' αγαπάς κι είν' όνειρο, ποτέ να μην ξυπνήσω
Гιατί με την αγάπη σου ποθώ να ξεψυχήσω
Εγώ είμ' εκείνο το πουλί που στη φωτιά σιμώνω
Kαίγομαι στάχτη γίνουμαι και πάλι ξανανιώνω
Σαν είν' η αγάπη μπίστικη, παλιώνει, μηδέ λιώνει
Aνθεί και δένει στην καρδιά και ξανακαινουργώνει
Χωρίς αέρα το πουλί, χωρίς νερό το ψάρι
Xωρίς αγάπη δε βαστούν κόρη και παλικάρι
Αν μ' αγαπάς κι είν' όνειρο, ποτέ να μην ξυπνήσω
Гιατί με την αγάπη σου ποθώ να ξεψυχήσω

De todas las estrellas del cielo...

From all the stars in heaven, there's only one resembling you
one that rises in the morning, when the day is sweetly breaking

little cypress-tree of mine (and) tall, which "spring" is "nourishing" you
that you are standing (there) always bracing, and you bloom and blossom

(if only) I had the cloud as the horse and the star as the rein
the little moon of dawn, to come over every night
if you (do) love me and it's (in) a dream, (let me) never be awaken
for, with your love I yearn to perish

the waves of the sea, I run and I fear not
and when I "reflect" on you, I shiver and sigh

what (could) I say to you? what (could) you say to me? you very well know
"both" the soul and the heart, you regulate for me

(if only) I had the cloud as the horse and the star as the rein
the little moon of dawn, to come over every night
if you (do) love me and it's (in) a dream, (let me) never be awaken
for, with your love I yearn to perish

I am that bird that to the fire I get near
I burn, to cinders (I burn) and again I rejuvenate

and when love is constant, it wears out (grows old), but never dissipates
it blossoms and binds within the heart and rekindles

devoid of air the bird, devoid of water the fish
devoid of love they won't last, (both) girl (young maiden) and lad (young man)

if you (do) love me and it's (in) a dream, (let me) never be awaken
for, with your love I yearn to perish

Con nuestro agradecimiento a Fernando, que nos descubrió la magia de la música griega y con un recuerdo a nuestros vecinos del otro lado del Mediterráneo.

(Si hay errores en la escritura pido disculpas; agradeceremos las correcciones)

LA NOCHE TRANSFIGURADA

2011-11-15T19:08:00.001+01:00

Retrato de Arnold Schönberg

(Oskar Kokochka, 1924)

"Cuando pinto un retrato, no me preocupo del exterior de la persona,....a partir del rostro, del juego de expresiones y de gestos, trataba de intuir la verdad sobre una persona recreando con mi propio lenguaje pictórico lo que sobreviviría en el recuerdo."

(My life. Oskar Kokochka)

Qué afortunada coincidencia: precisamente cuando hablamos en clase de expresionismo y de otras vanguardias artísticas, vamos a un concierto a escuchar La noche transfigurada, una de las primeras obras de Arnold Schoenberg. Aprovechemos la ocasión y repasemos algunos datos sobre la obra y el compositor.

"Las primeras obras de Schoenberg provocan siempre una impresión agradable en oyentes que esperan tener que vérselas con un extenuante ejercicio atonal. La música irradia sonidos embriagadores, voluptuosos, que recuerdan a los retratos dorados de Klimt..."

(Alex Ross. El ruido eterno)

Noche transfigurada (Verklärte Nacht Op.4) fue escrita en 1899 por Arnold Schönberg (1874-1951). El autor la compuso inicialmente para sexteto de cuerda (dos violines, dos violas y dos violoncellos) sobre un poema de Richard Dehmel en el que se narra cómo dos amantes pasean y conversan en un bosque bajo la luz de la luna; un poema sobre la magia de la noche y la magia del amor.

Pertenece a lo que podríamos llamar un primer periodo de romanticismo postwagneriano - la influencia de obra de Wagner y especialmente de su ópera Tristán e Isolda, será definitiva en la gestación y la evolución del estilo musical de Schoenberg - en el que encontramos sin embargo ecos, sonoridades y texturas propias de Debussy. (No hay mas que escuchar el inicio de la obra para adentrarse y dejarse envolver en la atmósfera nocturna del bosque...)

Vemos pues, cómo en esta etapa, Schoenberg todavía se mueve dentro de la tonalidad, tonalidad que abandonará por completo en los años posteriores para adentrarse en otros universos musicales mucho más complejos que lo conducirán a través del expresionismo atonal hasta el dodecafonismo.

Pinchando en el siguiente enlace encontraréis el poema de Dehmel y toda la información necesaria para elaborar ese trabajo que espero de algunos de vosotros.

LA NOCHE TRANSFIGURADA

Aunque la obra fue arreglada para orquesta de cuerda y revisada en 1943 (versión que escucharemos en el concierto) aquí traemos la versión inicial para un sexteto.

Escuchemos

SCHOENBERG: Noche transfigurada, op. 4 from Música de Cámara on Vimeo.

Para saber más:

Sobre el EXPRESIONISMO un breve pero clarificador vídeo (pinchad en el enlace)

Bibliografía:

Joseph Machlis. "Introducción a la música contemporánea"

Alex Ross. "El ruido eterno. Escuchar al siglo XX a través de su música"

ASÍ FUE: ¡LA MÚSICA SE VISTIÓ DE VERDE!

2011-11-14T09:01:00.019+01:00

EL CONCIERTO POR LA EDUCACIÓN PÚBLICA: UNA MARAVILLOSA LECCIÓN DE PROFESIONALIDAD

Solo tenemos palabras de agradecimiento para nuestros compañeros, profesores y alumnos, por este regalo. Y, cómo no, para quienes con sus cámaras, hacen posible que otros podamos disfrutarlo y divulgarlo. Vedlo entero: ¡no tiene desperdicio!

No he sido capaz de encontrar ni una sola reseña en los medios de comunicación

Como habréis visto, la asistencia fue masiva. A ver si toman nota los que deben tomarla.

ALMIRENA Y EL LLANTO POR LA LIBERTAD

2011-10-30T19:44:00.030+01:00

Partitura autógrafa (G. F. Haendel)

Procedencia de la imagen

Lascia ch'io pianga

mia cruda sorte...

En 1710 Haendel visitó Londres por primera vez; al año siguiente (1711) estrenó allí Rinaldo, la que sería su ópera más famosa, con un gran éxito. Su complicado y fantástico argumento - inspirado en Jerusalen liberada de Tasso y Orlando furioso de Ariosto - nos cuenta el amor entre el caballero cruzado Rinaldo y la bella Almirena.

Su momento musical más famoso tiene lugar en el segundo acto, en el que Almirena, encerrada contra su voluntad, suplica al rey Argante por su libertad. Este lamento maravilloso es un ejemplo de intensidad expresiva, de sencillez y belleza melódicas que muchos conoceréis por la publicidad televisiva:

Vamos a escucharlo tal y como pudimos verlo en la película de Gerard Corbiau Farinelli (1994),

en la que se intentó reconstruir la voz del famoso castrato mezclando en el laboratorio del IRCAM de París, la voz de una soprano y la de un contratenor para obtener finalmente algo artificial pero curioso.

Y ahora, lo mejor: una voz auténtica, muy natural, muy conocida y muy admirada: disfrutadla.

Déjame que llore

mi cruel suerte

y que suspire

por la libertad.

Para saber más:

Interesante y completísimo el Análisis de Rinaldo José Enrique Peláez Malagón.

Libreto de Rinaldo Aaron Hill y Giacomo Rossi

La Jerusalen libertada Torcuato Tasso

Orlando furioso: Ludovico Ariosto

ENTRADA RELACIONADA: UN PLÁTANO MUY ESPECIAL

VUELVO A GRANADA

2011-10-25T14:52:00.044+02:00

Jardín de Lindaraja (Alhambra de Granada)

Joaquín Sorolla

"Granada me ha cogido el corazón, estoy como herido, convaleciente..."

(Juan Ramón Jiménez)

Volvemos hoy a Granada, a la Granada que enamoró a los románticos - esos que tan bien conocéis ya - que valoraban la libertad y la individualidad, que gustaban de lo fantástico y lo exótico y que descubrieron en lugares como este, el mundo de ensueño que buscaban. Es obvio que la ciudad producía un impacto en los espíritus artísticos que la visitaban y no es de extrañar.

Estudiábamos precisamente días atrás, de qué manera el Romanticismo devenía en el desarrollo de un arte nacional en muchos países de la periferia europea, que pretendían de ese modo, reafirmar y mostrar su identidad, su diferencia y su esencia. España no fue ajena a ese fenómeno y eso se pude apreciar en el arte, en la literatura y en la música de finales del siglo XIX y principios del XX.

Fijaos por ejemplo en que el gran desarrollo musical de ese momento (Pedrell, Albéniz, Granados...) se corresponde con el auge de la literatura, materializado en la Generación del 98. En ambos casos asistimos a la búsqueda de la propia esencia en las raíces, en lo nacional.

Desde esa perspectiva enfocamos la audición de hoy. El motivo, la exposición Granada en Sorolla que desde aquí, por supuesto, os recomiendo. (Museo Sorolla, Madrid). La obra que proponemos se titula precisamente Granada y fue compuesta por Isaac Albéniz, contemporáneo del pintor, en torno a 1887.

Isaac Albéniz

Se trata de una pequeña pieza para piano, íntima, misteriosa y mágica (de nuevo el Romanticismo) que lleva el subtítulo de Serenata y que forma parte de la conocida Suite española nº1 Op. 47. Apreciaréis en ella dos temas bien diferenciados dispuestos en una forma que podríamos llamar ternaria (A-B-A). El primero (A) es una melodía - en la mano izquierda- que se desarrolla sobre esos dulcísimos arpegiados que parecen emular el agua de las fuentes. El segundo (B), en modo menor, más profundo y sobrecogedor, contrasta clarísimamente con el anterior formando una sección central tras la cual volvemos a escuchar el tema inicial.

Escuchadla tal y como fue escrita en la interpretación de nuestra gran Alicia de Larrocha

Francisco Tárrega realizó la famosa transcripción para guitarra.

Y para terminar, el jardín de Lindaraja con el que abríamos. Estoy segura de que, como a Sorolla o a Juan Ramón Jiménez, tampoco a vosotros os dejaría indiferentes.

Enlaces muy interesantes:

Granada, Sorolla, jardines , por José Julio Perlado.

M.C. Escher: Universos infinitos

Matisse y la Alhambra (1910-2010)

Otros pintores de Granada:

Santiago Rusiñol

Mariano Fortuny

Eugenio Gómez Mir

Entradas relacionadas:

FRANCISCO TÁRREGA... CONNECTING PEOPLE

DESDE EL ALBAICÍN

UNA MAÑANA DE OTOÑO

2011-10-23T12:57:00.011+02:00

En Madrid, el cielo azul, las hojas doradas

y el asfalto...verde

Para los que no pudieron asistir, este precioso vídeo.

Nuestras gracias a su autor.

Y un enlace: Lo público en movimiento. (Amador Fernández-Savater)

SIRINGA Y PAN

2011-10-10T18:30:00.034+02:00

Syrinx. Arthur Hacker, 1892

Pan, dios de los pastores y de los rebaños, mitad hombre y mitad cabra, era además travieso y libertino. Cuenta la mitología que enamorado de Syrinx (Siringa) la persiguió hasta el río Ladón, en cuyas orillas la ninfa, socorrida por sus hermanas, se convirtió en un cañaveral. Decepcionado, Pan cortó entonces unas cuantas cañas construyendo con ellas la Siringa - también llamada Flauta de Pan - que desde entonces le acompaña e identifica.

Como sabiamente supondréis, han sido muchos los artistas que han ilustrado esta leyenda a lo largo de la Historia; de entre ellos, me inclino por el precioso cuadro del prerrafaelista Hacker, que renuncia a la costumbre de representar la huida de nuestra heroína y prefiere mostrárnosla escondida y asustada entre las cañas, tal y como la vemos en la imagen.

Aunque ya sabéis que os recomiendo leer este mito - que seguro, os habrá recordado al de Dafne y Apolo - en las famosas Metamorfosis de Ovidio (Pan y Siringe, Libro I, verso 690 ), también os recomiendo ver y escuchar el siguiente vídeo en el que el artista canadiense Ryan Larkin recrea la historia. La obra musical, de Claude Debussy, se titula precisamente Syrinx y fue compuesta para flauta travesera en 1913. Es, como ya sabéis, impresionista...y fascinante.

Hablemos ahora del instrumento.

Aunque presente alguna variedad en su estructura, podemos encontrarlo en diferentes lugares del mundo; todos habréis visto y escuchado la zampoña o el sicu de Latinoamérica pero quizás algunos desconozcáis el Nai, típico de Rumanía. Este, asociado también a la música tradicional y al folklore (al igual que sus parientes americanos) frecuenta, como vais a ver, las salas de conciertos, los teatros y las grabaciones.

Propongo para ello tres audiciones con sus respectivas dedicatorias.

La primera: dedicada a los alumnos de Taller de Teatro (ellos saben el porqué) y a los de cuarto (a cuestas con sus romanticismos y nacionalismos varios).

La segunda es un acertijo, solo os diré que el autor es Robert Richardon.

La tercera: a los alumnos de segundo, que estudian estos días la altura del sonido, para que vean que, según como y cuando, el tamaño sí importa.

En cuanto al intérprete, sobran las palabras. Os dejo con el gran maestro George Zamfir.

Entradas relacionadas:

Laura

No suena la flauta por casualidad

Apolo y Dionisos, música y teatro

(Os he enlazado Las metamosfosis arriba)

MÚSICA Y MAESTROS

2011-10-05T19:58:00.027+02:00

Abrimos hoy con este texto extraído de un artículo de S. Pérez de Pablos . (Aquí, texto completo)

"La figura del docente es objeto de presiones, denunció Savater, pero además a los profesores "casi nunca se les pregunta lo que necesitan".

"Se envía a los profesores, como a los últimos caballeros andantes, a luchar contra todo tipo de dragones peligrosísimos que andan sueltos: la televisión, la violencia y no sé cuantos horrores que nos amenazan. Y allí van a enfrentarse con esas fieras. Se les pide cuentas, tienen que traer la cabeza preparada y a la hora prevista, y, sin embargo, no se les ayuda, no se les escucha, no se sabe cuáles son las dificultades que tienen para esa tarea que se les confiere"

Educar para la ciudadanía. Conferencia pronunciada en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (UIMP) por Fernando Savater

La canción que escucharemos es del cantautor, músico y actor español Patxi Andión.

Para que veáis que sigue en activo, aquí enlazo la entrevista que le hicieron en febrero de este año en el programa Otros acentos de RNE. Entrevista

"La peor ceguera es la mental, que hace que no reconozcamos lo que tenemos delante"

José Saramago, premio Nobel de Literatura

EN EL DÍA MUNDIAL DE LOS DOCENTES (UNESCO)

UNA BROMA MUSICAL

2011-10-01T20:57:00.018+02:00

Hablábamos esta semana en alguna clase sobre la consonancia y la disonancia, sobre el efecto que producen en nosotros y sobre el tratamiento que a lo largo de la Historia han recibido por parte de los compositores.

Después de mostrar en la práctica la diferencia entre ambas, recurrí a un ejemplo que hoy traigo para ilustrar mejor el asunto. Se trata de Morzart y de su famoso Divertimento k. 522 para dos trompas y cuerdas subtitulado Una broma musical (Ein Musikalischer Spass) compuesto en 1787.

No olvidemos que durante el Clasicismo la disonancia estaba prácticamente desterrada de la música y con frecuencia se utilizaba para ridiculizar o parodiar, es decir, con una finalidad mas bien jocosa. Tal es el caso de esta obra escrita para divertir. Es también famoso el gran sentido del humor que tenía nuestro genio salzburgués y su inclinación por la broma y el juego de los que, como cuenta Fernando Argenta en su libro Los clásicos tambien pecan, dan buena muestra sus cartas.

Aunque a lo largo de la obra se pueden percibir disonancias, especialmente en las trompas, lo que pretendo que escuchéis es precisamente el final, así podréis experimentar el efecto que producen en un entorno consonante.

Pues bien; vamos a por el último de sus cuatro movimientos, Presto. Ya sabéis: hay que oir hasta hasta el final.

Para escuchar la obra completa (como imaginaréis, no es muy larga) así como otros divertimentos para cuerda y viento, pinchad en este magnífico enlace (en www.mozart-weltweit.eu), os encantará.

Para los más científicos, curiosos y atrevidos: La teoría de la disonancia: un encuentro entre Música y Matemáticas de Xavier Gràcia.

Y si queréis saber más sobre bromas musicales o sobre la vida privada de los grandes músicos podéis visitar:

El humor en la música

Los clásicos también pecan (presentación del libro aquí).

MARCHA FÚNEBRE PARA UNA MARIONETA...

2011-09-19T20:08:00.005+02:00

La Marcha fúnebre para una marioneta (Marche funèbre d'une marionnette) obra del compositor francés Charles F. Gounod (1818-1893), viene hoy "que ni pintada" para ilustrar musicalmente la situación que nos describe Forges.

Muchos la conoceréis porque fue cabecera - o sintonía - de aquella serie titulada La hora de Alfred Hitchcock, dirigida por el gran maestro del suspense...y del terror.

Me ha parecido "graciosamente adecuada y oportuna", como también me lo ha parecido el estupendo y alegórico vídeo que podéis ver en segundo lugar.

Ahí van, juzgad vosotros. A buen entendedor...

Y para que no se diga....esta otra versión. ¡Tenemos cuerda para rato!

LA CITA DEL MIÉRCOLES

2011-09-13T09:16:00.021+02:00

Tenemos una cita el miércoles 14 al pie de esta escalinata, en el Paseo del Prado, junto a la Plaza de la Lealtad y a dos pasos de Neptuno.

Allí hemos quedado.

Aquí un mapa.... por si las moscas

Ver mapa más grande

Y una canción, claro

MÚSICA...¿PARA DORMIR?

2011-08-24T18:34:00.065+02:00

Amor dormido (Il Volterrano). Fresco del Palacio Pitti)

"El médico japonés Takuro Endo, que se ha especializado en la neurociencia del sueño, asegura que existen tres categorías musicales: melodías que "encienden nuestra imaginación"; canciones relajantes; y música que, escuchada durante diez minutos, reduce la velocidad de nuestro cerebro hasta llevarnos a la inconsciencia."

(Música para dormir: revista Muy interesante)

Vemos que constantemente se realizan estudios a propósito del efecto de la música sobre el descanso y el sueño. Precisamente con ese fin parece que fue compuesta la obra que vamos a escuchar hoy, o al menos así nos lo cuenta Johann Nikolaus Forkel, el primer biógrafo de Juan Sebastián Bach, aunque en la actualidad resulte más que dudosa la historia.

Según Forkel, el Conde Hermann Carl von Keyserlingk, que padecía de insomnio, encargó al compositor una obra musical; ésta sería interpretada por el joven y más que diestro clavecinista de su corte, Johann Gottlieb Goldberg (de ahí su nombre), bien para favorecer su descanso bien para entretener sus horas de vigilia. El hecho es que ahí están las Variaciones Goldberg.

Antes de continuar recordemos que el tema con variaciones consiste básicamente en la presentación inicial de un tema musical que se modifica, adorna y transforma en sucesivas interpretaciones, pero siempre respetando la armonía original.

En las Variaciones Goldberg, el tema inicial es una aria (zarabanda = danza lenta de origen renacentista), famosísima como podréis suponer, a partir de la que se desarrollan treinta variaciones compuestas sobre el bajo (la melodía más grave, que podéis observar en el enlace). Se publicaron en 1742 como parte del Clavierübung (Ejercicios para teclado). Las variaciones, armónicas y del más puro estilo contrapuntístico (prometo explicar el "contrapunto" próximamente), se agrupan de tres en tres siendo la última de cada grupo un canon. Analizada la obra encontramos una perfecta estructuración con piezas de gran complejidad; una obra magníficamente organizada en las que los números y la simetría nos sorprenden a cada paso.

Escuchemos en primer lugar la maravillosa Aria inicial interpretada al clave - instrumento original para el que fue compuesta - por Pierre Hantaï.

Aquí podemos escuchar hasta la séptima variación en la mítica interpretación de Glenn Gould, un genio del piano.

Esta obra también ha sido utilizada en el cine; veamos dos ejemplos de ello; dos famosas películas a cuyos no menos famosos protagonistas les encanta Bach. En este primer e inquietante vídeo puede escucharse el Aria inicial.

En estos otros, "si sois pacientes", podréis reconocer el aria (primer vídeo) y la primera de las variaciones (segundo vídeo). Escuchad atentamente.

La obra completa la tenéis en este programa de rtve del que ya somos habituales: Los imprescindibles.

Y para los más recalcitrantes enlazo también, de Té para tres (otro programa radiofónico), el titulado "Las mil y una Variaciones Goldberg", donde podemos escucharlas en distintas versiones: para clave (con Gustav Leonhardt, al que ya conocéis), piano (Glenn Gould), órgano (Erik Feller), arpa (KatrinFinch) y trío de cuerda (Dimitri Sitkovetski).

Como podéis ver, hay títulos aparentemente anecdóticos e intrascendentes que sin embargo esconden tras de sí obras extraordinarias y fascinantes, misterios insondables; dicen que las apariencias engañan y esto es lo que sucede con las famosas Variaciones .

Espero que lo disfrutéis

Para más información, estos enlaces:

Las Variaciones Goldberg y los números (Artículo de Pablo Ruibal Armesto)
Artículo de Wikipedia

NUESTRA CANCIÓN DEL VERANO

2011-08-14T12:37:00.014+02:00

....sube la gente contenta a la fiesta del patrono....

Y la gente por el prado
no dejará de bailar
mientras se escuche una gaita
o haya sidra en el lagar...

Así fue: evocador, auténtico y precioso.

Bañugues (Asturias)

Fotos: Ab música y más

INCISO REFLEXIVO

2011-08-03T18:22:00.047+02:00

Resulta que lo que muchos califican de "veranito fresco" no lo está siendo en absoluto en el ámbito de la enseñanza pública madrileña.
A estas alturas ya todos lo sabemos: aumento de horas de trabajo y reducciones salariales, instrucciones para el inicio del curso que implican recortes en los cupos de profesores y reducciones de plantillas en los centros....medidas, en fin, que deterioran gravemente el sistema de educación pública, cualquier persona con criterio y dos dedos de frente lo sabe.

No solo protestamos por tener que trabajar más; eso ya lo estamos haciendo y además, cobrando menos que antes; protestamos por el retroceso al que asistimos, que perjudica de manera flagrante, creo, a los alumnos de la pública, por mucho que los profesores con conciencia nos machaquemos y nos dejemos el pellejo, el tiempo y las energías.
Nuestro trabajo, invisible a los ojos de los necios, claro, es un trabajo duro y sobre todo trascendente, muy trascendente. Es un trabajo, sin embargo, que a pocos parece importar, minusvalorado, incluso despreciado y obviamente desprestigiado. La situación es triste, pero ésto es lo que tenemos, a eso conducen las medidas y los recortes económicos que laceran y perjudican nuestra enseñanza, la pública, la de todos, esa a la que cualquier alumno tiene derecho y ante cuyos resultados se rasgan las vestiduras los analistas y los hipócritas.

Decir que el sistema educativo de un país es claro indicador de su desarrollo, es una obviedad y supongo que casi todo el mundo compartirá esa opinión. En Ab música y más creemos firmemente en la enseñanza pública; en ella trabajamos desde hace ya veinticinco años y en ella, por supuesto, estudian y han estudiado nuestros hijos, que, como tantos otros, han entrado en sus respectivas facultades con la cabeza tan alta como su nivel de formación y como sus notas.
Pero las medidas que se toman parecen ir encaminadas a su deterioro; esa es, al menos, la impresión que nos causan; parece que no interesa una educación de calidad, que no interesa una educación para todos; estamos en el camino hacia una sociedad aborregada e indocta y se nos olvida que, a más ignorancia más fácil manipulación.

En fin; aunque esto dé para un Réquiem, desde luego, no caeremos en las lamentaciones por muy desesperanzados que estemos (que no lo estamos en Madrid, al contrario).

Animémonos y luchemos firmes como el árbol junto al río, con optimismo y con energías renovadas tras nuestras "demasiado largas" vacaciones (pero qué mala es la envidia) sin olvidarnos de mirar siempre el lado luminoso de la vida.

Enlace de MUCHO INTERÉS en el que TODO está divinamente explicado:

EN DEFENSA DE LA ESCUELA PÚBLICA

COMO ORO EN PAÑO

2011-07-06T10:14:00.009+02:00

Como oro en paño es una locución utilizada con frecuencia para explicar el aprecio que se hace de algo por el cuidado que se tiene con ello.
Como oro en paño guardaremos en Ab música y más el sello de reconocimiento que nos llega desde Tiempo para la memoria y que , una vez más, no sé cómo agradecer.

En esta ocasión son cinco las bitácoras que han de citarse. Aquí van por orden alfabético; os suenan ¿verdad?

Aldea de las letras
Bibloranca
En ocasiones leo libros
Medicina y arte
Medicina y melodía

Aprovecho la ocasión para proponer la audición de una encantadora Bourrée (danza que suele formar parte de las suites) del compositor alemán Johann Krieger (1652, 1735). Se trata de una breve pieza barroca que ha sido adaptada y transcrita en muchas ocasiones para diversos instrumentos y que quiero dedicar especialmente a Daniel, Víctor, Carlos , Ayoub y Ángel, un particular quinteto de flautistas de trece años (2º de ESO). Ellos tuvieron el valor de estudiársela (estaba transcrita para dos voces/flautas) y de interpretarla en público en un concierto de fin de curso cuyo recuerdo guardaré.... como oro en paño.

Atentos: aquí, la segunda voz la interpreta el clave

A la vuelta del verano intentaremos grabarla y la traeremos aquí.

EL SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

2011-06-26T22:09:00.035+02:00

El despertar de Titania (1794)
Johann Heinrich Füssli

No encontraba las palabras para comenzar este capitulillo estival que desde hace varias noches me rondaba por la cabeza y, una vez más, me las ha proporcionado Carlota Bloom, abriéndome el camino. Qué fácil me resulta ahora completar su día de verano con esta noche, "shakesperiana " también y mágica como ninguna.

La lectura del Sueño de una noche de Verano debió sacudir la romántica imaginación del joven Félix Mendelssohnn (1809 - 1847) que, con solo diecisiete años (1825), le dedicaría la que se considera su primera obra maestra, tanto por la calidad musical como por la madurez compositiva que en ella muestra. La obra, una obertura titulada también El sueño de una noche de verano, se inspira en la citada obra de teatro y nos catapulta directamente a ese mundo fantástico creado por Shakespeare, al modo de lo que posteriormente se llamaría poema sinfónico (recordemos la música programática, propia del romanticismo) pero ajustándose todavía al clasicismo en las formas. Esta será una de las características propias de Mendelssohn: un espíritu romántico y un estilo vinculado todavía al clasicismo.

Fue escrita como una obertura de concierto y se interpretaría como preámbulo o preludio inicial. Dieciséis años mas tarde el autor compondría la música incidental para esta misma obra que incluiría recitativos, el Nocturno, el Scherzo y la famosa Marcha nupcial... pero eso es otra historia.

Para los melómanos incluyo el programa radiofónico Música y significado del 27 de marzo de 2011, en el que el profesor Luis Ángel de Benito analiza exhaustivamente la obra descubriéndonos sus entresijos y explicando todo tipo de detalles musicales que os resultarán sorprendentes.

Os dejo pues con la maravillosa Obertura Op. 21 El sueño de una noche de verano : sumergíos en ese mundo fantástico, escuchad la atmósfera irreal creada por los acordes iniciales, los ligeros correteos de las hadas emulados por la cuerda o el rebuzno de Nick Bottom ( también Lanzadera, Fondón o Canilla , dependiendo de las traducciones) en ese intervalo -salto- de novena descendente en torno al tercer minuto.

Por mi parte, como Titania, os diré:

Cantadme mientras me duermo; después a vuestros oficios, y dejádme reposar.

(El sueño de una noche de verano. Acto segundo Escena segunda. William Shakespeare)

Para escucharla: la London Symphony Orchestra con Claudio Abbado

Para verla, Kurt Masur y The Leipzig Gewandhaus Orchestra

Notas: el prerromántico Füssli - ilustración inicial - destacó por su particularísima pintura en la que abundan los temas oníricos y fantásticos que tanto gustaron a los románticos. Tenéis más información en el enlace de pie de foto.
La pintura que ilustra el primero de los vídeos se titula Titania y Oberón y es obra de Joseph Noel Paton , posterior a Füssli.

¡FELICES VACACIONES!

2011-06-24T18:00:00.009+02:00

Podríais hacer un puente, luchar contra momias o escalar la Torre Eiffel....en fin,
como veréis, mucho hay por hacer antes de ir otra vez a estudiar...

UN DÍA DE SOL

2011-06-18T20:54:00.013+02:00

El día del Español ha resultado ser un soleado día en muchos sentidos. Sí, la luz del sol ha inundado nuestro rinconcillo musical que hoy ha estado de fiesta también. (Rinconcillo, delicioso diminutivo que me gusta mucho).

Desde Medicina y Arte - el precioso blog de nuestro amigo y tertuliano Francisco Doña (adoro también la palabra tertulia) - nos ha llegado un premio que, ante todo, quiero agradecer.
Francisco ha tenido a bien incluir Ab musica en una lista de bitácoras (bitácora, otra palabra...) que considera interesantes y a las que otorga un sol reluciente, sol que previa y merecidísimamente ha recogido él.
Según el protocolo, el premiado ha de señalar otros tantos blogs que considere merecedores de la distinción. Vamos a ello sin más dilación.

EN OCASIONES LEO LIBROS
BIBLORANCA
MEDICINA Y MELODÍA
ALDEA DE LAS LETRAS
CLÁSICAS ESPLUGES
LA CIENCIA PARA TODOS
LÍNEA SERPENTINATA
MUSICADOS
DE SILENCIOS Y SONIDOS
DANOS LA NOTA
ANTIQVA
EL RINCÓN DE JARRAMPLÁS

Si falta alguno de mis favoritos es porque me consta que ya ha recibido su sol con anterioridad. Quizás alguno de los citados ya lo tenga en su vitrina.....si es así....pues ya tiene dos.

Ha sido un día mágico, feliz, estupendo....en español y con música.

CHEEK TO CHEEK

2011-06-06T17:39:00.025+02:00

Se acaba el curso y como todos los años siento que me dejo en el tintero muchas cosas; por fortuna disponemos de este rincón en el que casi todo cabe y que nos permite completar, añadir o simplemente mostrar aquello que hubiéramos querido comentar de viva voz y que el tiempo y las circunstancias nos han impedido hacer.
Pues sí; me hubiera pasado el curso entero viendo, estudiando y disfrutando con mis alumnos de cuarto todo el cine musical. Es por esto que aprovecho hoy para recordar aquí Sombrero de copa (Top hat), (1935) y, para destacar, en concreto, una de las canciones que en ella se interpretan; una canción especial - no hay otra que se le parezca - compuesta por Irving Berlin para la citada película, adorada por miles de amantes de la música e interpretada y versionada por multitud de cantantes de todo género y condición.
De su autor os diré que le cabe la gloria de haber "colaborado" en El cantor de Jazz (1927), la primera película sonora de la Historia del cine, con Blue sky (una de las canciones que interpreta Al Jolson en la cinta y que podéis ver en el enlace).

En cuanto a Top hat recordaremos que se trata de una comedia musical romántica al estilo de las que triunfaban en los años treinta, protagonizada por aquella mítica pareja que constituían Fred Astaire y Ginger Rogers:

"un mito que serviría como rasero para medir a todas las parejas de baile" (Terenci Moix)

Escuchemos Cheek to cheek, en primer lugar interpretada por Fred Astaire, después cantada y bailada en la escena de la película.

Enlazo aquí otras versiones de la canción para que podáis comparar estilos

Louis Armstrong y Ella Fitzgerald

Frank Sinatra

Julie Andrews

Billie Holiday

Diana Krall

Y este vídeo para los adictos a Los Simpson, que, seguro, son muchos. ¿Recordáis el episodio?

A que no lo sabíais ¿eh?

¡Ah! no os perdáis el primer enlace de la entrada: aprenderéis cosas curiosas sobre la película y su tiempo.

LOS SECRETOS ACORDES DE LEONARD COHEN

2011-06-02T08:55:00.018+02:00

Leonard Cohen

"la poesía y la música se funden en un valor inalterable"

Premio Príncipe de Asturias de las Letras

¡ALELUYA!

Now I've heard there was a secret chord
That David played, and it pleased the Lord
But you don't really care
for music, do you?
It goes like this
The fourth, the fifth
The minor fall, the major lift
The baffled king composing Hallelujah

Hallelujah…

Your faith was strong but you needed proof
You saw her bathing on the roof
Her beauty and the moonlight overthrew her
She tied you
To a kitchen chair
She broke your throne,
and she cut your hair
And from your lips she drew the Hallelujah

Hallelujah…

You say I took the name in vain
I don't even know the name
But if I did, well really, what's it to you?
There's a blaze of light
In every word
It doesn't matter which you heard
The holy or the broken Hallelujah

Hallelujah…

I did my best, it wasn't much
I couldn't feel, so I tried to touch
I've told the truth, I didn't come to fool you
And even though It all went wrong
I'll stand before the Lord of Song
With nothing on my tongue but Hallelujah

Hallelujah…

Y aquí, el homenaje de un poeta a otro. Olé.

No hay tiempo para más...por hoy

No dejéis de visitar:

http://www.leonardcohen.com/

LA MUCHACHA DE LOS CABELLOS DE LINO

2011-05-25T17:16:00.042+02:00

Palco en el teatro (En el concierto). Auguste Renoir (1880)

Muchos habréis observado que en la obra de Renoir abundan las preciosas cabelleras.

Este último invierno tuvimos la suerte de "apasionarnos" con su pintura en el Museo del Prado. Entre las joyas que allí pudimos disfrutar se encontraba esta con la que hoy abrimos y que nos viene "al pelo" para presentar el famoso preludio pianístico de Claude Debussy, La muchacha de los cabellos de lino (La fille aux cheveux de lin), perteneciente al libro primero de los Preludios (1910).

(Ya sabéis que la música pianística de Debussy ocupa, en el repertorio del siglo XX, una posición comparable a la que ocupa la de Chopin en el siglo XIX).

Aunque he de comprobar este dato, al parecer el compositor se había inspirado en uno de los Poémes antiques de Leconte de Lisle titulado Chansons ecossaises (Canciones escocesas).

Pero vayamos a la comparación estilística.

Si en el cuadro se observa el predominio del color sobre el dibujo (de la mancha sobre la línea) propio del Impresionismo, en la obra musical podremos apreciar de igual manera el protagonismo de los acordes ("manchas sonoras"), gerneradores de atmósferas y de armonías evanescentes, sobre las que parece "flotar" la melodía, que se desarrolla esquemática, fragmentada y lacónica. Una melodía reducida a lo esencial.

Espero que disfrutéis desde vuetro palco.

En la patitura, esta indicación: Très calme et doucement expressif.

El gran Krystian Zimerman, para escucharlo:

Y para verlo, Lang Lang

Incluyo también esta preciosa adaptación para violín y orquesta interpretada por el famoso Joshua Bell (al que conocimos tocando en el metro, ¿os acordáis?)

Y de postre, como tantas veces, un poema

Me falta tiempo para celebrar tus cabellos.
Uno por uno debo contarlos y alabarlos:
otros amantes quieren vivir con ciertos ojos,
yo sólo quiero ser tu peluquero.

En Italia te bautizaron Medusa
por la encrespada y alta luz de tu cabellera.
Yo te llamo chascona mía y enmarañada:
mi corazón conoce las puertas de tu pelo.

Cuando tú te extravíes en tus propios cabellos,
no me olvides, acuérdate que te amo,
no me dejes perdido ir sin tu cabellera

por el mundo sombrío de todos los caminos
que sólo tiene sombra, transitorios dolores,
hasta que el sol sube a la torre de tu pelo.

Soneto XIV. (Cien sonetos de amor)
Pablo Neruda

(dedicado, como los otros noventa y nueve, a Matilde Urrutia)

Aquí os enlazo los Cien sonetos de amor

Entradas relacionadas: IMPRESIONISMOS

VOLVERÁN LAS OSCURAS GOLONDRINAS...

2011-05-16T21:16:00.034+02:00

...en tu balcón sus nidos a colgar...

Resultan tan románticas anidando en los balcones, como escandalosas surcando invasoras los cielos vespertinos, pero, sobre todo, resultan simpáticas e inspiradoras. Vamos a ver hoy cómo además de tener un lugar privilegiado en el romanticismo literario, también tienen su sitio en el romanticismo musical.

Comenzaremos por Golondrinas de Austria, el delicioso y descriptivo vals de Joseph Strauss (1827 - 1870) en el que podemos incluso "escucharlas".

A mis "niños" de segundo - que ya han comenzado a no serlo - les dejo la versión vocal de estos estos otros niños ... algo más pequeños y más cantores. ¿Os suenan?

Esta que váis a escuchar ahora es La golondrina del compositor alemán Johann Friedrich Franz Burgmüller (1806-1874). Perteneciente a sus Estudios para piano Op. 100, es muy conocida por los pianistas que se inician.

En el ámbito de la música española hemos de recordar la zarzuela del compositor y pianista vasco José María Usandizaga (1887 - 1915) titulada Las golondrinas. Fue compuesta sobre la obra Aves de paso (Ocells de pas) de Martínez Sierra, o lo que es lo mismo, de nuestra admirada María Lejárraga, a la que que tuvimos el honor de conocer gracias a Carlota Bloom. (Véase el enlace).

Aquí podéis escuchar el precioso preludio del tercer acto.

Y la última pieza "golondrinesca" la encontramos en Maruxa de Amadeo Vives (1871 - 1932), que os enlazo aquí para quien quiera escucharla y que me gusta especialmente, aunque no trate apenas del mentado pajarito.

No quisiera despedirme sin añadir una aclaración: si alguien desea saber más sobre las golondrinas, sus características y sus capacidades... que preste atención a esta escena de una película ya clasica y muy, pero que muy popular.

Otros enlaces muy interesantes:

Mª Ángeles Santiago y Miras: María Lejárraga: obras musicadas
(Artículo de "Espéculo: revista de estudios literarios". Universidad Complutense de Madrid)

Otras aclaraciones:

En la imagen - de Ab música y más -, balcón junto a la Plaza Mayor de de Ciudad Rodrigo.

De las golondrinas en la música popular hablaremos en una próxima entrada; esto es ya muy largo.

RAVEL NO ES SOLO BOLERO

2011-05-08T12:43:00.023+02:00

Maurice Ravel (1875 - 1937)

Se ha escrito de él que sus emociones estaban controladas por su intelecto, sin embargo él mismo afirmaría, al final de su vida, que "el compositor debe sentir intensamente lo que compone".
En el fondo y pese a huir de las exageraciones, su música, controlada y medida, no puede sustraerse a ese romanticismo al que se opuso - como sus contemporáneos - y del que quiso escapar.

Sería un pensador romántico, Wilhelm Heinrich Wackenroder, quien defendiera una postura contemplativa frente a la música:

Cierro los ojos a todas las guerras del mundo y me retiro, silencioso, al reino de la música, como si fuera el reino de la fe, donde todas nuestras dudas y todos nuestros dolores se ahogan en medio de un mar de sonidos y donde nos olvidamos del vocerío de los hombres que nos da vértigo...

Para Wackenroder la música era el sentimiento en sí y eso hacía innecesaria cualquier explicación o análisis. El amante del arte debía, simplemente, abandonarse a él.
Esa, creo, es la actitud que hemos de tomar durante los próximos nueve minutos, una actitud romántica ante una música que no quiso serlo. Juzgue el oyente por sí mismo.

Segundo movimiento, Adagio assai, del Concierto para piano y orquesta en sol mayor (1932) de Maurice Ravel: un maravilloso ejemplo de lirismo, de colorido y de orquestación.

Para oirlo:

Krystian Zimerman al piano con la Orquesta de Cleveland dirigidos por Pierre Boulez.

Para verlo:
Martha Argerich con la Royal Stockholm Philharmonic Orchestra bajo la batuta de Yuri Temirkanov

Enlaces y bibliografía recomendadas:

Ernst Behler: Wackenroder y la concepción musical del primer romanticismo
Acceso al texto original en inglés en dialnet.unirioja.es

Enrico Fubini: La estética musical desde la Antigüedad hasta el siglo XX. Ed. Alianza Música.

Joseph Machlis: Introducción a la música contemporánea. Marymar ediciones.

TUTTO NEL MONDO È BURLA

2011-04-28T09:53:00.063+02:00

Procedencia de la imagen

Leíamos hace unos días una estupenda entrada a propósito de Falstaff en el blog amigo de Carlota Bloom (En ocasiones leo libros). Me lanzó entonces un guante que, por supuesto, recogí encantada; he aquí que me dispongo a cumplir mi palabra.

Nos recordaba Carlota que el cineasta Orson Welles le dedicó al shakesperiano personaje una gran película, Campanadas a media noche (Chimes at midnigth, 1965); nadie como él - que además lo encarnó - para presentárnoslo (pongamos a prueba nuestro inglés):

También nos recordaba que el gran compositor italiano Giuseppe Verdi (1813 - 1901) le dedicó una ópera.

Retrato de Giuseppe Verdi por Giovanni Boldini (1886)

No era la primera vez que Verdi se inspiraba en el dramaturgo inglés: ya lo había hecho en Otelo y Macbeth, pero Falstaff, su última ópera , había de ser cómica - no es posible mejor manera de despedirse del público -; a punto estaba de cumplir los ochenta años cuando el libretista Arrigo Boito le mostró el texto que, de inmediato, cautivó al compositor. Se estrenó en la Scala de Milán en Febrero de 1893 y su éxito fue enorme.

Escribe el musicólogo italiano Massimo Mila en su Breve Historia de la Música:

...la última y más perfeccionada ópera de esta etapa, es el milagro de la imaginación de un anciano casi octogenario que, tanto por su disposición psicológica como por la originalidad estilística, anuncia realmente la figura italiana del porvenir.

Efectivamente, en esta obra se aprecia la evolución estilística del autor, evolución que se concreta en dos aspectos:

- Un tratamiento de la orquestación más intenso y avanzado con una orquesta más amplia y poderosa en la que los instrumentos adquieren casi la misma importancia que los personajes.

- El abandono de la estructura tradicional de arias y recitativos - como hiciera ya en Otelo - en favor de una continuidad melódica y por lo tanto de una mayor unidad estructural.

Escuchemos a Nannetta disfrazada de Titania (la reina de las Hadas) en un plan urdido contra Falstaff.

En cuanto al argumento , que tiene lugar en Windsor durante el reinado de Enrique IV de Inglaterra (s.XV) y cuya sinopsis podéis leer en el enlace, os diré que se trata de un enredo en el que nuestro Falstaff - juerguista y burlón, como ya sabéis - pretenderá engañar.... y acabará engañado (catando así un poquito de su propia medicina) en un gran final festivo. Precisamente es ese final el que da título a la entrada y el que vamos a escuchar a continuación.

Tutto nel mondo è burla...

Todo en el mundo es burla.
El hombre ha nacido burlón…
en su cerebro vacila
siempre su razón.
¡Todos embaucados!
Todo hombre se ríe
de los demás mortales,
mas ríe mejor quien ríe el último.

Final fugado (en estilo imitativo). Observad cómo van entrando las distintas voces con el mismo tema melódico una tras otra y cómo se entretejen en un desarrollo complejo hasta llegar al final .

Escuchad aquí la impresionante versión de concierto en el homenaje a Plácido Domingo con un extraordinario plantel de operísticas estrellas: las mejores voces del momento.

En La ópera.net podéis seguir la obra completa pinchando aquí

Lo que algunos no saben es que Verdi no fue el único en componer una ópera sobre Falstaff; ya lo hizo antes un viejo conocido de todos cuya música, sin embargo, no lo es tanto; me refiero al famoso Antonio Salieri (sí, el de Amadeus). He encontrado un trailer que os enlazo (SALIERI Falstaff) y el vídeo de una escena que dejo también para que podáis escuchar y comparar dos estilos diferentes, clasicismo y romanticismo, aplicados a un mismo tema. Veamos la citada escena en los dos estilos separadas por un siglo: en primer lugar el clasicismo de Salieri y para terminar.... Verdi.

(En ella, Alice - una de las "alegres comadres" protagonistas - finge aceptar el cortejo de Falstaff, aunque manteniéndolo a distancia. Todo forma parte del plan trazado para darle una lección).

Esta ultima versión es de la Royal Opera House para la BBC.

Pues eso; seamos optimistas a pesar de todo y aprovechemos y celebremos el lado festivo de la vida.

CONCERTO PER FLAUTINO O EL ENCANTO DE LO PEQUEÑO

2011-04-24T14:51:00.064+02:00

Lo pequeño es hermoso (Small is beautiful, 1973). Así tituló el economista Ernst Friedrich Schumacher su más famoso libro (de plena actualidad como podéis comprobar si leéis esta brevísima reseña ).

A mí me parece hermoso ese breve pero gran título. Que lo pequeño es hermoso lo comprobamos en música constantemente con las numerosísimas y deliciosas pequeñas piezas que los compositores nos han regalado a lo largo de la historia, pero además, también podemos constatarlo en lo referente al mundo de los instrumentos; es por ello que vamos a hablar hoy de uno pequeño y precioso: el flautín, el instrumento de viento de menor tamaño y el más agudo de la orquesta (suena una octava por encima de la flauta travesera y mide unos 30 cm.). (En los vídeos se puede ver su imagen)

Para él escribió Vivaldi su maravilloso Concerto per flautino que os propongo escuchar y cuyo segundo movimiento - Largo - fue utilizado por el director francés Francoise Truffaut en su película El pequeño salvaje (L'enfant sauvage, 1969). Ésta trata sobre el poder de la educación y está inspirada en la historia de Víctor Aveyron, un niño encontrado en estado casi salvaje en un bosque francés a finales del siglo XVIII, de cuya educación se encargaría el doctor Jean Itard. En ella se nos remite directa o indirectamente a J. J. Rousseau, a su Emilio y la educación, al mito del buen salvaje y a los conceptos de aprendizaje, de experiencia y del hombre como ser social.

Ved y escuchad el final:

Qué casualidad; sobre el sentido de la educación también nos habla Schumacher en su libro, como podéis ver aquí.

Decíamos que Truffaut recurrió a Vivaldi en su L'enfant sauvage, concretamente a dos de sus conciertos; uno de ellos, conocido ya por todos, el de mandolina (véase entrada Al son de mi mandolina) y el otro, el Concerto per flautino en Do mayor.

El concerto barroco es un ejemplo de forma mayor (grande) que sin embargo está lleno de "pequeños motivos decorativos" - muy del gusto del estilo - como son los trinos, los semitrinos y otras notas de adorno de las que hablaremos próximamente- y muy adecuados, por otra parte, para nuestro instrumento protagonista. Escuchemos sus tres movimientos, Allegro, Largo y Allegro molto y contagiémonos de su vitalidad y su energía.

Otra casualidad; precisamente Flautín se llamaba el pajarito del enfermizo Ladis, el niño protagonista de aquel cuento de mi infancia - que todavía conservo - titulado Un gran pequeño y que se veía reducido al diminuto tamaño de un insecto para vivir una experiencia extraordinaria. Su autor - José María Sánchez Silva - nació curiosamente en 1911, el mismo año en el que también lo hiciera el economista Schumacher al que nos hemos referido.

Y para terminar de hacer redonda esta entrada - ya demasiado grande - incluyo este otro vídeo del concierto para flautín interpretado por el conjunto historicista Il Giardino armónico con instrumentos de la época y a la supuesta manera de aquel entonces. Espectacular.

Aunque no tenga mucho que ver me hacía ilusión traer la foto de Ladis; las ilustraciones, de José Luis Macías, me encantaban.

LAS ÚLTIMAS PALABRAS Y EL TERREMOTO

2011-04-19T20:32:00.030+02:00

Retrato de F. Joseph Haydn (1791)
por John Hoppner

"En la opinión del siglo XVIII, la música sacra y el arte religioso en general, debían proporcionar un marco, un fondo bello para la ceremonia divina."

(Reinhard G. Pauly. La música en el período clásico)

Precisamente eso debió pensar el padre José Sáenz de Santamaría, director de la Hermandad de la Santa Cueva en Cádiz, cuando en 1785 encargó a Joseph Haydn la obra musical que escucharemos hoy. El compositor - de enorme fama y reconocimiento en aquellos momentos - aceptó el encargo. El Viernes Santo de 1786 se estrenó en el Oratorio de la Santa Cueva la citada obra religiosa que alcanzaría mucha fama y que se conoce como Las siete últimas palabras de Cristo en la Cruz.

Se trató, en primera instancia, de una obra orquestal destinada a acompañar o "ilustrar" musicalmente la predicación de las siete palabras de Cristo que cada Viernes Santo se realizaba, y digo en primera instancia porque el propio compositor nos dejaría dos versiones más, una para cuarteto de cuerda escrita un año después y otra para coro y orquesta - o de oratorio - escrita en 1796.

La primera de todas - orquestal - consta de una introducción, siete sonatas - una por cada frase pronunciada - y el terremoto final.

Os propongo escuchar la última de las frases, "Padre, en tus manos encomiendo mi espíritu"(Lucas 23,46) y el terremoto, "La tierra tembló y se rajaron las rocas, se abrieron los monumentos y ...." (Mateo 27,52), en las tres versiones.

Instrumental
Séptima sonata y terremoto bajo la dirección de Jordi Savall:

En los dos siguientes vídeos, sendas versiones para cuarteto; en primer lugar el Navarra String Quartet interpretando la Sonata VII (incompleta)

... y "el terremoto", por el Arioso String Quartet (Presto e con tutta la forza)

Por último, el terremoto, con orquesta y coro.

A los melómanos os recomiendo la versión de oratorio completa, en el programa "Los imprescindibles" de Radio Clásica (13/02/10) en el que José Luis Nieto nos cuenta con detalle todo lo concerniente a la obra, a su encargo, a cómo se celebraba la ceremonia de las siete palabras en Cádiz allá por el siglo XVIII y a las impresiones e inquietudes de Haydn al respecto.

Cuando escribo esto veo que nuestro querido amigo José Manuel Brea ha decidido tocar el mismo tema, os enlazo su entrada Música para la Semana Santa.

Artículos interesantes:

La música de Haydn en las catedrales españolas. José López-Calo. MAR (Música de Andalucía en la red). Universidad de Granada

Franz Joseph Haydn y Cádiz. El encargo de las Siete palabras. Marcelino Díez Martínez.
MAR (Música de Andalucía en la red). Universidad de Granada

Las siete palabras de Haydn y su raíz española. Daniel López Fidalgo

Otros sitios de interés: Oratorio de la Santa Cueva Y Oratorio de la Santa Cueva

Entradas relacionadas:

LAS PASIONES DE J.S. BACH

SE ESTÁ ACERCANDO UN DÍA FELIZ

2011-04-06T15:45:00.021+02:00

Aunque a la vista del título pueda parecerlo, no pretendemos ser el oráculo, ni tan siquiera nos gusta la "futurología"; la realidad es que éste se debe a otra razón como habréis podido adivinar...

Hablábamos hace unos días de cuánto nos gustan los trovadores, los músicos poetas - o poetas músicos - que han ido llenando la historia de belleza, de flores, de pequeñas joyas inmateriales, atemporales y eternas; que han sabido - y que saben - adornar la vida de los demás con su lírica sentida y sincera. Los trovadores no pasan de moda, sus canciones pertenecen a todas las épocas y nos pertenecen a todos.

Silvio Rodríguez es uno de ellos. Integrante de lo que se dió en llamar La nueva trova cubana, compuso en 1980 la canción titulada "El día feliz que está llegando" que incluyó en el disco Rabo de nube, del mismo año.

En un dia de abril como el de hoy, o como el que se acerca, quiero compartir su canción con los que ya la conocen y con los que nunca la han escuchado. La dejo en su versión original y en otras dos que he encontrado y que me han llamado mucho la atención.

Como curiosidad, la introducción con el clave y la preciosa guitarra. Y como siempre, la letra.

Se está arrimando un día feliz
como hace un barco tras sus meses.
Se está acercando un día de abril,
un día de abril se va a arrimar
a los finales de noviembre.

Y yo me apego más al mar,
me hermano doble de los peces.
Yo enciendo leña en el hogar
que vio brillar la tempestad
que guía el curso de estos meses.

Se está arrimando un día de sol,
un día de duendes en añejo.
Se acerca un pájaro feroz
zumbando al goce de tu olor:
se acerca un tiempo de conejos.

Y a mí me escarba la ansiedad,
me escarba hondo, acá, en lo blando;
me escarba simple, de escarbar,
como para que se hunda más
el día feliz que está llegando.

Aquí la versión de la banda de rock chilena "Los bunkers"

Y aquí la de los suecos Björn Afzelius y Mikael Wiehe; sorprendente.

EL DÍA FELIZ QUE ESTÁ LLEGANDO: no perdamos la esperanza.

DE VOCES Y RESONANCIAS

2011-03-29T18:11:00.033+02:00

El asunto Tornasol

Nada mejor que recordar al profesor Tornasol y su máquina de ultrasonidos que todo lo destruía en aquella aventura de nuestro viejo conocido Tintin para iniciar el tema de hoy. (Podéis leer el libro o seguir la aventura animada en youtube).

Cumpliendo con lo prometido a mis alumnos de segundo que están poniendo mucho interés en el estudio de la voz y todo lo que con ella se relaciona, vamos a ver el efecto que ésta puede llegar a producir sobre una copa de cristal. Para ello haremos un par de aclaraciones previas:

Cuando una fuerza se aplica repetidamente a un sistema con la frecuencia natural del mismo, el resultado es la aparición de oscilaciones de gran amplitud; este fenómeno se llama resonancia.

El hecho de que una copa de cristal pueda romperse por efecto del sonido tiene pues que ver con un fenómeno físico llamado resonancia. Es el fenómeno por el cual el cuerpo entra en vibración ante la proximidad de la producción de un sonido de frecuencia igual a la que dicho cuerpo puede producir.

En primer lugar veremos lo que es la resonancia sonora y cómo ésta puede llegar a romper una cubeta de laboratorio mediante un sonido producido artificialmente. Veámoslo muy bien explicado en unos experimentos de laboratorio.

Aquí se ve más de cerca:

Veamos y escuchemos ahora a la soprano guipuzcoana Ainhoa Arteta haciendo estallar la copa con el sonido de su voz.

Y para que podáis comprobar que nuestra protagonista no solo se dedica a romper copas con su maravillosa voz os dejo un par de preciosidades; la primera, perteneciente a El Barberillo de Lavapiés (F. A Barbieri), con texto y todo.

Como nací en la calle de la Paloma,
ese nombre me dieron de niña en broma.
Y como vuelo alegre de calle en calle,
el nombre de Paloma siguen hoy dándome.
Aunque no tengo el cuello tornasolado,
siempre está mi cabello limpio y rizado.
Y aunque mi pobre cuerpo no tiene pluma,
siempre está fresco y blanco como la espuma.
En lo limpita Paloma soy,
y salto y brinco por donde voy,
y a mi nombre de Paloma siempre fiel,
ni tengo garras, ni tengo garras,
ni tengo garras,ni tengo hiel. ...

La segunda, una versión de Tears in Heaven (Eric Clapton)

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UN RÍO DE MÚSICA

2011-03-22T17:34:00.018+01:00

El Jarama a su paso por Velilla

Como podréis intuir no es precisamente el Jarama el protagonista de nuestra entrada, aunque bien merecería ser dedicatario de una obra musical porque belleza y encanto no le faltan. La atención musical de nuestro compositor de hoy se centró en el río de su tierra: el Moldava.

Bedrich Smetana (1824-1884), considerado el iniciador de la escuela nacionalista checa, compuso en 1875 El Moldava (Vltava), una obra dedicada, como ya habréis supuesto, al río que cruza Bohemia y desemboca en el Elba bañando a su paso, la ciudad de Praga. Se trata del segundo de los seis poemas sinfónicos que conforman una suite orquestal titulada Mi patria (Ma Vlast).

El poema sinfónico es una forma musical surgida en el romanticismo dentro de la tendencia denominada Música programática (música instrumental asociada a un tema poético, descriptivo o incluso narrativo; literario, en suma). Esta evita la mera imitación sonora tal y como la hiciera el barroco (recordad las "descripciones" de Vivaldi, por ejemplo) buscando más la sugerencia imaginativa. En ella , la música es un vehículo para la expresión de ideas asociadas a un programa literario que, a veces incluso acompaña físicamente a la composición.

Pues bien; nuestro recorrido musicofluvial por el Moldava se inicia en sus fuentes (regueros y murmullo de agua) emuladas por los arabescos de la flauta y el viento iniciales; la cuerda en graves pronto deja paso al gran tema principal: el río (en la orquesta). A lo largo de su curso "veremos" escenas de caza, bodas campesinas, danzas populares y un claro de luna antes de la vuelta al tema principal en el curso bajo (ya muy ancho), y finalmente grande y majestuoso en la desembocadura.

Smetana manifiesta ese nacionalismo musical al que nos hemos referido al principio en la elección de temas precisamente nacionales para sus obras y en el uso de melodías folklóricas y ritmos de danzas populares.

Observad cómo el tema del río - en modo menor desde su inicio - se escucha grandioso en modo mayor al final de la obra (menos melancólico, más resolutivo y optimista).

La versión es antigua pero magnífica (sabéis que me gusta mostraros a los músicos en acción); es la misma que escuché por primera vez en el disco de mi adolescencia y me ha hecho ilusión encontrarla.

Disfrutad de este derroche de melodía y sonoridad románticas; es una maravilla.

Os dejo esta fotillo del auténtico protagonista, nada que ver ¿verdad?

Enlaces de interés: Las melodías fluviales

"I HAVE A DREAM" Y UN CONTAMINANTE POEMA

2011-03-21T08:43:00.022+01:00

Procedencia de la imagen

"No, no; no estamos satisfechos y no quedaremos satisfechos hasta que "la justicia ruede como el agua y la rectitud como una poderosa corriente."

I have a dream: Yo tengo un sueño

Hay quien dice que el famoso grupo sueco ABBA se inspiró en el famoso discurso de Martin Luther King para dejar constancia, con su música, de su deseo de un mundo mejor; otros músicos mucho más próximos a nosotros lo hicieron posteriormente a su manera y estilo sin referencia a discurso alguno, creando el suyo propio, absolutamente poético y bello.

Aquí os dejo ambos ejemplos musicales: dos estilos, dos momentos, dos lugares....un mismo fin.

Contra el racismo y por la poesía

ANA MAGDALENA Y UN REGALO MUSICAL

2011-03-13T18:22:00.048+01:00

Aprovechando que el Pisuerga pasa por Valladolid y que muchos nos encontramos estos días inmersos en el Barroco, vamos a asomarnos de nuevo a la obra de Johann Sebastian Bach - esta vez, de la mano de Ana Magdalena, su segunda esposa - y a detenernos un poquito en su persona. Para ello conoceremos la Pequeña crónica, un libro de notas en el que supuestamente la propia Ana Magdalena hace un retrato humano, psicológico y artístico del compositor refiriendose también a sus hijos y a su vida cotidiana.

La primera edición de este libro titulado Pequeña crónica de Ana Magdalena apareció en Alemania en 1925 de forma anónima aunque narrado en primera persona por lo que, durante algún tiempo, se atribuyó a ella la autoría del texto. Más tarde, la musicóloga británica Esther Meynell reconocería ser la verdadera autora.

En este enlace podemos escuchar su lectura ilustrada con la música de Bach y guiada por los comentarios de Gregorio Parra en un precioso programa emitido en Radio Clásica en Junio de 2010.

Libro de notas - La pequeña crónica de Ana Magdalena Bach

La crónica fue también llevada al cine (Chronik der Anna Magdalena Bach, Alemania 1968) por los franceses Jean Marie Straub y Danièle Huillet, con el gran Gustav Leonhardt en el papel de Juan Sebastian Bach; la película retrata, como el libro, la lucha cotidiana del compositor por trabajar y por sacar adelante a su familia.

Veamos el inicio de la misma con la interpretación de lo que puede considerarse el más claro antecedente de los conciertos para piano y orquesta; me refiero a la sorprendente, extensa y difícil cadencia (final) del primer movimiento (casi un solo para clave) del Concierto de Brandemburgo nº 5:

Y aquí Ana Magdalena al clave en una escena musical. ...y presumiblemente cotidiana.

Sobre ella - con quien el compositor contrajo matrimonio un año después de la muerte de su primera esposa, María Bárbara - nos dice el traductor y escritor Luis Carlos Gago:

Ana Magdalena Wilcke, una reputada cantante que demostró ser una excelente compañera, tanto del hombre - le daría otros trece hijos - como del músico -a ella le debemos varias de las más bellas copias autógrafas de sus obras.

Y puestos a hablar de dedicación y de dedicatorias solo nos queda volver sobre el Pequeño libro de Anna Magdalena y cumplir lo prometido hace unos meses cuando me permitía compartir con vosotros una mirada al pasado. El mencionado libro consiste en dos cuadernos manuscritos fechados en 1722 y 1725 respectivamente que el compositor regaló a su esposa y en los que incluyó numerosas y variadas piezas: minuetos, marchas, polonesas, arias....

Escuchemos, como entonces, otro minueto, en esta ocasión el famosísimo e interpretadísimo Minueto en sol mayor; lo escucharemos en primer lugar al clave - instrumento original para el que fue compuesto - y luego al piano . He encontrado también una versión orquestal cuya autoría desconozco pero que también incluyo (aunque desvirtúe un poco la sencillez de la obra original). Intentemos "escuchar" su sencilla forma.

Versión orquestal interpretada por Eugene Ormandy y la Orquesta de Filadelfia

Un regalo para todos ¿no?

Fuentes y enlaces de interés:
Luis Carlos Gago, Bach. Ed. Alianza cien
Hislibris
Miradas de cine

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BACH Y LOS ROCKEROS
VIVALDI Y BACH: DE LA CUERDA AL TECLADO

¿COSAS DE MUJERES?

2011-03-06T14:35:00.026+01:00

PRIMERA PARTE: PARA LA FORMACIÓN DE MIS JÓVENES LECTORES

Sobre la emancipación de la mujer y su integración en la vida social y política - que a muchos de vosotros os parece hoy algo normal - os dejo en primer lugar un fragmento de La noche temática en el que se habla de sufragismo, de la obtención del derecho al voto y de las primeras mujeres que alcanzaron cargos políticos en Gran Bretaña.

En segundo lugar, otro vídeo sobre el sufragio femenino en España. Cuando algunas de nuestras madres nacieron, las mujeres no podían votar; espero que seáis conscientes de lo que eso significa.

Y para los más "peques" esta canción que quizás hoy entiendan un poco mejor:

SEGUNDA PARTE: ¡MÚSICA, MAESTRA!

Y ahora va nuestra aportación a las celebraciones del día: el Concierto para piano y orquesta Op.7 en La menor de Clara Wiek (1819 - 1896), una de las mujeres compositoras (e intérpretes) más grandes de la Historia de la música. Algunos tuvisteis ocasión de conocerla cuando nos despedíamos de la pasada primavera ¿lo recordáis? . Podría haber elegido una obra más ligera, o más berve, o quizás un fragmento, pero me parece que lo procedente hoy es impresionar a los que todavía creen que en el mundo de la música las mujeres no han tenido protagonismo.

Lo compuso la autora en 1833 ¡a los catorce años! Sobre ella se puede leer en la Wikipedia:

Las razones por las que no se dedicó en mayor grado a la composición, a pesar de su talento evidente, fueron varias, entre ellas su carrera de concertista, sus ocho hijos, la devoción por su esposo y el papel de la mujer en el siglo XIX.

Ella escribió en su diario:

Alguna vez creí que tenía talento creativo, pero he renunciado a esta idea; una mujer no debe desear componer. Ninguna ha sido capaz de hacerlo, así que ¿por qué podría esperarlo yo?

Creo que sobra cualquier comentario así que os dejo el primer movimiento (Allegro maestoso); los otros dos están en youtube aquí y aquí. Son una maravilla.

Disfrutemos de la buena música, como siempre.

Entradas relacionadas: CELEBRANDO EL DÍA INTERNACIONAL DE LA MUJER

Enlaces de interés:

REVISTA DE ARTES
ALDEA DE LAS LETRAS
ONU MUJERES

Y esos blogs que tenéis en la columna de la derecha: Asociación de Mujeres en la Música y Mujeres instrumentistas.

CARNESTOLENDAS

2011-03-03T09:53:00.023+01:00

Foto: máscaras

Bonita e inusual palabra esa que denomina al carnaval ¿verdad?

Según Joan Corominas la palabra carnestolendas (del latín caro, carnis, 'carne', y tollendus, de tollere, 'quitar, 'retirar') sería la abreviación de la frase latina dominica ante carnes tollendas
"el domingo antes de quitar las carnes". (1)

Pues sí; este fin de semana nos vamos de carnaval, que en los madriles también tienen mucha tradición; comprobadlo en el comienzo de El escándalo, la novela de Pedro Antonio de Alarcón (realismo español) cuyo protagonista, Fabián Conde, recorre las calles de un decimonónico Madrid sorteando todo tipo de personajes disfrazados y grotescos:

El lunes de Carnestolendas de 1861 -precisamente a la hora en que Madrid era un infierno de más o menos jocosas y decentes mascaradas, de alegres estudiantinas, de pedigüeñas murgas, de comparsas de danzarines, de alegorías empingorotadas en vistosos carretones, de soberbios carruajes particulares con los cocheros vestidos de dominó, de mujerzuelas disfrazadas de hombre y de mancebos de la alta sociedad disfrazados de mujer; es decir, a cosa de las tres y media de la tarde-, un elegante y gallardo joven, que guiaba por sí propio un cochecillo de los llamados cestos, atravesaba la Puerta del Sol, procedente de la calle de Espoz y Mina y con rumbo a la de Preciados, haciendo grandes esfuerzos por no atropellar a nadie en su marcha contra la corriente de aquella apretada muchedumbre, que se encaminaba por su parte hacia la calle de Alcalá o la Carrera de San Jerónimo en demanda del Paseo del Prado, foco de la animación y la alegría en tal momento...

(Podéis continuar leyendo en este enlace: El escándalo. (Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes)

Pero además, en "Ab música" vamos a dar un paseo por el mítico carnaval de Venecia y para ello nada mejor que escuchar las célebres Variaciones de Niccolo Paganini (1782 - 1840) tituladas precisamente Variaciones sobre el Carnaval de Venecia. Asombrosas y virtuosísticas, como toda la obra de su extraordinario autor, os las traigo en dos vídeos: en el primero, muy simpático, el famoso tema interpretado por el violinista ruso Vadim Repin y en el segundo, la obra completa.

Sobre el genial Paganini os hablaré con más detenimiento en otra ocasión; por el momento sigamos de fiesta queridos cañadienses - como diría nuestra querida Carlota Bloom -. Celebradlo tanto en Coslada como en San Fernando y disfrutad mucho porque todo lo bueno se acaba; si no, que se lo digan a Don Carnal:

Facía la medianoche en medio de las salas
vino doña Cuaresma; ¡Dios Señor, tú me valas!
Dieron voces los gallos, batiéron de las alas
llegaron a don Carnal aquestas nuevas malas.

Juan Ruiz, Arcipreste de Hita: El Libro de Buen Amor

Fuentes y bibliografía:

(1) El castellano.org

Pedro Antonio de Alarcón: El escándalo

Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes

DE LOS ÁLAMOS VENGO

2011-02-21T09:19:00.036+01:00

Camino de los álamos de Moret
(Alfred Sisley)

No solo Alfred Sisley supo plasmar en sus cuadros las hermosas alamedas - éstas fueron tema recurrente del Impresionismo pictórico -, también lo hicieron, como podéis ver en los enlaces, Monet, Van Gogh , Cézanne o Klimt.

Los álamos, la belleza de su estampa y el rumor de sus frondas han sido inspiradores también en la música; vamos a verlo hoy con una preciosa canción popular que hizo famosa el compositor renacentista Juan Vásquez en el siglo XVI y de la que otros músicos posteriores como Manuel de Falla y Joaquín Rodrigo hicieron sus propias versiones.

A Juan Vásquez lo conocemos sobre todo por su obra profana, compilada casi toda en los libros "Villancicos y canciones a tres y a cuatro"(1551) y "Recopilación de sonetos y villancicos a cuatro y a cinco voces" (1560). Gran parte de sus villancicos (atención, alumnos de tercero) están construidos sobre melodías populares; también es importante saber que algunos vihuelistas de la época transcribieron algunas de sus obras, para vihuela y canto solista. Pero vamos a las audiciones.

Aquí tenéis el texto:

De los álamos vengo, madre,
de ver cómo los menea el aire.

De los álamos de Sevilla,
de ver a mi linda amiga.

De los álamos vengo, madre,
de ver cómo los menea el aire.

Escuchemos en primer lugar la obra polifónica de Vásquez a cuatro voces a capella:

A continuación la versión para voz y vihuela de Miguel de Fuenllana (1500 - 1579) con Carlos Mena y Juan Carlos Rivera respectivamente, en este precioso vídeo sobre imágenes de Aranjuez (Madrid).

Ya en el siglo XX Manuel de Falla utiliza el tema melódico en el primer movimiento de su Concierto para clave y cinco instrumentos (1926). Seguro que lo reconoceréis con facilidad.

Joaquín Rodrigo lo incluyó también en sus Cuatro madrigales amatorios (1948). Escuchadlo.

Y si de Sevilla son los álamos de la canción, de Sevilla fue el poeta que mejor los retrató, por eso concluímos nuestro bucólico paseo con los más bellos álamos de la Literatura (aunque esta vez sean de Soria).

¡Alamos del amor que ayer tuvisteis

de ruiseñores vuestras ramas llenas;
álamos que seréis mañana liras
del viento perfumado en primavera;
álamos del amor cerca del agua
que corre y pasa y sueña;
alamos de las márgenes del Duero,
conmigo vais, mi corazón os lleva!

(Antonio Machado)

¡Melómanos!; no os perdáis la PRECIOSA versión de Hesperión XX (Jordi Savall)

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CLASE MAGISTRAL

2011-02-16T19:35:00.023+01:00

Benjamin Zander

El compositor estadounidense Aaron Copland - del que os hablé al comienzo de esta andadura bloguera - escribió al final de su libro "Cómo escuchar la música":

La música solo puede estar viva realmente si hay auditores que estén realmente vivos. Escuchar atentamente, escuchar conscientemente, escuchar con toda nuestra inteligencia es lo menos que podemos hacer en apoyo de un arte que es una de las glorias de la humanidad.

Como ya sabemos, Copland, además de componer, desarrolló una intensa actividad docente y de difusión de la música intentando explicar lo que ésta significa, cómo influye en el oyente y cómo debemos escucharla.

Algo parecido hace nuestro personaje de hoy; el director de la Orquesta Filarmónica de Boston, Benjamin Zander (arriba), que nos da una lección extraordinaria, particular y entusiasta sobre música clásica, sobre la pasión y el entusiasmo. Os invito a su clase: sentaos y preparaos para disfrutar.

Y AHORA DECIDME: ¿OS GUSTA LA MÚSICA CLÁSICA?

ALGO SUBLIME

2011-02-14T08:56:00.028+01:00

Beethoven en 1809.
Dibujo de Schnorr von Carolsfeld.

Si tuviera que calificar lo que vamos a escuchar hoy lo haría de "sublime".

Según la RAE, sublime significa excelso, eminente, de elevación extraordinaria. U. m. en sent. fig. apl. a cosas morales o intelectuales. Se dice especialmente de las concepciones mentales y de las producciones literarias y artísticas.

Profundicemos un poco más:

Extracto del artículo que nos presenta Wikipedia

Lo sublime es una categoría estética, derivada principalmente de la obra Περὶ ὕψους ("Sobre lo sublime") del poco conocido escritor griego Longino (o Pseudo-Longino), y que consiste fundamentalmente en una belleza extrema, capaz de llevar al espectador a un éxtasis más allá de su racionalidad, o incluso de provocar dolor por ser imposible de asimilar.... Se caracteriza por una belleza extrema, que produce en el que la percibe una pérdida de la racionalidad, una identificación total con el proceso creativo del artista y un gran placer estético. En ciertos casos, lo sublime puede ser tan puramente bello que produce dolor en vez de placer. Una obra sublime tiene grandeza, no depende de la forma, prescinde de opiniones, se dirige más al interior, a una actitud psicológica. Lo sublime se relaciona con la belleza porque sobrepasa sus límites.

Todo esto, para introducir el segundo movimiento del Concierto para piano nº5 "Emperador" en Mi bemol mayor de Ludwig van Beethoven.
Escrito en 1809 y dedicado al archiduque Rodolfo de Austria, se divide en tres movimientos: Allegro - Adagio un poco mosso - Rondo allegro. Fue estrenado en Viena en 1812 por su discípulo, amigo y extraordinario pianista Carl Czerny (muy conocido también por los estudiantes de piano) y sobre él escribió Edouard Herriot (biógrafo):

Es una obra formidable, superabundante de pensamientos, cuya inmensidad se revela ya en la primera frase confiada al piano.

Escuchemos ahora esta música que - como habréis adivinado - me parece de una extremada belleza - sublime, claro -. Si no compartís mi opinión probad a escucharla atentamente varias veces y...ya me diréis.

El maestro Leonard Bernstein dirige al gran pianista Krystian Zimerman y a la Filarmónica de Viena.

El vídeo termina con la introducción del impresionante tercer movimiento (rondó) que va encadenado al segundo y que dejamos para otra ocasión. (Los melómanos podéis seguirlo en youtube, donde está el concierto completo).

Aquí, otra versión en un montaje sobre imágenes del compositor.

Aclaración: si se llama El emperador a este concierto, se debe a su magnificencia.

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NUEVO DÍA

2011-02-11T18:43:00.004+01:00

LOLE Y MANUEL: NUEVO DÍA

El sol, joven y fuerte,
ha vencido a la luna,
que se aleja impotente,
del campo de batalla.

La luz vence tinieblas
por campiñas lejanas,
el aire huele a pan nuevo,
el pueblo se despereza,
ha llegado la mañana.

Al amanecer,
al amanecer,
con un beso blanco
yo te desperté.

La noche llegó,
la noche llegó,
porque la montaña
se ha tragado al sol.

Y en la montaña
se oye un eco de gemidos,
el viento ha quemado un junco
que ya estaba florecido.

¿Por qué se ha escondido el sol?
Se queda muda de pronto
la flauta del gorrión.

Saca la red, hermano saca la red,
que ya ha salido la luna,
no la vayas a coger.

Ayer cuando amaneció,
una mariposa blanca,
de un lirio se enamoró.

PORQUE HAY COSAS IMPORTANTES QUE CELEBRAR

FRANCISCO TÁRREGA... CONNECTING PEOPLE

2011-02-04T18:20:00.030+01:00

Fotografía

¿Os suena esto?

Estoy segura de que todos conocéis esta sintonía ("tune", que no tono), pero lo que quizás no sepáis es que esas trece notas forman parte de una obra del compositor castellonense Francisco Tárrega (1852 - 1909). Su pequeño Gran Vals ha sido capaz de instalarse en la vida cotidiana de millones de personas en todo el mundo por obra y gracia de las nuevas tecnologías, la telefonía, la publicidad y los mercados.

Escuchad ahora atentamente:

Tárrega, que dedicó su vida a la guitarra, modificó la técnica de este instrumento fundando la moderna escuela guitarrística española; a él se debe en gran medida el auge de la misma en el siglo XX. Sus obras, entre las que se cuentan preludios, estudios, variaciones, transcripciones y numerosas pequeñas piezas, son parte esencial de los repertorios concertísticos. De entre todas ellas os propongo escuchar, además de ese Gran Vals, la que se titula Recuerdos de la Alhambra - también llamada Estudio en trémolo - y que todos habréis oído alguna vez.
Como váis a ver incluyo dos versiones; en el último vídeo el guitarrista John Williams nos muestra además la técnica del trémolo, que consiste en la repetición o sucesión rápida de muchas notas iguales, de la misma duración:

Procedencia de la imagen

Para saber más sobre este extraordinario compositor os recomiendo la lectura de los interesante y completos artículos de Marta Tirado, profesora de música del IES Francisco Ribalta:

Francisco Tárrega: un guitarrista imprescindible

A propósito de Tárrega

Bibliografía: Carlos Gómez Amat. Historia de la música española: El siglo XIX

EL ARIA DE LAS JOYAS

2011-01-26T23:44:00.039+01:00

Fantasía sobre Fausto
Mariano Fortuny (1866)
(Museo del Prado)

Volvemos hoy sobre el mítico Fausto - a quien ya nos referíamos hace unos meses - para aproximarnos a la ópera homónima del compositor francés Charles Gounod (1818-1893), cuyo libreto - de Jules Barbier y Michel Carré, que tenéis aquí enlazado - está basado en la famosa obra de Goethe.

Aunque no insista sobre el argumento, si quisiera recordaros a Margarita, la protagonista femenina que conocimos hilando en su rueca de la mano de Franz Schubert (¿recordáis?), y a quien en esta ocasión vamos a ver entusiasmada con las joyas que Fausto le ha regalado. El aria que escucharemos - Air des bijoux - no es otra que aquella cantada por La Castafiore en el famoso título de Las Aventuras de Tintín Las joyas de la Castafiore...

Aquí tenéis a la famosa diva...por si no la conocéis...

...y aquí ...una diva de verdad: escuchemos el aria completa en la voz de la grandísima María Callas (1923-1977). Si preferís podéis ver un vídeo de la escena.

Terminaremos con el final de la obra en el que Fausto es arrastrado al infierno por Mefistófeles mientras Margarita, la víctima de esta historia, ve recompensado su arrepentimiento.

La escena pertenece a la película El fantasma de la ópera (Joel Schumacher, 2004).

Aclaración: el pianista que aparece en el cuadro del romántico Fortuny no es Charles Gounod sino Juan Bautista Pujol interpretando su Fantasía sobre Fausto; más información en el pie de foto.

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BOSQUES...DE CINE

2011-01-20T17:47:00.038+01:00

Bosquecillo junto al Jarama y la laguna de El Raso en Velilla de San Antonio

Como hiciera Biblos en Bibloranca el 10 de enero, vamos a dedicar nosostros también una entrada al bosque; a los bosques de la tierra, llenos de vida y belleza, profundos y umbríos; a los bosques misteriosos y encantados poblados de elfos y gnomos; bosques de bellas durmientes, princesas fugitivas, intrépidas caperucitas y lobos feroces; a todos los bosques.

Si hay bosques famosos en la Historia de la Música estos son los de Viena, inmortalizados por Johann Strauss Hijo (1825-1899) en su vals titulado Cuentos de los bosques de Viena.

El compositor vienés, perteneciente a una dinastía de músicos como todos recordaréis, alcanzó enorme fama componiendo valses - más de cuatrocientos - que interpretaba con su propia orquesta.

Escuchemos esta muestra de su indiscutible y maravillosa inspiración melódica.

Sobre su vida se ha escrito y filmado mucho; veamos a continuación la escena de la película El gran vals (1938) dirigida por Julien Duvivier en la que los protagonistas, Luise Rainer y Fernand Gravey (en el papel de Johann Strauss),"componen" y cantan el tema del famoso vals mientras pasean por esos idílicos parajes.

Y para terminar , otro bosque genial...¿os acordáis?...

(Escena de la película "El Bosque Animado"(José Luis Cuerda, 1987) en la que el bandido Fendetestas (Alfredo Landa) se encuentra con el alma en pena de Fiz de Cotovelo (Miguel Rellán).

EN EL AÑO INTERNACIONAL DE LOS BOSQUES

También os gustará ver: Planeta Tierra: Bosques
Para los peques: aquí hay otro Bosque animado

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TROMPETA, JAZZ Y UN BIS

2011-01-16T10:58:00.032+01:00

¡Qué hermoso era el sonido de la trompeta

Cuando el músico contuvo el aliento

Y el aire de todo el Universo

Entró por aquel tubo ya libre

de obstáculos!

La trompeta (Ángel González)

Como lo hiciera Ligia Elena en aquella famosa canción de Rubén Blades - que podéis escuchar en el enlace - , y recogiendo la sugerencia de Carlota Bloom, vamos a escaparnos con un trompetista, o mejor con tres.

Ese compendio de estilos al que llamamos Jazz, originario de la Nueva Orleans decimonónica que a principios del siglo XX se extendió a Chicago y posteriormente al resto del mundo, ha dado mucho juego en esto de la música y, sobre todo, en lo que a la trompeta se refiere. Derivado pues del blues, del ragtime y pasando por el swing, el jazz ha devenido con el tiempo en múltiples ramificaciones como el cool-jazz, el free-jazz o el jazz-fusion .

En general y básicamente se caracteriza por el uso de la improvisación (desarrollo musical libre por parte del intérprete sin seguir una partitura) sobre temas previamente existentes o no, y el uso de la síncopa (ritmos sincopados).

Recordemos que la síncopa se produce cuando una nota (sonido) comienza en una parte débil del compás y termina en una parte fuerte (veremos la manera de explicarlo mejor en otra entrada). El uso continuado de la síncopa en una obra, da como resultado lo que se llama ritmo sincopado.

Hechas las aclaraciones pertinentes vamos a escuchar sin dilación y por orden cronológico a nuestros tres genios de hoy: en primer lugar Louis Armstrong con su swing (años trinta y cuarenta) , en segundo lugar Miles Davis con su jazz tan ... cool (años cincuenta y sesenta) y por último, uno de los grandes de nuestro tiempo, Wynton Marsalis y su maravillosa versatilidad.

Va a llevar su tiempo; disfrutadlo.

Pero Marsalis no solo toca Jazz....

Para terminar, melómanos, escuchad y "alucinad" con él y con Kathleen Battle en una interpretación de la Cantata BWV51 de Bach y en algo que ya os resultará familiar.

UN CONCIERTO PARA TROMPETA

2011-01-10T17:22:00.026+01:00

Imagen y más

Tocaron las trompetas, y cuando la gente oyó el sonido de la trompa alzaron gran griterío y se vino abajo la muralla.

Toma de Jericó. (Josué 6, 20-21)

Como habréis apreciado, la evolución de este poderoso instrumento ha sido espectacular desde las siete trompetas de cuerno de carnero a las que se refiere La Biblia o aquellas trompetas egipcias de las que hablábamos en la entrada anterior y cuyo sonido, según Plutarco, era semejante al rebuzno de un asno. ¿Algo parecido a esto quizás?

Temas de Brahms y Ravel interpretados con Vuvuzelas en la Konzerthaus de Berlin

Y ahora vamos a lo serio, porque esto que vamos a escuchar es muy serio: toda una delicia del más puro clasicismo.
Se trata del maravilloso Concierto para trompeta en Mi bemol de F. Joseph Haydn interpretado por la también maravillosa trompetista británica Alison Balsom, en sus tres movimientos: Allegro, Andante cantabile y Finale allegro.

(Alumnos cañadienses: prestad especial atención al tercer movimiento, a las familias viento-madera y viento-metal y al papel del instrumento solista)

LA MÚSICA DE LOS FARAONES

2010-12-28T09:05:00.044+01:00

El egipcio, película sobre la obra de M. Waltari dirigida por Michael Curtiz en 1954

La fascinación que el Antiguo Egipto ejerce sobre muchos de nosotros, y a la que alude nuestra querida Carlota Bloom en su entrada "Cosas maravillosas" , es comparable a aquella, irresistible, que la bella Nefernefernefer ejercía sobre el joven Sinhué (arriba).

Nunca estuve en Egipto y sin embargo han sido muchos los momentos que he pasado completamente atrapada por su historia, su arte y su magia; el último de ellos tuvo lugar el pasado 22 de Diciembre, cuando visitamos la exposición de la tumba de Tuthankamon y sus tesoros.

Entre tanta maravilla pudimos ver algunos instrumentos musicales; concretamente sistros y trompetas. Sobre ellos y otros interesantísimos aspectos musicales os enlazo La música y la danza en el Antiguo Egipto, el estudio de Pilar González Serrano, profesora titular de Arqueología en la Universidad Complutense de Madrid . Os recomiendo su lectura; es muy ameno y completo.

Aunque sabemos que todos los grandes templos tuvieron su propia escuela de música, canto y danza y sabemos de la función y la importancia de la música, de sus aplicaciones y de sus instrumentos, no resulta tan fácil saber cómo sonaba exactamente. Sobre este particular y sobre la reconstrucción de las melodias hay que destacar los trabajos de dos musicólogos: el alemán Hans Hickmann y el español Rafael Pérez Arroyo .

De Hickmann os propongo escuchar la reconstrucción de una pieza para lira - junto al arpa, el instrumento de cuerda más utilizado - perteneciente a su trabajo titulado Music of the Ancient Sumerians, Egyptians & Greeks interpretado por "The Ensemble De Organographia".

De Pérez Arroyo escucharemos el Himno 567 de los Textos de las Pirámides perteneciente a su proyecto Music in the Age of Pyramids.

La magia de la música nos transporta de nuevo a lugares y tiempos remotos, fantásticos...como también lo hacen la literatura (véase En ocasiones leo libros) o el cine; a propósito de éste último, tenéis una estupenda relación de películas en el enlace: El Antiguo Egipto en el cine.

Y ya que hablamos de cine quisiera despedirme con las palabras de un gran cinéfilo y escritor que supo recrear como nadie ese mundo de faraones y más concretamente la época de Tuthankamón, su padre Akenatón y su famosa madre, otra Nefer-Neferu-Atón-Nefertiti (mucho menos fatal que la de Sinhué) que enamoró al mundo con "El amargo don de la belleza"(1996):

...Se alejaba (Nefertiti) sin mirar atrás, el manto ondeando entre las túnicas negras de su séquito, todos avanzando hacia la eternidad...Desaparece dejando en mi alma mil ecos de músicas perdidas, voces dolorosas de la historia, que incluso la historia ha de escondernos en las leyes implacables del olvido...

Pero no os preocupéis queridos lectores; como véis...nada se ha olvidado...

Pues desde los siglos más remotos está escrito:

el hombre teme al tiempo y el tiempo sólo teme a las pirámides.

No digas que fue un sueño (1986)
(Terenci Moix)

ENLACES DE INTERÉS:
Pilar González Serrano: La música y la danza en el antiguo
egipto
Asociación Ibérica de Egiptología
Amigos de la Egiptología
Egiptología científica y divulgativa: "Reflexiones sobre la posibilidad de una notación musical en el Antiguo Egipto" por Agustín Barahona Juan.
Arqueoegipto

(Os he enlazado también la novela No digas que fue un sueño - preciosa por cierto - por si queréis devorarla estos días. ¡Que os aproveche!)

PUER NATUS IN BETHLEEM

2010-12-21T09:07:00.012+01:00

Un niño ha nacido en Belén, Aleluya.
Por eso está dichosa Jerusalén, Aleluya.
Con jubiloso corazón adoremos,
con un canto nuevo, a Cristo que ha nacido.

Nos despedimos del trimestre - y de la Edad Media, queridos alumnos de tercero - con los mejores deseos para todos y con este canto divino en las voces de los monjes Benedictinos del Monasterio de Silos.

Nos vemos a la vuelta..... en el polifónico Renacimiento...

FELIZ NAVIDAD

HOMENAJE A LA GENERACIÓN DEL 27

2010-12-16T18:04:00.021+01:00

Cada canción
es un remanso
del amor.

(F. García Lorca)

Hace ochenta y tres años se celebró en Sevilla una mágica reunión.... Desde nuestro rincón musical nos sumamos al homenaje organizado en la blogosfera.

CANCIÓN TONTA

Mamá.
Yo quiero ser de plata.
Hijo,
tendrás mucho frío.

Mamá.
Yo quiero ser de agua.
Hijo,
tendrás mucho frío.

Mamá.
Bórdame en tu almohada.
¡Eso sí!
¡Ahora mismo!

La "Canción tonta" es uno de los poemas que Lorca incluyó en su libro Canciones, una obra que recoge más de ochenta composiciones escritas entre 1921 y 1924.

La música formó parte de la vida de Lorca y estuvo también muy presente en la obra de sus colegas.
Como nos cuenta Ana María Sedeño Valdellós, La Argentinita - bailaora y cantaora flamenca - fue la musa de la Generación del 27. Acompañada al piano por Federico García Lorca, grabó una serie de canciones populares antiguas como Zorongo gitano, Anda jaleo, El Café de Chinitas, La Nana de Sevilla, Los Peregrinitos…

Vamos a escuchar en primer lugar la Nana de Sevilla con La Argentinita y Lorca, en una grabación histórica.

A continuación la Canción tonta en la voz de Ana Belén con música de Kiko Veneno.

Y cerramos con un dibujo del poeta que, como véis, fue un artista completo.

Lira

Todo esto y mucho más en:
Federico García Lorca: Obras completas (con prólogo de Jorge Guillén y epílogo de Vicente Aleixandre). Ed. Aguilar 1957

Sobre los textos de estas canciones populares armonizadas por Lorca os puede interesar este artículo de Pedro Vaquero

De propina... otra del poeta al piano.

EL ALBAICÍN HA ENMUDECIDO

2010-12-13T18:22:00.013+01:00

El gran Enrique Morente
Fotografía

Ab música y más está de luto.
Así da la noticia el Ideal de Granada.

Os dejo su voz, yo no tengo palabras.

Festival de Jazz de Vitoria Gasteiz 2006

Clausura de la Bienal de Sevilla 2009

Podéis seguir escuchándolo en estas entradas ¿os acordáis?:

Desde el Albaicín
Poemas de Miguel Hernández

UN MINUTO DE PUBLICIDAD

2010-12-09T09:58:00.015+01:00

Como hemos visto ya en alguna ocasión, la publicidad puede ser un recurso útil para la difusión, no solo del producto anunciado, sino de otras informaciones añadidas. En el caso de la música el hecho resulta más que evidente. Dicho esto, nada mejor que una breve joya de Chopin para empezar el fin de semana. Se trata del Vals Op.64 nº1 en Re bemol mayor, conocido como "Vals del minuto".
Sobre esta obra se dice en el artículo Anécdotas y curiosidades de Chopin:

.... en Nohant compuso en 1842 el famoso vals del Minuto. Otros le llaman el ‘Vals del perrito’. Dedicado a la bella Delfina Potocka, tiene su historia cuando Fryderyk y George viendo a su perrito ‘Marquis’ en la terraza del jardín dando vueltas alrededor de él mismo intentando morderse su cola, ella dijo, “si yo tuviese tu talento, compondría una pieza para piano para este perro”. Chopin fue al piano y compuso este simpático vals.

Aquí lo tenéis; seguro que os suena.

Este es uno de los anuncios que utiliza la música de Chopin:

Enlaces de interés: Polonia en español

Entradas relacionadas:
Al son de mi mandolina
Chopin y el Romanticismo

LA DANZA DE LOS ESPÍRITUS Y UNA CANCIÓN DESESPERADA

2010-11-28T10:03:00.048+01:00

Orfeo y Eurídice
Auguste Rodin

Como Ulises (La Odisea: Canto XI) o Eneas ( La Eneida: Libro VI), Orfeo también visitó el infierno.

Hijo de Calíope - musa de la poesía - y Apolo - que como recordaréis era el dios de la música - nuestro personaje poseía el don de la música y era capaz de cautivar con su voz y con su lira a todos los seres de la creación. Tras la muerte de su esposa Eurídice, bajó a los infiernos para rescatarla. Hades, conmovido por su canto, le permitió llevársela a condición de no mirarla hasta haber abandonado el inframundo. Orfeo no fue capaz de superar la prueba y Eurídice volvió a morir, esta vez para siempre.

Esta historia mítica y trágica se convirtió en argumento operístico en más de una ocasión, no en vano, la ópera recurrío sistemáticamente a la mitología desde sus comienzos. Hoy vamos a escuchar dos momentos de Orfeo y Eurídice, con la que el compositor del clasicismo Christoph Willibald Gluck, pone en práctica una auténtica reforma del género dotándolo de mayor naturalidad y estableciendo una relación equilibrada entre música y texto.(Recordemos que a lo largo del Barroco los cantantes se habían ido haciendo dueños de la escena y de los argumentos, imponiendo sus exigencias y haciendo prevalecer sus acrobacias vocales sobre el texto en detrimento de la linea argumental y de la calidad dramática, de manera que las óperas se fueron convirtiendo en un medio para la exhibición virtuosística.)

La mencionada ópera se estrenó en 1762 en Viena, con el castrato Gaetano Guadagni en el papel principal y con enorme éxito.

Los episodios que nos ocupan, son dos claros ejemplos de la belleza y el equilibrio clásicos. El primero, instrumental, corresponde a la Danza de los espíritus bienaventurados, a los que Orfeo encontrará en su camino. Observad la estructura ternaria en la que la sección inicial (A) vuelve a repetirse, a modo de reexposición, tras el lírico tema central (B) protagonizado por la flauta. (A - B - A).

En la imagen los protagonistas tal y como los vió Rubens.
Cerrad los ojos .... y escuchad....

A los amantes de la danza os dejo - para ver - esta preciosa versión de Pina Bausch

Por último escuchemos la más famosa de las arias de Orfeo (acto tercero): Che fàro senza euridice (Qué haré sin Euridice) que ejemplifica la "hermosa sencillez" que Gluck declaraba buscar; aquí está, en la voz de Teresa Berganza - a quien conocimos en Don Giovanni como Zerlina - con ilustraciones que corresponden a distintas escenas de la historia pintadas por diferentes artistas de todas la épocas. Dice así:

¿Qué haré sin Euridice?
¿A dónde iré sin mi bien?
¡Eurídice! ¡Eurídice!
¡Oh, Dios! ¡Responde!
¡Todavía soy tu fiel!
¡Eurídice! ¡Eurídice!
¡Ah, no me llega
ningún socorro, ninguna esperanza,
ni del mundo ni del cielo!

Enlaces de interés:
Apuntes de mitología
La Odisea: Canto XI
La Eneida: Libro VI
Galería de imágenes

IMPROVISACIONES Y PAISAJES EN UNA MAÑANA DIFERENTE

2010-11-24T17:51:00.020+01:00

Los paisajes americanos del pintor Asher Durand y las improvisaciones del pianista Federico Lechner hicieron de la mañana del 16 de noviembre una mañana diferente y especial, tanto para los alumnos de cuarto curso como para los profesores que los acompañamos.
Tuvimos ocasión de visitar, en primer lugar, la exposición sobre la obra del pintor norteamericano, con sus árboles, sus rocas y su paisajismo terapéutico y de asistir después al recital Músicas no escritas: el poder de la improvisación, en el que Federico Lechner nos condujo por los derroteros de las improvisaciones más variopintas aderezadas por los amenos y sabios comentarios del etnomusicólogo y compositor Polo Vallejo. Todo esto en la Fundación Juan March.

Para que podáis haceros idea, traigo una pequeña muestra que os hará apreciar la calidad de ambos artistas: aquí tenéis uno de los más famosos cuadros de Durand y una actuación del Federico Lechner Tango&Jazz Trio.

Asher B. Durand. El roble solitario (El viejo roble), 1844.
The New-York Historical Society

Quiero agradecer a nuestros alumnos su colaboración y su saber estar así como a nuestro compañero Claudino su compañía y su apoyo. Yo lo pasé muy bien con ellos... ¡y los saqué bien guapos en la foto!

LA VIDA BREVE

2010-11-23T09:34:00.006+01:00

Pese a la brevedad de la vida, el arte hace posible alcanzar la inmortalidad.

Hoy Nuria Pomares y la Filarmónica de Israel dirigida por Frübeck de Burgos en la Danza nº1 de La vida breve (Manuel de Falla)

Tal día como hoy nació en Cádiz el compositor Manuel de Falla.

UNA MIRADA

2010-11-20T20:54:00.023+01:00

Retrato
(Piedad Templado González)

Hay músicas que identifican lugares, momentos, vivencias y personas; algunas, son capaces de evocar todas esas cosas a la vez. Esta es una entrada dedicada a los niños que fuimos, a la amistad verdadera y a las personas que han formado parte de nuestras vidas , acompañándonos de una forma u otra, y que nos han hecho como somos.

Os propongo escuchar dos pequeñas obras compuestas por dos grandes genios; la primera, un minueto de J.S. Bach perteneciente al Pequeño libro de Ana Magdalena (sobre el que trataremos próximamente) y la segunda, una Sonata para piano (Op.49 nº1) de Beethoven en dos movimientos. Ambas son ejemplos de que belleza y genialidad no tienen porqué ser sinónimos de complejidad o dificultad. Aunque quizás no tengan un gran peso específico en el conjunto de las composiciones de sus autores, sí que lo tienen en las vidas de quienes alguna vez las estudiaron y las interpretaron.
Disfrutadlas, son una delicia.

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STAND BY ME

2010-11-17T18:08:00.010+01:00

En 1961 vio la luz en EEUU una canción compuesta por Ben E. King , Jerry Leiber y Mike Stoller ; se tituló Stand by me .
Se hizo tan famosa que sobrevivió décadas y décadas versionada por unos y otros y hoy se toca y se canta.... en todas partes. Vedlo en este vídeo que me ha pasado nuestro compañero José Ignacio.

Hay canciones que gustan a todos, que son de todos. Año tras año, alumnos de todas partes aprenden a tocarla en clase, porque, como ya sabéis, la música es un lenguaje universal.
Aquí os dejo la versión original, con su texto y su bajo ostinato, interpretada por Ben E. King .

Y por iniciativa de mis alumnos de 1º de ESO, con todos ustedes...¡Timón y Pumba!

DE MAJAS Y RUISEÑORES

2010-11-14T09:53:00.030+01:00

Ruiseñor (Imagen y más)

"Entonces el ruiseñor cantó para la encina, y su voz era como el agua que ríe en una fuente argentina".

El ruiseñor y la rosa (Óscar Wilde)

Es proverbial la belleza de su canto y quizás por ello la música ha recurrido a él con cierta frecuencia, especialmente en el Romanticismo. Así, compositores como Leo Delibes - al que nos hemos referido en mas de una ocasión - o los españoles Enrique Granados y Amadeo Vives, nos dejaron páginas verdaderamente hermosas protagonizadas por este pequeño y delicado personaje.

Su timbre aflautado y la altura de su canto encuentran su correspondencia musical en las voces y los instrumentos más agudos: soprano y flauta. Vamos a escuchar hoy algunos ejemplos en los que el remedo y el diálogo entre voz e instrumento lo emulan de manera asombrosa. Como no he podido encontrar la obra de Delibes (El ruiseñor), comenzaremos escuchando en primer lugar La maja y el ruiseñor de Granados - que forma parte de Goyescas - . En segundo lugar, La canción del ruiseñor de la zarzuela Doña Francisquita, obra de Amadeo Vives.
Ambos constituyen dos extraordinarios ejemplos de virtuosismo vocal.

Dejando a un lado los escenarios, ruiseñores y "majas" también los ha habido en la gran pantalla - cómo olvidar aquel otro "pequeño ruiseñor" del cine español (años cincuenta ) que hacía la competencia a nuestro pajarito -.

Sin embargo los ruiseñores más simpáticos han sido los que hemos podido ver en las películas de animación, en las que se reproduce exactamente todo lo que acabamos de explicar; vedlo vosotros mismos. Os dejo con La Cenicienta, Blancanieves y, en último lugar , Fiona (Shrek) y su particular visión de... Matar a un ruiseñor.

Enlaces de interés:

Sobre la música y el canto de los pájaros

El Ruiseñor de Leo Delibes

Oda al ruiseñor de John Keats

UN MAESTRO DE LA GUITARRA EN EL INSTITUTO

2010-11-09T11:28:00.030+01:00

Miguel Rivera

¡Oh, guitarra!
Corazón malherido

por cinco espadas.

(F. García Lorca)

Miguel Rivera es el maestro que cada martes y jueves está dispuesto a enseñar a todo el que quiera - alumnos, padres y profesores - los secretos de la guitarra. Este auténtico maestro del flamenco que dió su primer concierto a los veinte años y que ha recorrido medio mundo llevando a todas partes el espíritu y el arte del mas español de los instrumentos , ha tenido a bien recalar este curso en nuestro instituto .

Estas imágenes son solo una pequeña muestra de su actividad docente en el instituto: en su web podréis encontrar toda la información que deseéis sobre su persona, su trabajo, sus discos y sus proyectos además de algunos vídeos y fotografías. Os dejo el enlace para que podaís conocer un poco más a este increíble "profe" , para que sepáis valorarlo como es debido y seáis conscientes del privilegio y la suerte que tenéis de aprender con él .

LA GUITARRA FLAMENCA DE MIGUEL RIVERA

También os enlazo un par de entrevistas y algunas páginas, muestras de su importancia y trascendencia en el mundo de la música y especialmente en el Flamenco.

Entrevista en deflamenco.com

Entrevista en ruclip.com (Rusia)

Artículo en jondoweb.com

Como váis a comprobar en el vídeo, no hieren el corazón de la guitarra los increíbles dedos de Miguel Rivera, no; lo miman y lo enaltecen... y suena ésta, orgullosa y sentida.

Os dejo con la Suite Sevilla de Rafael Riqueni: colofón de Tríptico andaluz, la última propuesta musical de Miguel que se ha estrenado en Madrid el pasado mes de abril.

Escuchad y... "alucinad".

Tú eres alma que dice su armonía

solitaria a las almas pasajeras...
y siempre que te escucha el caminante
sueña escuchar un aire de su tierra.

(Antonio Machado)

¡Gracias Miguel, gracias José Ignacio!

EL NOMBRE DE LAS NOTAS

2010-11-01T13:20:00.021+01:00

"Si las notas conocéis, pronto bien ya cantaréis" decía Fräulein María a los niños Von Trapp en Sonrisas y lágrimas (The sound of music, 1965), aquella película que muchos recordaréis.

La mayoría de nosotros conocemos el nombre de las notas musicales, sin embargo muy pocos sabemos el porqué de ese nombre, de dónde salió o quién se lo puso.
¿Porqué se llaman do, re mi fa... y no, por ejemplo, le, ti, fu, po...? ¿Porqué parecen sílabas esos nombres? ¿Tienen algún significado real o, como cantaba Julie Andrews, solo imaginario?

Aunque el tema de la notación, su historia y su evolución, es un tema arduo, largo y complejo, vamos a intentar hoy dar respuesta a esas preguntas de una manera sencilla.

Al principio - en la Alta Edad Media - las notas no tenían forma definida y mucho menos nombre propio; en el siglo X los cantos eran memorizados por los cantores (recordad que estamos hablando del canto gregoriano); para ello se servían de algunas marcas escritas (pneumas) sobre el texto de la canción que básicamente indicaban, de forma orientativa, si la melodía subía o bajaba.

En el siglo XI el monje benedictino Guido d'Arezzo (abajo) se dió cuenta de que en un conocido himno - el himno a San Juan - cada una de las seis frases comenzaba con una de las seis notas más utilizadas, en orden regular y ascendente (es decir, como en una escala): la primera comenzaba sobre el sonido que hoy llamamos do, la segunda con el que llamamos re y así hasta la sexta frase. Para memorizar esos sonidos Guido propuso adjudicarles el nombre de la sílaba inicial correspondiente.
Así, las sílabas iniciales de estas seis frases se convirtieron en los nombres de las notas: ut, re, mi, fa, sol, la.
En el siglo XVI se fijó la altura de la nota Si incorporándola a la escala (¿de dónde creéis que sacaron su nombre?) y el el siglo XVII se sustituyó el nombre Ut por el de Do para facilitar el solfeo.

El texto del himno famoso - con cuya imagen abrimos esta entrada - dice así:

Ut queant laxis
resonare fibris
mira gestorum
famuli tuorum,
solve polluti
labii reatum,
Sancte Ioannes

(Puede traducirse como: Para que tus siervos puedan cantar libremente las maravillas de tus actos, elimina toda mancha de culpa de sus sucios labios, San Juan).

Nuestro genial monje también ideó el tetragrama (conjunto de cuatro líneas) en las que se comenzaron a escribir las notas cuadradas. Observadlo también el la imagen superior.

Todo esto se entenderá mejor prestando atención al vídeo; a ver si sois capaces de apreciar cómo cada frase empieza en una nota diferente y coincidente con las de la escala.

(De postre os dejo la famosa lección de Fraülein María. ¡Disfrutadla!)

Entradas relacionadas: IRÉ A SANTIAGO
TROMPE L'OEIL, TROMPE L'OREILLE

HOY....POEMAS DE MIGUEL HERNÁNDEZ

2010-10-30T09:24:00.011+02:00

Procedencia de la imagen

DON GIOVANNI

2010-10-24T16:11:00.038+02:00

Fotografía y mucho más

Isabela: ¡Ah, cielo! ¿Quién eres, hombre?
Don Juan: ¿Quién soy? Un hombre sin nombre

(Tirso de Molina: El burlador de Sevilla)

"Don Juan vive obsesionado por las mujeres y corre de una en otra, sin detenerse nunca en ninguna de ellas....es incapaz de amar.....se encara con el propio Dios, asaltando los claustros y faltando al respeto a las marmóreas efigies de los muertos."

(Gregorio Marañón: Don Juan)

Se acercan días de tenorios y difuntos , y entre "donjuanes" literarios - de los que ya se ocupa nuestra querida Carlota Bloom - y "donjuanes musicales", parece que es el momento de volver sobre el Don Giovanni de Mozart.
Esta ópera cuyo libreto - como ya sabéis - se basa en El Burlador de Sevilla de Tirso de Molina , nos presenta un Don Giovanni cruel de pensamiento y de obra, que terminará pagando con la vida y el alma todos sus desmanes y felonías. (En los enlaces tenéis los textos completos)

He seleccionado para la ocasión dos de las escenas más célebres de la obra.

En la primera - del famoso film de Losey del que ya os hablé en la entrada Día del libro - asistiremos al momento en el que Leporello, el fiel criado de Don Juan, muestra a la atribulada Doña Elvira - dama abandonada que a pesar de todo, lo ama - la larguísima lista de amantes y conquistas de su amo.
No perdáis detalle de como la música obedece al texto en todo momento cuando se refiere, por ejemplo, a las cifras y a los países, o a las cualidades que embellecen a las damas de toda clase y condición.

En la segunda escena asistimos a la tremenda aparición del "convidado de piedra", el comendador difunto que viene a cenar con Don Juan aceptando la invitación de este . Vemos como , sin piedad, se lo lleva con él al infierno, condenado para siempre. De nuevo la música subraya con fuerza la intensidad de las escenas.

Don Giovanni se estrenó en Praga el 29 de octubre de 1787.

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